Concept
L'art de Ruth Nasca ne peut pas être facilement catégorisé ; il pourrait être qualifié d'expressionnisme figuratif. Elle avait un style unique de dessin et de peinture, appliquant la couleur d'une manière lâche et libre, mélangeant souvent les couleurs directement sur la surface. Son œuvre comprend un large éventail de sujets, tels que les relations, le sexe, l'actualité, l'histoire générale et l'histoire de l'art, la culture pop et les voyages. Les spectateurs décrivent souvent son art comme audacieux, nerveux et provocateur. Lorsque les gens lui demandaient ce que signifiait une œuvre, plutôt que de leur dire, elle leur demandait ce qu'elle signifiait pour eux. Elle a utilisé une grande variété de matériaux inhabituels, notamment le Masonite, le Plexiglas, le vinyle, le collage, les charnières de piano et les affiches de cinéma.
Il n'est pas nécessaire de la définir comme une expressionniste, une post-moderniste ou une féministe. Il serait peut-être commode de la décrire comme une féministe, puisqu'elle était une artiste qui travaillait, mais aussi une femme, une mère et une fille, mais sa vie et son œuvre échappent à cette classification. La quasi-totalité de l'œuvre de Ruth représente la forme humaine. Elle était une peintre figurative et, à l'instar de Francis Bacon, elle achevait rarement un visage ; il n'y a pas de visage exact dans aucune de ses peintures. Les vagues traits du visage nous permettent de nous concentrer sur les figures, sur les couleurs et sur le "monsieur tout le monde" ou la "madame tout le monde" sans nom de ses tableaux. Nous constatons également que Ruth accorde plus d'attention à la fluidité du tableau et à l'entrelacement des personnages qu'à l'émotion qui se dégage de leurs visages. Souvent, les visages sont muets - on ne sait pas si le sujet est heureux dans les bras de son bien-aimé ou s'il dort.
Dans sa déclaration d'artiste, elle avait écrit : "Les gens sont importants pour moi. Depuis 1990, je crée des peintures d'affiches en dessinant le modèle nu directement sur les affiches de cinéma avec des pastels à l'huile. Le processus se poursuit avec des peintures acryliques, en utilisant des couleurs expressives, des formes fortes et des dessins audacieux pour donner une nouvelle signification à l'œuvre d'art. Les personnes qui regardent mon "art modifié" peuvent voir des images sexuelles qui sont des compositions originales et sensibles. Je trouve que l'individualité du visage est aussi importante que la forme humaine".
Entre le milieu et la fin des années 1960, des images récurrentes de bébés et d'enfants apparaissent dans un grand nombre de ses œuvres. Rétrospectivement, on peut dire que ce thème est le résultat de sa condition de femme et de mère, car cette imagerie est notablement absente de l'art de ses pairs masculins.
Ruth connaissait non seulement l'art moderne et contemporain, mais aussi toute l'histoire de l'art. Certains de ses titres font clairement référence aux peintres importants de la première moitié du XXe siècle. Elle a emprunté au groupe Bleu Reiter, aux expressionnistes allemands et évidemment aux expressionnistes abstraits, entre autres. Elle a également été influencée par de nombreux maîtres modernes : Goya, Picasso, Modigliani, Matisse et d'autres. On peut voir comment sa palette de couleurs a été influencée par les couleurs audacieuses et luxuriantes de Matisse, ainsi que par ses figures esquissées contrastant avec des arrière-plans plus clairs. On peut également reconnaître une similitude avec la façon dont Philip Guston a manipulé le pastel avec des tons de peau pêche et rose. Dans d'autres tableaux, on peut voir l'influence de ses pairs et mentors comme Willem de Kooning, David Park, Larry Rivers et d'autres importants peintres modernes américains. Nous voyons également son lien avec les importantes combinaisons de Rauschenberg.
D'une manière contemporaine, elle a exploré le rythme et la fluidité de la forme humaine sur du Masonite ou du papier en utilisant de la peinture acrylique et du pastel à l'huile. Ce qui est le plus unique dans son travail, ce sont les peintures recouvertes de "voiles de vinyle". La peinture est destinée à être regardée avec le voile translucide peint qui recouvre la peinture sur Masonite en dessous. En soulevant le voile, on peut voir les images du dessous comme s'il s'agissait d'une peinture distincte. Le voile peut représenter la manière dont on se représente au monde, et la peinture en dessous est alors l'aspect caché ou le subconscient.
Par essence, les peintures de Ruth défient nos attentes. Bien qu'elle ait eu sa part de difficultés, elles étaient toutes accessoires à la création artistique. Elles n'avaient rien à voir avec la mission qu'elle s'était fixée : continuer à créer. Elle n'a jamais cherché à bouleverser l'ordre établi, que ce soit au niveau du contenu ou du contexte, mais elle a cherché à apporter une contribution unique à la façon dont nous voyons l'art, à la raison pour laquelle nous voyons l'art et à la façon dont nous faisons de l'art qui a du sens. Dans l'art de Ruth Nasca, il y a toujours plus que ce que l'on voit.
