Yaroslav Kurbanov

Entretien avec l'artiste Yaroslav Kurbanov 2011

Comment définissez-vous ce qui est de l'art pour vous et ce qui ne l'est pas ?

"Mon attitude envers l'art en général et mon art en particulier est définie par les points suivants :
Premièrement :
- Une œuvre d'art doit avoir une idée, qu'elle s...

Entretien avec l'artiste Yaroslav Kurbanov 2011

Comment définissez-vous ce qui est de l'art pour vous et ce qui ne l'est pas ?

"Mon attitude envers l'art en général et mon art en particulier est définie par les points suivants :
Premièrement :
- Une œuvre d'art doit avoir une idée, qu'elle soit actuelle ou déjà dans le contexte de l'histoire. Le principal est qu'elle doit exciter le spectateur, éveiller ses sens et l'inviter à réfléchir. De nos jours, les artistes essaient souvent de remplacer toute la palette d'émotions que l'art est censé susciter par un simple choc et un rejet.

Deuxièmement :
- L'artiste doit trouver le bon matériau, ainsi que la bonne technique et la bonne forme, pour exprimer son idée de la meilleure façon possible. Il ne faut pas s'attacher aveuglément à un style, surtout s'il ne répond pas aux objectifs que l'artiste s'est fixés. L'œuvre d'art doit primer, et non la personnalité de l'artiste. Et une œuvre d'art "doit fonctionner" même sans le contexte de la personne qui l'a créée. Nous pouvons ne pas connaître la vie de l'artiste, les difficultés de son œuvre ou son parcours, mais l'œuvre d'art doit quand même nous impressionner. Tous ces détails ne sont que des "épices pour le plat principal". Par exemple, tout au long de sa carrière, Picasso a changé brusquement de style artistique à plusieurs reprises en fonction des tâches qu'il s'était fixées. Et nous sommes tout à fait à l'aise avec ses différentes périodes dans son œuvre sans connaître toutes les circonstances de sa vie personnelle et artistique.

Troisièmement :
- Une œuvre d'art doit être réalisée de manière professionnelle.
Je suis frustré lorsque je vois une approche amateur de l'exécution. Parfois, je vois un geste intéressant dans l'œuvre d'un artiste qui n'a aucune compétence technique et c'est très frustrant. Bien que j'appelle le XXIe siècle "le siècle des dilettantes", qui ont décidé que l'éducation artistique n'était pas nécessaire et ont rempli tout l'espace artistique avec leurs "créations", je continue de croire que l'éducation est nécessaire, non seulement dans les sciences techniques ou médicales, mais aussi dans le domaine de l'art.

Quelles sont les idées et les pensées qui vous intéressent dans le domaine de l'art ?

Dans mon travail, j'aborde des thèmes qui sont importants pour moi personnellement. En lisant la littérature classique et contemporaine, je me suis rendu compte que les mêmes thèmes tourmentaient les gens il y a cent ans et même avant. Il s'agit de l'amour et de la haine, de la foi et de la trahison, de la peur et de la maîtrise de soi, du décalage entre le monde intérieur d'une personne et son image extérieure, du "masque" qu'elle porte pour les autres. Le temps n'a aucun pouvoir sur ces thèmes. C'est ce qui les distingue de nombreux sentiments quotidiens qui tombent dans l'oubli après quelques années, quelques mois et parfois quelques jours. Les valeurs spirituelles préoccupent les gens comme par le passé, et ils tentent de trouver des réponses aux mêmes questions, tout comme auparavant : Qui suis-je ? Où suis-je allé ? Quel est le sens de la vie ? Qu'est-ce que le bonheur ? Qu'est-ce que l'amour ? Notre monde intérieur essaie encore et encore de trouver les réponses à ces questions dans le monde extérieur. Mon art est ma tentative de répondre à ces questions.

Pourquoi avez-vous choisi un style de réalisme plutôt traditionnel dans le monde moderne, alors qu'il est beaucoup plus facile et rapide pour un artiste contemporain de dessiner dans un style abstrait par exemple ?

Le défi technique et esthétique consiste à exprimer l'idée principale de manière claire et complète, et si le réalisme convient à cela, alors il ne faut pas avoir peur d'être non moderne. En fait, je préfère définir mon style non pas comme réaliste, mais comme métamoderne. Le style métamoderne vous permet d'éviter les contraintes du réalisme, d'exploiter pleinement toute la gamme des arts visuels, de les combiner de toutes les manières possibles et de jouer avec eux.
Les artistes qui travaillent sur l'art abstrait ne pensent souvent qu'à la forme, ils n'ont pas d'idées. Ils ne cherchent qu'un style pour être reconnaissables. Ce n'est plus de l'art mais du design. C'est de l'art qui ne vous dérange pas, il n'a qu'une idée - s'accorder avec la couleur de l'intérieur, du canapé, des rideaux et du papier peint. À mon avis, si un artiste n'a aucune idée, il choisit l'abstraction comme principale forme d'art pour cacher son manque d'idées et de maîtrise du métier.
Mais il y a aussi l'autre extrême dans l'art. Quand un artiste ne peut pas généraliser et styliser les images qu'il dépeint. Dans ce cas, il ne montre que son savoir-faire, en réalisant des peintures selon le principe "Ce que je vois est ce que je dessine", c'est-à-dire qu'il travaille avec une sorte d'appareil photo, sans utiliser toute la riche palette des capacités de l'artiste moderne.
L'art véritable est donc ce délicat exercice d'équilibre entre tous les éléments, qu'il est souvent impossible de décrire avec des mots. Mais si vous êtes un professionnel et que vous avez un "œil exercé", alors vous pouvez voir sans articles ni explications ce qui est réel et ce qui est superficiel. Et peu importe le style dans lequel il est réalisé.

Votre travail a souvent un double fond, est-ce intentionnel ?

J'utilise presque toujours des symboles dans mon travail. Il y a toujours eu des symboles dans l'art, car l'art n'est pas un miroir qui reflète directement le monde. Le symbolisme de l'art repose encore et toujours sur le spectateur qui perçoit les symboles simplement et naturellement, comme ils existent dans sa vie quotidienne. Cependant, chaque époque possède son propre langage de symboles. La nature morte du XVIIIe siècle pouvait raconter toute une histoire à ses contemporains, mais aujourd'hui elle n'est plus pour nous qu'une collection d'objets. L'art contemporain et le spectateur contemporain ont leurs propres symboles d'actualité.

À travers les noms des tableaux, j'essaie à la fois de rendre le spectateur plus conscient de mes symboles et de le conduire au sujet traité dans mon travail. Je crois que chacun comprend l'idée de l'œuvre et l'interprète et la développe à sa manière. Je ne veux pas imposer mon opinion au spectateur. Chaque personne a sa propre vision du monde qui l'entoure. De cette façon, il existe un dialogue silencieux entre l'œuvre d'art et le spectateur.

Si le spectateur est détourné des soucis et de l'urgence du quotidien et qu'il réfléchit à des thèmes éternels, ne serait-ce que pendant quelques minutes, je peux affirmer que mon art a rempli son objectif.