L'art contemporain "dénué de sens" est un sujet d'actualité.
Bien sûr, il y a des bananes collées au mur avec du ruban adhésif, ou des pois peints sur le mur...
Prenons d'abord quelques-unes des œuvres d'art les plus souvent pointées du doigt et réfléchissons à la signification qu'elles revêtent.
(i) La "banane" de 16 millions de yens de Maurizio Cattelan, Comedian.
Comedian, une œuvre de Maurizio Cattelan, a été exposée à Art Basel Miami en 2019. Il s'agit d'une véritable œuvre d'art contemporain dans laquelle de vraies bananes sont simplement fixées au mur avec du scotch gris.
Cattelan a eu l'idée de cette œuvre pendant environ un an, et à chaque fois qu'il voyageait, il emportait les bananes avec lui et les exposait dans sa chambre d'hôtel. Il a d'abord pensé à une sculpture en forme de banane, mais après avoir réalisé plusieurs modèles en résine et en bronze, il a finalement décidé d'utiliser une vraie banane comme œuvre d'art.
Le premier jour de la foire, deux éditions de l'œuvre ont été achetées par des collectionneurs privés au prix de 120 000 USD (environ 13 millions d'USD).
Une troisième édition a été réservée à l'achat par le musée pour 150 000 USD (environ 16 millions de JPY).
L'achat de l'œuvre est accompagné d'un certificat et d'un manuel d'installation de Cattelan.
Emmanuel Perrotin, propriétaire de la galerie Perrotin, qui a fourni le stand d'exposition, a déclaré que l'"achat" n'était qu'une partie de l'œuvre et que "sans le certificat, l'œuvre n'est qu'une représentation matérielle. Le fait que quelqu'un l'ait achetée en fait une œuvre d'art".
Cependant, la veille du dernier jour de la foire, un incident choquant s'est produit.
L'artiste new-yorkais David Datuna a arraché une banane d'un mur et l'a mangée.
Après l'incident, Datuna a baptisé son acte "Hungry Artist" (artiste affamé) et a publié une série de vidéos sur Instagram. J'adore le travail de Maurizio Cattelan et ses installations. Très délicieux".
Aucune poursuite judiciaire n'a été engagée contre Datuna, mais l'œuvre de Cattelan a été retirée le dernier jour de la foire. La décision a été prise en raison de l'impossibilité de contrôler l'entrée des visiteurs, qui étaient partagés entre les deux parties.
Cette série d'incidents, qui s'est terminée par une sorte de comédie, comme le titre l'indique, l'œuvre étant finalement mangée, montre bien les caractéristiques de l'art contemporain, qui repose sur une structure très fragile.
(ii) Une simple toile avec des incisions ? Lucio Fontana, Concepts spatiaux.
Fontana était un artiste italo-argentin actif au 20e siècle.
Il exigeait que le spectateur perçoive la toile elle-même comme un objet, sur lequel de nombreux artistes peignent encore aujourd'hui. Il développe sa production "Spatialist Manifesto" en faisant des coupures et des trous dans la toile.
Cette démarche a été entreprise après qu'il eut essayé de porter un regard plus critique sur ce que les peintres occidentaux avaient tenté de réaliser en peignant quelque chose qui n'avait plus rien à voir avec une forme sur une toile.
À savoir, reproduire un espace tridimensionnel sur un plan bidimensionnel. Essayer de conserver à jamais, grâce à la peinture, les images insaisissables des différents paysages et mouvements que nous voyons dans la réalité.
On peut considérer que Fontana a coupé l'espace tridimensionnel virtuel créé dans la toile en la déchirant. Ce faisant, il a apporté à de nombreuses personnes la perspective de "l'expression picturale qui a été confinée au tissu bidimensionnel" et de "s'en échapper pour développer l'œuvre dans l'espace tridimensionnel réel".
Fontana a fait la déclaration suivante.
En tant que peintre, lorsque je perce un trou dans la toile, je n'essaie pas de produire une peinture.
Je veux ouvrir un espace pour qu'il s'étende infiniment au-delà de l'espace clos de la peinture, créant une nouvelle dimension à l'art et le reliant à l'univers".
