Lorsque vous visitez une exposition intitulée "art contemporain", vous pouvez voir des toiles peintes d'une seule couleur et présentées de manière déguisée, ou des œuvres qui ont été découpées en morceaux immédiatement après avoir été vendues aux enchères, puis revendues en pièces détachées pour des centaines de millions de yens. ......
De nombreuses personnes peuvent être offensées par ces œuvres apparemment "dénuées de sens", qui semblent chercher délibérément à tromper le spectateur.
Dans ce numéro, nous examinerons comment aborder l'art contemporain en nous basant sur divers exemples d'œuvres d'art contemporain qui donnent souvent une impression négative.
1. L'"art contemporain" dénué de sens, Duchamp
Les débuts de Duchamp
Marcel Duchamp (1887 - 1968) est né dans une famille française cultivée.
Il se familiarise très tôt avec la peinture et fait ses débuts de peintre avec l'œuvre Femme descendant un escalier n° 02, une évolution du style cubiste. Dans ce tableau, la figure du corps humain en mouvement est influencée par la photographie de personnes telles qu'Edouard Muybridge et Etienne-Jules Murray, dont les travaux ont fait parler d'eux à l'époque pour leurs photographies en série à grande vitesse d'objets en mouvement, connues sous le nom de chromophotographie.
L'impact de La Fontaine sur le monde
L'œuvre la plus célèbre de Duchamp est probablement La Fontaine, publiée en 1917. Cette œuvre est considérée comme le début de l'art moderne, dont on dit souvent qu'il est obscur.
Signée simplement "R. Mutt" sur un urinoir masculin renversé, elle a été exposée à la Society of Independent Artists de New York. Malgré le fait que Duchamp lui-même était membre du comité, l'exposition a fait l'objet de vives protestations, affirmant qu'il ne s'agissait pas d'une œuvre d'art.
Ce fait montre que l'idée tacite selon laquelle "l'art doit être ainsi" était répandue même aux États-Unis, où l'art abstrait se développait également à l'époque. Le travail stimulant de Duchamp a détruit cette compréhension tacite et a renforcé le système du monde de l'art selon lequel "n'importe quel objet peut être considéré comme de l'art à condition d'être titré, signé et exposé au bon endroit".
2. l'incident de déchiquetage de Banksy qui a choqué le monde entier
Déroulement de l'incident
Le 15 octobre 2018, une œuvre imprimée a été vendue aux enchères par la société mondiale de vente aux enchères Sotheby's. Lorsque l'œuvre "Girl with Balloon" est apparue au milieu d'une succession d'œuvres mises aux enchères, elle est montée en flèche, projetant la popularité de Banksy, et l'enchère finale s'est élevée à 1 042 000 livres (environ 150 millions de yens). Il s'agit de la deuxième enchère la plus élevée de Banksy (à l'époque).
Cependant, au moment où l'offre gagnante a été annoncée, une alarme a retenti dans le hall et la déchiqueteuse, qui avait été préinstallée dans le cadre, a été activée et a commencé à découper l'œuvre.
Sous les yeux du public bruyant, les œuvres déchiquetées ont été évacuées de la salle d'exposition par le personnel concerné.
L'incident de déchiquetage pourrait être considéré comme un acte de terrorisme contre le secteur des ventes aux enchères, mais après l'incident, Sotheby's a annoncé que l'œuvre déchiquetée était "la première œuvre jamais produite en direct lors d'une vente aux enchères", et l'enchérisseur gagnant a payé le prix de l'enchère gagnante.
En fin de compte, la critique elle-même a été incorporée dans l'activité de vente aux enchères, ce qui a entraîné une augmentation de la valeur marchande de l'œuvre, en dépit des intentions de Banksy.
Impact de l'incident du déchiquetage
Pourquoi Banksy a-t-il déchiqueté ses œuvres ?
Il s'agirait d'une critique du marché des ventes aux enchères, où seul l'argent est accumulé en tant qu'objet spéculatif.
Ironiquement, cet incident a toutefois entraîné une explosion de la notoriété de Banksy au Japon.
Pourquoi les œuvres de Banksy sont-elles valorisées ?
L'œuvre de Banksy n'est pas appréciée parce qu'elle a une valeur esthétique ou qu'elle est rare en raison de sa superbe technique. Ce sont plutôt ses compétences en matière de politique, de présentation, de planification et d'exécution qui ont permis à Banksy, et non à d'autres artistes, de devenir célèbre.
En termes de communication d'une idée au spectateur, Banksy a été innovant, même s'il a utilisé la méthode illégale du "graffiti".
Colonne : L'accent est mis sur l'art. Les expositions et leur relation avec les entreprises
Les livres sur l'art et l'entreprise et sur l'art en tant que culture sont très populaires.
Le best-seller de Shu Yamaguchi, vendu à 170 000 exemplaires, et l'adaptation en bande dessinée de l'œuvre de Shu Yamaguchi sont très populaires. Pourquoi l'élite mondiale forme-t-elle son "sens de la beauté" ? Art et science dans le management explique pourquoi les hommes d'affaires devraient étudier l'art dans le seul but utilitaire d'assurer la réussite de leur entreprise dans un monde complexe et instable.
