Des couleurs vives et des animaux qui semblent naître des fleurs, des plantes et des arbres.
Les œuvres de l'aquarelliste Hiroki Takeda attirent l'œil du spectateur à la fois par leur gradation exquise, qui n'est possible qu'avec des aquarelles transparentes, et par leur style de dessin unique qui exploite au maximum les espaces vides.
Okumura, collaborateur de TRiCERA ART, a interviewé l'artiste pour connaître la source de sa créativité.
Quel genre de personne est Hiroki Takeda, qui travaille actuellement en tant que premier artiste résident de TRiCERA ?

Comment l'aquarelliste Hiroki Takeda s'est-il établi ?

En coloriant des mangas lorsque j'étais à l'école primaire.

Quelle est la première fois que vous avez commencé à dessiner ?

J'ai aimé les mangas dès mon plus jeune âge et je copiais souvent des images de mangas.
C'est à ce moment-là que j'ai commencé à m'intéresser au dessin.
J'aimais particulièrement "Dragon Ball". Je ne regardais que ça. Quand j'étais dans la deuxième moitié de l'école primaire, j'aimais aussi "Slam Dunk".
J'avais l'habitude de colorier toutes les pages des bandes dessinées Dragon Ball.
Les mangas sont dessinés avec des lignes en noir et blanc, alors je pensais que l'ensemble était déjà un livre à colorier. Quand j'y pense maintenant, c'est une perte de temps (rires).
Lorsque je suis entré au collège, les études sont devenues plus difficiles. C'est peut-être pour cette raison que j'ai commencé à m'intéresser davantage au dessin.
Je ne voulais plus faire d'études normales. Je suis donc entré au lycée Niiza Sogo Gijutsu, qui avait un département de design, où j'ai suivi des cours spécialisés comme le dessin.
Les professeurs du lycée appréciaient beaucoup mon travail et m'ont encouragé à aller à l'école d'art.
C'est donc tout naturellement que j'ai intégré une école d'art.

Croquis en plâtre réalisés au lycée

De mon passage à l'école des beaux-arts à ma période d'illustrateur en quête d'originalité

C'est comme ça que ça s'est passé, alors quand je suis entré à l'université, je me suis dit : "Je vais devenir designer".
Je voyais où j'allais travailler et je me suis dit que si j'aimais dessiner et que je voulais en faire mon métier, ce serait le design.
Je suis entré à l'université Nagoya Zokei et je me suis spécialisé dans le graphisme.
Au cours de ma première année à l'université, j'ai fait quelques travaux de base. Au lieu de dessiner soudainement sur un ordinateur, nous avons travaillé avec des croquis et de la peinture.
J'ai suivi un cours d'aquarelle transparente et c'est là que j'ai découvert le travail de Goro Sasaki.

Site officiel de Goro SasakiExtrait du site officiel de Goro Sasaki
M. Sasaki venait à l'université une fois par semaine pour enseigner l'aquarelle, et j'ai été vraiment choqué par son expression.
Jusqu'alors, j'avais l'impression que l'aquarelle était une technique de peinture douce utilisée par des personnes âgées comme passe-temps, mais le contraste dans le travail de M. Sasaki était très fort.
L'utilisation de la couleur est également quelque chose que je n'avais jamais vu auparavant. J'ai trouvé cela vraiment "cool".
Jusqu'alors, je dessinais des images pop et mignonnes, mais à partir de ce moment-là, j'ai commencé à me tourner vers des images plus matures et plus cool qui utilisaient le "blot" et d'autres techniques.

Parallèlement, au cours de mes quatre années d'études universitaires, j'ai réalisé que le design n'était pas fait pour moi. Je me suis également rendu compte que l'analogique correspondait mieux à ma nature que le numérique.
Après avoir décidé que je n'étais pas un designer, j'ai donc cherché à devenir d'abord un illustrateur.
J'avais étudié le design et je pensais qu'un emploi d'illustrateur me conviendrait parfaitement.
Après avoir obtenu mon diplôme universitaire en 2010, j'ai travaillé comme illustratrice tout en travaillant à temps partiel. C'était l'époque où j'explorais et cherchais encore mes propres images. J'ai essayé de nombreux matériaux artistiques différents.
Pendant un an à un an et demi, j'ai expérimenté différents matériaux de peinture, mais j'aimais de plus en plus les belles couleurs de l'aquarelle. J'ai fini par revenir à l'aquarelle comme médium artistique.
Au début, j'étais douée pour peindre les visages des gens, mais après avoir réalisé l'attrait de l'aquarelle, j'ai commencé à essayer activement de peindre d'autres choses que des visages.
C'est à cette époque que m'est venue l'idée de "peindre des animaux avec des fleurs".
Je pense que mon style actuel s'est consolidé depuis 2012.