(iii) "Children's Doodles", Cy Twombly, Untitled (NYC).
Cette œuvre, qui ressemble à un simple gribouillage sur un tableau noir, a été vendue lors de la vente aux enchères de Sotheby's à New York en 2015 pour 70 millions de dollars (environ 8,4 milliards de dollars en monnaie de l'époque).
Il a également produit d'autres œuvres qui semblent être des déclarations poétiques gribouillées sauvagement ou une accumulation de gribouillages fins.
Ses peintures, qui semblent à première vue inintelligibles, sont en fait ses propres réinterprétations de divers mythes et histoires en tant que ressources. Par exemple, l'œuvre ci-dessous représenterait Achille se lamentant sur la mort de Patrocle.
Son style, qui consiste à dessiner des lettres mais à les noyer grossièrement, ou à laisser sur la toile des traces de ses propres actions physiques et de leur instabilité, peut être comparé au nôtre, qui est exposé quotidiennement à des informations incertaines et qui doit prendre des décisions subjectives à chaque occasion.
Les gestes de Twombly, qui semblent indécis et pauvres, peuvent être le reflet de nos propres gestes.
(iv) Un simple carré ? Malevitch, Le carré noir.
Kazimir Malevitch, qui a présenté cette œuvre, était un peintre soviétique en 1920.
Malevitch créait des décors pour des opéras futuristes. Le futurisme était le nom d'un groupe artistique d'avant-garde dont les œuvres étaient très avant-gardistes, composées de mots dépourvus de sens, d'intrigues sans lien entre elles et d'une musique de fond dissonante.
Malevitch, qui estimait à l'époque que "l'art nouveau doit être non objectif", considérait également que la valeur absolue de cet art était abstraite et géométrique, plutôt que de représenter un paysage ou des personnages particuliers. Malevitch l'appelle "absolutisme = suprématisme" et réalise des tableaux dont les éléments sont réduits à l'extrême.
Le simple "carré noir" ne représente rien, il n'existe qu'en tant que "carré noir". L'absolu de la peinture est lié à l'absolu iconique de l'Église orthodoxe russe, qui est lié à l'emplacement de la pièce où l'œuvre a été exposée pour la première fois, un coin du plafond.
L'extrême simplicité du tableau correspond à la tradition orthodoxe, qui abhorre l'idolâtrie, et à la période de l'histoire de l'art où l'abstraction est apparue de manière opportune. C'est dans ce contexte que Malevitch a été apprécié.
(5) Un simple calendrier ? On Kawahara, peinture de date.
Les peintures de la série Date Painting de On Kawahara semblent n'être rien d'autre que des dates.
Kawahara est un artiste qui a voyagé dans le monde entier et a continué à créer d'une manière complètement différente de l'art du passé.
La série repose sur une règle simple : Kawahara, qui changeait de base d'opérations chaque jour et séjournait dans différents pays, peignait la date du jour dans la langue de l'endroit où il se trouvait à ce moment-là avec des peintures acryliques sur toile et plaçait le tout dans une boîte d'emballage avec, à l'intérieur, le journal du jour acheté à l'endroit en question. Les règles comprenaient une note indiquant qu'il y aurait toujours un début et une fin à la journée, et que si l'œuvre n'était pas terminée après minuit, elle serait détruite.
C'est ainsi que, sur une période de près de 40 ans, quelque 3 000 Date Paintings ont été réalisés.
D'autres messages ont été envoyés à des amis par télégramme avec la mention "Je suis toujours vivant", ou "Je me suis levé à ...". (Je me suis levé à 00:00)" à des amis par courrier, ce qu'il appelait son "travail" et qu'il a continué à faire pendant des décennies.
Il s'agit d'une motivation que le commun des mortels a du mal à comprendre, mais ce que ces actes uniques ont en commun, c'est la notion de "temps". Contrairement à Lucio Fontana qui, par coïncidence, cherchait à élargir le "concept d'espace", Kawahara a cherché à dépasser le sens d'une simple œuvre plate, d'un objet occupant un certain espace, par le biais du temps qu'elle représente, de l'étendue du temps et de l'éternité du temps.
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