Des peintres comme Van Gogh et Gauguin sont constamment exposés dans tout le Japon.
Il s'agit en fait des peintres "post-impressionnistes", connus sous le nom de "post-impressionnistes".
Dans cet article, nous allons expliquer les peintres et le contexte de 10 des œuvres post-impressionnistes les plus célèbres.

(1) Vincent van Gogh.

La nuit étoilée au clair de lune.

1889, Musée d'art moderne (MoMA), New York.
Vincent van Gogh est célèbre pour son génie et sa mort prématurée, mais il est également connu pour avoir souffert de troubles mentaux.
En 1888, Van Gogh vivait avec le peintre Gauguin à Arles, en France, lorsque leurs diverses querelles et insatisfactions ont éclaté, entraînant le célèbre incident de l'oreille coupée.
Après cet incident, Van Gogh décide d'être admis à l'hôpital psychiatrique Saint-Paul-de-Mausole, où il est diagnostiqué comme souffrant de "manie aiguë avec délire généralisé".
Heureusement pour lui, il a pu poursuivre son travail créatif pendant son hospitalisation. Il passe ses journées à contempler la vue depuis sa fenêtre à barreaux de fer. C'est là qu'il a achevé son œuvre la plus célèbre, Starry Moonlit Night (Nuit étoilée au clair de lune).
Starry Moonlit Night est peinte à différents moments de la journée. Lever du soleil, lever de la lune, jours ensoleillés, jours nuageux, jours venteux, jours pluvieux - il observait les changements de lumière et de temps et peignait fidèlement en conséquence.
Bien que cette œuvre soit reconnue comme un chef-d'œuvre, Van Gogh n'en a jamais été satisfait et aurait déclaré qu'il considérait comme un échec tout ce qu'il avait réalisé pendant son séjour à l'hôpital.

(ii) Paul Gauguin.

D'où nous venons, qui nous sommes, où nous allons.

1897, Musée des beaux-arts de Boston.
Pendant qu'il travaillait sur "D'où nous venons", Gauguin a été frappé par un certain nombre d'événements majeurs qui ont changé sa vie.
L'œuvre a été réalisée alors qu'il était loin de Paris, en France, à Tahiti, alors département français d'outre-mer, où Gauguin n'était pas habitué à l'environnement tropical et souffrait de dermatite et d'eczéma, ainsi que de syphilis et de conjonctivite.
De plus, sa situation financière se dégrade rapidement et il commence à s'endetter.
De plus, lorsque sa famille à Copenhague lui annonce la mort de sa fille, Gauguin est effondré.
À l'automne 1897, après avoir terminé D'où nous venons, Gauguin est frappé par la mort de sa fille. La mort de sa fille bien-aimée est un choc particulier pour Gauguin, dont la famille a émigré à Copenhague à cette époque, et qui fait ce qu'il veut sans se soucier de sa famille.
Le thème de la vie qui naît et de la vie qui se perd est également exprimé dans ce tableau.

(iii) Paul Cézanne.

Montagne Sainte-Victoire et Château Noir.

1904 - 2006, Musée d'Artizon
Cézanne a tenté de dépasser les peintures impressionnistes, qui essayaient de capturer sur la toile la lueur fugace de l'œil, pour créer des peintures avec un sens robuste du volume qui resterait assez fort pour durer indéfiniment.
C'était une tâche extrêmement difficile que d'essayer de contenir les opposés dans le même plan d'image, et c'était un processus continu d'essais et d'erreurs pour l'artiste.
Pour y parvenir, Cézanne choisit de travailler dans la solitude et de s'éloigner de ses collègues impressionnistes, en cherchant à atteindre cet objectif par la répétition de quelques sujets fixes.
À la fin des années 1880, il commence à peindre une série de tableaux de la montagne Sainte-Victoire, une montagne calcaire qui s'élève à l'est de sa ville natale d'Aix-en-Provence, dans le sud de la France.
Les images sont devenues des œuvres d'art très raffinées, avec un sens du dynamisme et de la vibration ajouté à la surface solide, soutenue par des couleurs vives. Cette œuvre est l'un des points culminants de son expérimentation.