Hiroki Takeda, Tiger, 2020, L 38,30 cm x H 53,50 cm

Au cours de votre période exploratoire, vous avez expérimenté divers matériaux de peinture - avez-vous utilisé la peinture à l'huile, par exemple ?

Non, je n'ai pas fait beaucoup de peinture à l'huile.
La peinture à l'huile et la peinture japonaise ont été réalisées par quelqu'un d'autre pendant des dizaines ou des centaines d'années. Je pensais beaucoup à "ce que je suis le seul à pouvoir faire" et je faisais des choses très expérimentales, par exemple, déchirer des peintures, coller quelque chose dessus, éclabousser de la peinture, et finalement brûler les peintures et utiliser des objets brûlés comme des peintures.
Je me disais que j'étais le seul à faire cela, mais en même temps, je me demandais comment je pourrais trouver du travail avec ce genre d'œuvres.
D'un autre côté, il m'arrivait de regarder les œuvres d'artistes actifs et de me demander comment ils étaient capables de dessiner des choses aussi étonnantes, et à d'autres moments, je ne savais plus où donner de la tête.
Quoi qu'il en soit, je travaillais en tant qu'illustrateur, et lorsque j'ai pensé à ce travail avec une échéance, je n'ai pas opté pour la peinture à l'huile parce qu'elle sèche lentement.

La rencontre avec un mentor

Quand on entend dire que vous brûliez des images, vous faisiez aussi des choses que l'on ne peut pas imaginer dans votre travail actuel.

Vous avez mentionné le nom de Goro Sasaki, mais quel genre de personne a influencé le style actuel de Takeda-san ?

Les peintures de Goro Sasaki ont une certaine individualité, comme dans "C'est déjà une tache de Goro Sasaki".
Tout en l'admirant, j'ai toujours pensé que même si j'utilisais les mêmes aquarelles transparentes, je pourrais produire quelque chose de différent de son travail, quelque chose avec les "couleurs d'Hiroki Takeda". Je ne suivrais jamais la même voie.
J'ai également fait la connaissance de l'artiste OHGUSHI lorsque j'étais à l'université, mais j'ai beaucoup aimé son travail et il m'a beaucoup aidé par la suite.

OHGUSHI, Cloud Dragon, Mogami Inariyama Myokyoji Temple, 2023, double lauréat des prix d'argent et de bronze lors de la 102e cérémonie annuelle de l'ADC.
Il a principalement utilisé l'encre pour dessiner des visages de femmes dans des compositions et des styles de dessin audacieux, par exemple.
En 2012, alors que je développais mon propre style, j'étais confiant dans ce style d'aquarelle, mais la réponse des gens que je connaissais n'était pas bonne.
J'ai donc voulu savoir ce que les professionnels pensaient de mon travail d'un point de vue plus objectif, et en faisant des recherches, je suis tombée sur un projet appelé "Terakoya" organisé par OHGUSHI.

(Terakoya : initiative à but non lucratif organisée par l'artiste de l'encre et de l'aquarelle OHGUSHI, dans le cadre de laquelle des instructeurs, principalement des illustrateurs professionnels, donnent aux étudiants la possibilité de recevoir des conseils spécifiques. L'histoire de 12 ans se terminera en 2022, mais il est prévu de lancer un projet distinct. Site officiel de Terakoya)

J'ai donc pu faire une présentation devant des personnes qui travaillent chez Dentsu, le président d'un magazine de design, etc. Ce n'était que la première édition de Terakoya.
Lorsque j'ai présenté mon travail, il a été très bien accueilli.
Le président du magazine Illustration Note m'a également donné un coup de pouce en me disant : "Votre travail est vraiment magnifique, continuez comme ça".
La reconnaissance que j'ai reçue à ce moment-là m'a donné la confiance et la conviction que je pouvais poursuivre mon travail.
OHGUSHI m'a ensuite invité à plusieurs reprises à des événements organisés par ses soins, et j'ai beaucoup appris à ses côtés.
OHGSUHI est également un illustrateur et un artiste qui vend des œuvres originales, et je suis très influencé par sa façon de travailler. Il est vraiment mon mentor.

Activités actuelles de l'artiste et implication dans TRiCERA ART

Ce qui est important dans le développement d'une carrière

Après une période d'exploration et de travail en tant qu'illustrateur, vous avez abouti à votre carrière actuelle en tant qu'artiste.

