Des représentations hyperréalistes qui ont l'air d'être réelles, des œuvres dont on ne sait pas comment elles ont été réalisées.
Les œuvres d'art qualifiées de "super-ingénierie" sont celles qui défient les limites de l'effort humain.
Les expositions intitulées "super-excellence" sont souvent organisées au Japon et ont attiré beaucoup d'attention.
Dans ce numéro, nous nous immergeons dans le monde des super-artistes de l'Est et de l'Ouest.

(1) Manabu Ikeda, qui peint sans hésitation au stylo des tableaux ultra-détaillés et de très grande taille.

Manabu Ikeda, qui a obtenu sa maîtrise à l'université des arts de Tokyo en 2000, a travaillé au Japon, aux États-Unis, au Canada et ailleurs, créant des peintures méticuleusement détaillées à l'aide de matériaux simples - un stylo rond et de l'encre de couleur.
La première peinture d'Ikeda sur le thème du Japon, History of the Rise and Fall (2006), a été inspirée par son hobby, l'escalade, et présente une série inépuisable de châteaux, de murs en pente, de cerisiers en fleurs et de personnes de formes et de tailles diverses. Elle ne fait pas d'esquisses préliminaires.
Il ne fait pas d'esquisses préliminaires, mais regarde toujours l'ensemble de l'image tout en peignant dans les moindres détails, de sorte que même s'il peignait huit heures par jour, la taille du tableau serait toujours d'environ 10 cm de côté.

Manabu Ikeda, History of the Rise and Fall, 2006, plume et encre sur papier, 200 x 200 cm

(2) "Chuck Claus", un portrait réaliste sur un écran géant

Chuck Close (1940 - 2021) est un peintre représentatif du "photoréalisme" qui a vu le jour aux États-Unis. Il a étudié à l'université de Washington et de Yale et est entré dans l'histoire de la peinture de portrait avec sa série de portraits sur d'immenses toiles. À ses débuts, il travaillait principalement dans le style photoréaliste, comme s'il copiait une photographie, mais il a ensuite expérimenté la peinture dans une variété de styles, y compris les images numériques de type pixel et le style impressionniste.
Il a développé diverses techniques, telles que le transfert de photographies sur la toile sous forme de mosaïques en les découpant selon un motif quadrillé, et la peinture au doigt. Sa technique de l'aérographe, en particulier, a inspiré le développement ultérieur des imprimantes à jet d'encre, et il a apporté une contribution importante non seulement à l'histoire de la peinture, mais aussi à l'histoire de la technologie de l'impression.
À la fin de sa vie, il a été accusé de harcèlement sexuel envers des femmes dans le passé, pendant le mouvement Metoo, mais c'était un homme dont la réputation était établie et dont les œuvres sont conservées dans plus de 70 musées dans le monde entier.

Chuck Close, Leslie, 1972 - 1973, aquarelle sur papier, 184,2 x 144,8 cm.

(iii) "Etsuhiro Suda" place des sculptures réalistes dans des endroits inattendus.

Suda Etsuhiro (1969- ) crée des œuvres dans lesquelles il réalise d'exquises sculptures en bois de plantes et de fleurs qui semblent si réelles qu'on pourrait les confondre avec la réalité, et les place dans des endroits inattendus, transformant l'espace entier en une installation.
Suda sculpte systématiquement des formes condensées de petites plantes qui donnent un sens modeste mais précis de la vie dans un espace entier.
Il déclare : "Je ne veux pas me contenter de rendre les choses réalistes. ...Lorsque vous regardez quelque chose, il est impossible de ne pas voir l'espace qui l'entoure. Je pense donc que l'espace est également plus important.
Je fais en sorte que certaines choses et certains moments existent dans un certain endroit, qui ne devrait pas exister, seulement dans un certain cas".

Etsuhiro Suda, The Go Club, 2006.

4) Le sculpteur "Ron Mueck" reproduit même les poils du corps

Ron Mueck (1958 - ) est un sculpteur hyperréaliste australien.
Au début de sa carrière, Mueck a fabriqué des modèles et des marionnettes pour la télévision et le cinéma pour enfants. Il a également créé des accessoires (props) pour des publicités, où les accessoires pouvaient être vus de dos pour révéler leur structure. Mais ce qui le motivait, c'était de créer des sculptures réalistes, parfaites sous tous les angles.
Avec l'aide de sa belle-mère Paula Rego, peintre de métier, Mueck s'installe à son compte et est apprécié par Charles Saatchi, qui dirige une grande galerie au Royaume-Uni, et se fait un nom dans le monde de l'art contemporain avec Dead Dad, un portrait détaillé de son père décédé. Mueck a utilisé ses propres cheveux pour cette œuvre.
Il est également bien connu sur la scène artistique japonaise, puisque ses œuvres sont exposées au Towada City Museum of Contemporary Art à Towada, dans la préfecture d'Aomori.

Ron Mueck, Dead Dad, 1996 - 1997.

5) Fuyuki Maehara, un sculpteur qui exprime le wabi et le sabi à travers la sculpture sur bois.

Fuyuki Maehara (1962 - ) est un artiste à la carrière unique, ayant travaillé comme boxeur professionnel et homme d'affaires avant d'entrer au département de peinture à l'huile de l'université des arts de Tokyo à l'âge de 32 ans et d'obtenir son diplôme en étant le premier de sa classe.
Son travail de fin d'études à l'université était une œuvre semi-tridimensionnelle, mais il est ensuite passé à la sculpture sur bois et a depuis produit d'étonnantes œuvres en bois unique.
Il se dit totalement autodidacte en matière de sculpture, mais l'expérience qu'il a acquise lors de son cours de peinture à l'huile est peut-être à l'origine de son talent pour créer des textures qui ressemblent à la réalité lorsqu'elles sont peintes à l'huile.
Les objets mis au rebut, décomposés ou rouillés ont été marqués par le temps. Les œuvres créées par Maehara expriment le temps et les souvenirs contenus dans les objets sous une forme condensée.