(iv) Georges Seurat.

Dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte.

1884-86, The Art Institute of Chicago
Georges Seurat, l'un des peintres post-impressionnistes connus sous le nom de néo-impressionnistes, est célèbre pour avoir développé la technique du pointillisme.
Le pointillisme est une technique qui utilise un ensemble de points ou de touches très courtes plutôt que des lignes, et a été conçu en référence à la manière dont la lumière est captée sur la rétine, telle que révélée par les recherches en optique de l'époque.
Cette technique a donné l'impulsion ultime à la méthode consistant à "créer des couleurs vives dans les ombres sans mélanger la peinture" développée par les impressionnistes, et a élargi la gamme des méthodes expressives de la peinture.

(5) Henri de Toulouse-Lautrec.

Moulin Rouge.

1892 - 1895
Dans cette peinture à l'huile représentant des personnes dansant au cabaret du Moulin Rouge, l'autoportrait de Lautrec est peint dans un coin de l'arrière-plan.
Près du centre du tableau, un groupe de trois hommes et deux femmes entourent une table sur le sol du cabaret.
De droite à gauche, l'écrivain Edouard Dujardin, la danseuse La Macarona, le photographe Paul Secaux, le photographe Maurice Guibert et, en face, Jane Abril, dont la chevelure rouge-orange l'identifie comme la figure centrale de ce groupe.
Au premier plan à droite, une partie du visage de la danseuse britannique May Milton, qui semble être assise à une autre table, les lèvres peintes en rouge et le visage rayonnant d'une lumière et d'une ombre verdâtres distinctives.
Sur le côté droit de l'arrière-plan, la danseuse du Moulin Rouge La Grue et une autre femme fixent ses cheveux. Au centre gauche de l'arrière-plan, debout devant et à côté du Dr Gabrielle Tapier de Sélérand, se trouve Toulouse-Lautrec lui-même, un homme de petite taille dont la croissance a été interrompue par une jambe cassée lorsqu'il était enfant.

6) Paul Signac.

Portrait de Félix Fénéon.

1890, Musée d'art moderne (MoMA), New York
Félix Fénéon était un éditeur, traducteur, marchand d'art, militant anarchiste et critique qui, à la fin des années 1880, a utilisé le terme de néo-impressionnisme pour décrire le travail de Signac et de Seurat.
Dans ce portrait, Signac représente Féneon de profil gauche.
La relation entre Féneon et la décoration de l'arrière-plan est considérée comme symbolique.
En 1887, Féneon a écrit pour défendre les néo-impressionnistes contre les critiques selon lesquelles leur pointillisme ressemblait à des mosaïques et à des tapisseries.
Faites quelques pas en arrière et la technique disparaît. La technique disparaît, et l'œil n'est attiré que par l'essence du tableau".
Mais quelle était l'essence de la peinture à cette époque ?
S'agissait-il d'un moyen de transmettre au spectateur le caractère éphémère de la nature ou d'une technique consistant à mettre de la peinture sur une toile ? Dans ce portrait, la réponse est à la fois l'un et l'autre.
L'idée que Fénéon se faisait de la peinture était de créer une réalité supérieure, purifiée, imprégnée de la personnalité de l'artiste.

(vii) Odilon Redon.

L'œil = ballon.