Au début, j'ai essayé de travailler en tant qu'illustrateur, mais le goulot d'étranglement était que je devais m'exprimer de la manière souhaitée par le client. Cela ne se passait pas bien et je n'arrivais pas à respecter les délais.
J'ai donc pensé qu'il serait plus amusant de dessiner ce que j'aimais et que cela me conviendrait mieux. C'est pourquoi j'ai décidé de devenir peintre.
Avant de rencontrer M. Iguchi, je n'avais aucune idée de ce que je faisais. Je pensais que la seule façon de vendre mon travail de peintre était de l'exposer.
Lors d'événements, je distribue des cartes postales et des cartes de visite. De plus, à l'heure des réseaux sociaux et des événements divers, je pense qu'il est important de faire connaissance avec le plus grand nombre de personnes possible.

(Yasushi Iguchi : représentant de TRiCERA Co. Après avoir travaillé pour un fabricant d'équipement audio établi de longue date et pour le plus grand fabricant d'équipement médical d'Allemagne, il a rejoint Nike. Après avoir travaillé sur plusieurs projets mondiaux dans le domaine de la chaîne d'approvisionnement et de la logistique internationale, il a créé TRiCERA Corporation en 2018. TRiCERA Ltd. est actuellement l'une des plus grandes places de marché de l'art en Asie, avec plus de 7 500 artistes de plus de 126 pays et environ 70 000 œuvres d'art.)

Facteurs décisifs pour travailler avec TRiCERA

Y a-t-il eu des facteurs déterminants pour rencontrer le représentant Iguchi et travailler avec TRiCERA ?

M. Iguchi m'a contacté exactement au bon moment, lorsque j'ai commencé à travailler comme peintre. Le moment était vraiment bien choisi.
À cette époque en particulier, je savais encore que les peintures pouvaient être vendues à l'étranger. Cependant, le transport d'un tableau à l'étranger coûte des centaines de milliers de dollars. Même les petits tableaux coûtent autant, et s'ils ne se vendent pas, je suis dans le rouge.
Alors que je me débattais avec cette situation, j'ai assisté à la Design Festa au Tokyo Big Sight et j'ai été approché par M. Iguchi.
Il m'a demandé si je souhaitais vendre mes œuvres d'art originales à l'étranger. Les mots clés "vendre des œuvres d'art originales" ont suffi à me faire dire "oui, s'il vous plaît, faites-le pour moi" (rires).
Ils étaient conscients du fait que cela coûterait beaucoup d'argent si nous le faisions normalement, et la vision de TRiCERA de "créer une plateforme pour les artistes du monde entier" correspondait à ce que je voulais faire.
Mais au début, je craignais que ce ne soit trop axé sur l'artiste et je me demandais si un projet aussi idéaliste était vraiment possible.

Le dilemme de M. Takeda et ce que TRiCERA essayait de résoudre correspondaient donc exactement.

Depuis le désastre de Corona, l'industrie de l'art s'est déplacée en ligne à bien des égards. Dans ce contexte, que représente pour les artistes une galerie comme TRiCERA, qui a une présence à la fois en ligne et hors ligne ?

Lorsque nous vous avons parlé pour la première fois, nous n'avions pas à l'esprit les ventes nationales. Nous voulions établir des liens avec l'étranger.
Avant même de rencontrer TRiCERA, j'avais reçu plusieurs messages de l'étranger par le biais de messages directs sur des sites de réseaux sociaux. Cependant, ils étaient tous rédigés en anglais, et comme je ne parlais pas anglais, je n'avais pas d'autre choix que de les ignorer à l'époque. J'étais capable de faire face à de simples commentaires, mais lorsque je recevais de longs messages comme des offres d'emploi, c'était très difficile... Je n'avais pas d'autre choix que de les laisser passer. Je n'avais pas d'autre choix que de les laisser passer.
Mais depuis que j'ai commencé à travailler avec TRiCERA, ils se sont occupés de tous ces aspects. Nous avons pu réaliser des collaborations avec des entreprises étrangères par le biais de messages directs et de courriels, et lorsque des problèmes se sont posés, nous avons pu les résoudre en tenant compte des lois des deux pays, ce qui nécessite des connaissances et des compétences spécialisées.




Collaboration avec bluespot Inc. Grands mouchoirs en bandana reproduisant l'œuvre d'art avec une touche de précision.

Travail de collaboration avec bluespot Inc. Assiettes de qualité supérieure soigneusement produites pièce par pièce dans un four de poterie de Kutani.


Dans le processus d'apprentissage du métier d'artiste, si je dois gérer moi-même les demandes de renseignements et autres correspondances lorsque je commence à gagner en popularité, j'ai moins de temps pour dessiner, ce qui est de toute façon mon métier d'artiste à l'origine. J'avais beaucoup de difficultés à cet égard lorsque j'ai rencontré TRiCERA, qui m'a aidé non seulement à résoudre le problème linguistique mentionné ci-dessus, mais aussi à accomplir diverses autres tâches de communication et de planification en mon nom, ce qui m'a permis de me concentrer sur mon propre "dessin". C'est le plus important.

Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez voir plus souvent dans TRiCERA à l'avenir ?

Pour l'instant, TRiCERA nous demande souvent de proposer différents projets sous la forme de "Pourquoi ne faites-vous pas quelque chose comme ça", il y a donc toujours des défis à relever.
Je pense que les points que j'aimerais voir TRiCERA développer en tant que plateforme viendront après que les défis qui se présentent à nous auront été stabilisés avec succès.
Si nous nous lançons dans la production de biens, je ne pense pas qu'il soit bon que l'œuvre d'art originale soit placée avec les biens, c'est pourquoi je vous serais reconnaissant de séparer les pages ou de créer une page dédiée à l'œuvre d'art originale.

Concernant l'avenir des activités de l'artiste

Sur le développement de nouvelles œuvres

Je pense que vous préparez actuellement votre exposition personnelle pour juillet 2023. Puis-je vous demander quel sera le thème de l'œuvre ?

Je travaille sur le thème des "bêtes divines" pour cette exposition personnelle.
Jusqu'à présent, j'ai dessiné des créatures qui existent réellement, comme des chiens et des chats, mais j'ai été motivé pour évoluer à partir de cela et dessiner des créatures comme des dieux qui n'existent pas réellement sur un écran plus grand que d'habitude.
Je suis encore en train de faire des recherches et de les créer moi-même, mais chacun des différents dieux et bêtes a sa propre couleur thématique, pour ainsi dire.
J'avais l'habitude de dessiner les créatures elles-mêmes avec toutes les couleurs que je voulais, mais pour les bêtes divines, j'ai essayé de les dessiner une par une, en me concentrant sur leurs couleurs individuelles. Par exemple, pour l'oiseau vermillon, j'ai utilisé l'image du rouge. Je n'avais jamais adopté l'approche consistant à restreindre les couleurs auparavant, c'est donc l'un des défis que je dois relever.


Nouveau travail en cours pour la prochaine exposition personnelle

Comme vous devenez un artiste plus populaire, je pense que vous recevez davantage de commandes et d'autres ordres pour vos œuvres. Par ailleurs, avez-vous une idée de ce que vous souhaitez faire après votre exposition personnelle en juillet, en termes de production libre ?

Je continuerai à travailler principalement avec l'aquarelle.
En ce qui concerne les thèmes, j'ai beaucoup peint d'animaux ces derniers temps, et j'aimerais également peindre des sujets non animaliers.
En dessinant au jour le jour, je prends des notes sur ce qui me vient soudainement à l'esprit et que je veux dessiner.
J'aimerais également prendre le temps de créer des œuvres plus grandes. Même si cela n'a rien à voir avec les expositions.
Cependant, en relevant ces défis, je ne veux pas faire quelque chose de complètement différent, mais je veux créer des œuvres qui soient reconnaissables comme des œuvres de "Hiroki Takeda" au premier coup d'œil. Je veux le faire de manière à ce que le contenu de l'expression soit actualisé.

Certaines de ces œuvres ne sont pas ses peintures animalières les plus connues. Hiroki Takeda, Life Blooms, 2022, L 103,00 cm x H 72,80 cm.

Objectifs en tant qu'artiste

Voici la dernière question. En tant qu'artiste, avez-vous des objectifs pour l'avenir ?

Je diffuse souvent mon travail en direct sur Instagram, et il y a une chose dont je parle souvent.
Dans une émission de télévision, on demande aux étrangers : "Que savez-vous du Japon ?" Les personnes qui ne connaissent pas le Japon se voient souvent poser des questions telles que "Que savez-vous du Japon ? Si vous ne savez pas, vous pouvez dire : "Le Japon ? Où était-ce en Chine ?" La personne qui ne sait pas répondra : "Le Japon ?
La personne interrogée dans le cadre d'un tel programme répondrait : "Le Japon ?
Le Japon ? Si je me souviens bien, Hiroki Takeda est japonais, n'est-ce pas ? Je ne suis jamais allé au Japon, mais je sais beaucoup de choses sur Hiroki Takeda.
J'aimerais être une personne connue des Japonais.
En tout cas, je veux continuer à augmenter le nombre de personnes qui me connaissent.

C'est un objectif très concret et merveilleux ! Merci beaucoup d'avoir participé à l'entretien d'aujourd'hui.

Interview : 19 mai 2023, en ligne. Hiroki Takeda se trouve au bas de l'écran.


Visiter la page de l'artiste Hiroki Takeda



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