En outre, le livre de Koho Suenaga, intitulé Art Thinking from the Age of 13 : Finding Your Own Answers" de Yukiho Suenaga. est un best-seller qui explique la "pensée artistique", dont on dit qu'elle génère de "nouvelles questions", à un large public.
On peut donc dire qu'il existe un intérêt public considérable pour la manière dont la compréhension de l'art contemporain peut être utile dans les affaires, et pour la "pensée artistique" en tant que mode de pensée au même titre que la pensée logique en premier lieu.
Le nombre de visiteurs des services d'art destinés aux collectionneurs et des expositions d'art contemporain est également en augmentation. Combinée à un marketing habile, l'exposition Chiharu Shiota : The Soul Waves au Mori Art Museum a enregistré un total de 670 000 visiteurs en 2019.
C'est un chiffre remarquable pour une exposition d'art contemporain qui traite d'artistes actifs, par opposition à une exposition qui attire un public fixe, comme un musée.
3. les débuts de l'art abstrait. Le tableau carré de Malevitch.
Kazimir Malevitch, qui a présenté cette œuvre, était un peintre soviétique en 1920.
Malevitch créait des décors pour des opéras futuristes. Le futurisme était le nom d'un groupe artistique d'avant-garde dont les œuvres étaient très avant-gardistes, composées de mots dépourvus de sens, d'intrigues sans lien entre elles et d'une musique de fond dissonante.
Malevitch, qui estimait à l'époque que "l'art nouveau doit être non objectif", considérait également que la valeur absolue de cet art était abstraite et géométrique, plutôt que de représenter un paysage ou des personnages particuliers. Malevitch l'appelle "absolutisme = suprématisme" et réalise des tableaux dont les éléments sont réduits à l'extrême.
Le simple "carré noir" ne représente rien, il n'existe qu'en tant que "carré noir". L'absolu de la peinture est lié à l'absolu iconique de l'Église orthodoxe russe, qui est lié à l'emplacement de la pièce où l'œuvre a été exposée pour la première fois, un coin du plafond.
L'extrême simplicité du tableau correspond à la tradition orthodoxe, qui abhorre l'idolâtrie, et à la période de l'histoire de l'art où l'abstraction est apparue de manière opportune. C'est dans ce contexte que Malevitch a été apprécié.
4) Yoko Ono, l'épouse de John Lennon, était également une artiste contemporaine.
Yoko Ono était l'une des artistes considérées comme faisant partie du mouvement artistique d'avant-garde connu sous le nom de Fluxus. Elle est peut-être mieux connue en tant qu'épouse de John Lennon, mais elle a elle-même attiré l'attention pour son travail d'avant-garde, en particulier dans le domaine de la performance.
Une monographie intitulée Grapefruit Juice, un curieux livre composé d'impératifs surréalistes, a été publiée en 1964. Il s'agit d'une forme particulière d'œuvre d'art dans laquelle des actes abstraits ou très concrets ne sont accomplis qu'en faisant appel à l'imagination du lecteur.
Depuis lors, la réponse à son travail a souvent été "je ne comprends pas", mais selon ses propres termes, l'inspiration de son travail est "l'acte de se confronter à soi-même".
Dans une œuvre, un grand escabeau est placé au milieu de la galerie, et si l'on y monte et que l'on regarde à la loupe, on peut lire le mot "YES" écrit en très petites lettres sur une peinture du plafond.
C'est aussi la première œuvre de Yoko Ono que John Lennon a vue, et elle contient à la fois un message très positif et optimiste et une présentation innovante qui va au-delà de l'œuvre picturale conventionnelle.
5. La chaise controversée de Joseph Kosuth
L'œuvre One and Three Chairs de Joseph Kosuth, qui présente à la fois "une chaise, une photographie de la chaise et un article de dictionnaire agrandi pour 'chaise'", a été exposée pour la première fois en 1965.
L'idée de la "chaise" (un concept du philosophe grec antique Platon) a été mise en lumière en lui donnant forme de trois manières différentes.
En d'autres termes, on peut dire qu'elle présente l'idée d'un objet, qui n'est généralement capturé que par des images visuelles, au moyen du langage, d'images (photos) et de matériaux, entrelacés avec la sémiotique et la sémantique.
On peut dire que l'œuvre de Kosuth était capable de soulever des questions intellectuelles d'une manière qui n'est pas le genre de peinture que l'on pourrait imaginer dans ce que l'on appelle "l'art".
Quels sont les critères pour juger de la valeur de l'art ?
Les critères de valeur de l'art contemporain sont souvent considérés comme difficiles ou délibérément peu familiers.
Là, ce qui peut sembler être de la pédanterie est en fait la pensée sincère de l'artiste et des questions sérieuses sur l'histoire et les êtres humains sont cachées.
Certains le soumettent tel quel, tandis que d'autres l'enveloppent dans un autre élément et le soumettent.
Parfois, d'un point de vue extérieur, elles se ressemblent toutes ou semblent difficiles, mais si vous les regardez avec intérêt, par exemple en lisant attentivement la description du musée, elles ont souvent un message d'une simplicité surprenante.
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