1882, Musée d'art moderne (MoMA), New York
Odilon Redon était un individualiste qui croyait en la primauté de l'imagination sur l'observation de la nature, rejetant le réalisme et l'impressionnisme de ses contemporains en faveur d'une vision plus personnelle de l'art.
Il étudie la peinture académique à Paris, mais déçu par l'académisme, il commence à réaliser des gravures dans sa ville natale de Bordeaux en 1864.
C'est là que Redon découvre la lithographie, une technique qu'il juge capable de représenter d'infinies gradations de tons, un travail au trait délicat et de riches nuances de lumière et d'obscurité.
Au cours de sa vie, Redon a réalisé près de 30 eaux-fortes et 200 lithographies, la plupart en monochrome. Très inspiré par des écrivains comme Edgar Allan Poe et Gustave Flaubert, il fut si ému par le poème en prose de Flaubert, La tentation de saint Antoine, publié en 1874, qu'il réalisa trois œuvres sur ce poème, dont l'une est reproduite ici.

(viii) Maurice Denis.

Polyphème.

1907 | Collection du musée des beaux-arts Pouchkine
Denis est célèbre en tant que peintre symboliste central.
L'attention qu'il a portée à la planéité de la peinture a été reconnue plus tard comme le point de départ du modernisme.
Dans son article de 1890 intitulé "Définir le nouveau traditionalisme",
Il convient de rappeler qu'un tableau est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs rassemblées dans un certain ordre, avant d'être un cheval de guerre, une femme nue ou une anecdote quelconque".
Cette phrase est restée célèbre.
Cette œuvre a été publiée à peu près au moment de sa mort, et est réalisée dans une technique néoclassique, avec un élément plus mythologique et mythique dans le style de l'œuvre.

(ix) Henri Rousseau.

Rêve.

1910, Musée d'art moderne (MoMA), New York
Cette œuvre est l'une des 25 peintures de Rousseau sur le thème de la jungle.
Il s'agit de la dernière œuvre réalisée par Rousseau avant sa mort, le 2 septembre 1910.
Rousseau a incorporé dans le tableau de grandes plantes tropicales à larges feuilles, qu'il a esquissées dans les jardins botaniques du Muséum d'histoire naturelle de Paris. Le bras gauche de la femme nue est tendu vers les lions et le charmeur de serpents noirs, qui joue d'une flûte verticale tournée vers l'avant au centre du tableau, à peine visible dans la pénombre de la jungle sous la faible lumière de la pleine lune.
Un serpent rose est également représenté glissant dans le sous-bois.
Le tableau était accompagné d'un poème intitulé "Dédicace au "Rêve"".

Jadwiga dans son beau rêve

Dormant paisiblement

Joué par un magicien orthodoxe

J'ai entendu le son d'une flûte verticale

Les fleurs et les arbres verdoyants

La lune brillait sur les fleurs et les arbres luxuriants

Les bêtes et les serpents

écoutaient la musique de la flûte verticale.

(10) Edvard Munch.

Le cri.

1893, Musée des beaux-arts d'Oslo
Cette peinture à l'huile est synonyme de Munch.
En fait, il existe également Le Cri peint dans d'autres matériaux tels que le pastel, la lithographie et la détrempe, ce qui fait un total de cinq peintures du Cri.
Les personnages sont peints avec une touche extrêmement déformée et distinctive, la vue du soir sur le fjord rouge sang et ses formes inquiétantes, le fond sombre contrastant avec le ciel rouge et l'excellente composition mettant l'accent sur la perspective.
Lorsque Munch a publié le tableau, il a été fortement critiqué par les critiques de l'époque, mais il a ensuite fait volte-face et a été très apprécié.
En 1978, l'historien d'art américain Robert Rosenblum a émis l'hypothèse qu'une momie péruvienne exposée au Musée de l'histoire de l'homme à Paris (France) avait servi de modèle à la figure centrale du Cri.
En effet, la momie présente de nombreux points communs avec le personnage de The Scream, notamment des yeux ronds et enfoncés, une bouche ouverte, des mains sur les joues et un corps maigre.
En 2004, un anthropologue italien a émis l'hypothèse que la momie s'inspirait d'un modèle exposé au Musée d'histoire naturelle de Florence. Cette momie présente d'autres similitudes avec la peinture, mais cette partie a également été contestée, car Munch n'aurait pas visité Florence avant d'avoir peint Le Cri.



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