Fuyuki Maehara, One Moment, 2006.

6) "Richard Estes", une représentation concluante du paysage urbain américain.

Richard Estes (1932 - ), qui a vécu dans la mégalopole de New York, a capturé le paysage urbain, produit de la civilisation moderne, des vitrines et autres scènes de rue aux gratte-ciel, avec son regard froid.
En tant qu'artiste exprimant le monde moderne par ses représentations minutieuses et précises, il est reconnu comme l'un des principaux peintres photoréalistes, avec Chuck Close et John Beader.
La texture dure et froide de l'acier inoxydable et l'éclat blanc bleuté qui s'y reflète sont des motifs caractéristiques des peintures d'Estes. Il a étudié à l'University of the Art Institute of Chicago et a travaillé comme illustrateur à New York et en Espagne avant de créer son propre atelier, où il a commencé à travailler comme peintre professionnel en 1966.

Richard Estes, Cabines téléphoniques, 1968.

(vii) Kaoru Ueda, qui transforme le quotidien en émerveillement grâce au "réalisme de merde".

Kaoru Ueda (1928 - ) est un peintre qui crée des tableaux exquis avec des compositions uniques dans la veine du superréalisme.
Il est connu pour sa technique consistant à représenter des textures phénoménales qui apparaissent dans la vie quotidienne, telles que des œufs crus et de la confiture, de manière plus vivante que dans la réalité, ce que l'artiste lui-même a appelé le "putain de réalisme".
Il a étudié la peinture à l'huile à l'université des arts de Tokyo et a commencé sa carrière dans le graphisme, revenant à l'expression picturale vers 1970, lorsqu'il a développé le concept de "putain de réalisme".
De nombreux motifs de son œuvre changent de forme en un instant, comme un œuf cru au moment où sa coquille est fendue, de la confiture sur le point de s'écouler d'une cuillère, de l'eau qui coule ou le ciel. Ses représentations vivantes du temps et de l'espace sont très appréciées pour la place unique qu'elles occupent dans la peinture réaliste.

Kaoru Ueda, Cuillère sur œuf B, 1987.

8) "Marilyn Minter", caractérisée par sa représentation de textures glissantes.

Marilyn Minter (1948 - ) est une peintre qui se situe dans le contexte de l'hyperréalisme américain.
Combinant des images centrées sur les lèvres d'une femme, la bouche grande ouverte comme si elle criait, avec des images de verre imbibé d'eau, elle crée des peintures qui résistent au racisme et à l'homophobie.
Les motifs, dans lesquels une petite partie du corps est fortement agrandie et peinte sous un filtre, comme si elle était vue à travers une vitre trempée par la pluie, sont des éléments pornographiques, érotiques et fétichistes. Cependant, Minter insiste sur le fait que ce n'est pas elle personnellement qui a un fétichisme de la bouche, mais le monde qui émane du fétichisme.

Marilyn Minter, Big Breath, 2016.

(ix) "Kohsho Ikeda" associe la technologie contemporaine à l'artisanat.

Kohsho Ikeda (1987 - ), qui a étudié l'art de la laque au Kanazawa College of Art, est très apprécié pour son style qui consiste à utiliser la technique artisanale japonaise traditionnelle du raden (incrustation de nacre) pour appliquer une série de chiffres à la surface d'objets, rappelant le futur proche dépeint dans le film Matrix.
En collant méticuleusement des "puces raden" traitées à l'aide de technologies modernes telles que la découpe au laser pulsé et les machines à vibration ultrasonique utilisées dans la production de puces électroniques, les images sont créées comme si les courants électriques et les données étaient visualisés tels qu'ils sont.
Les boîtes, les chuji (sortes de bols à thé minces) et autres récipients fréquemment produits dans l'artisanat, mais aussi les pyramides carrées et les morceaux de bois transformés dans le style d'Ikeda attirent l'attention.

Hyakusen kinjutsu kagai (récipient à encens avec cent un morceaux de feuilles d'or)

10) "Antonio López", qui passe plus de dix ans sur un seul tableau.

Antonio Lopez Garcia (1936 - ), l'un des principaux maîtres de l'art réaliste espagnol contemporain, a poursuivi le summum de la peinture réaliste grâce à ses remarquables capacités d'observation et à l'habileté avec laquelle il les a exprimées.
La passion obsessionnelle de López pour la capture de l'évolution du temps en une seule image peut prendre jusqu'à dix ans. Pourtant, ses peintures, qu'elles soient achevées ou inachevées, sont d'une grande tranquillité.
Il insiste sur la simplicité de l'acte de voir et de copier, et déclare ne jamais utiliser de photographies.
Les modes ne m'intéressent pas. L'art espagnol a toujours été l'œuvre de mes propres yeux et de mes propres mains. Ce qui est important, c'est l'émotion et sa présence. C'est pourquoi je n'ai rien à voir avec la photographie".
Peintre de renommée internationale, il a présenté d'importantes expositions personnelles au Centre national d'art Reine Sofia de Madrid en 1993, au Museum of Fine Arts de Boston en 2008 et dans deux autres musées espagnols en 2011 et 2012.

Antonio López García, Madrid desde Torres Blancas, 1974.




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