Van Gogh, Monet, Rembrandt et Modigliani.
Pensez-vous que les peintures de certains des artistes les plus célèbres de l'histoire de l'art occidental ne peuvent être vues qu'à l'étranger ou lors d'expositions spéciales ?
En fait, les collections des musées japonais comptent un grand nombre de peintures célèbres.
Dans cet article, nous allons vous faire découvrir les peintures occidentales célèbres au Japon !
Van Gogh, Tournesols.
Vincent van Gogh, Tournesols, 1888.
Collection : Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Art Museum (Shinjuku, Tokyo)
Les Tournesols est la plus célèbre des peintures de Van Gogh.
Sur les sept tableaux conservés, un seul fait partie de la collection permanente d'un musée japonais.
Van Gogh a fui la morosité de Paris et s'est installé à Arles, dans le sud de la France, une ville où la lumière du soleil est éclatante et magnifique. Il a essayé de poursuivre son travail en vivant avec son collègue Gauguin à Arles.
Ce tournesol a été peint pour décorer sa chambre en attendant l'arrivée de Gauguin.
Si la composition est très proche de ses autres œuvres, elle montre l'utilisation de touches régulières à l'arrière-plan et sur le bureau où est posé le vase, ainsi que de subtils ajustements de la gamme des couleurs orange et jaune.
Site officiel du musée
Millet, Le Semeur.
Jean-François Millet, La Semeuse, 1850.
Musée préfectoral d'art de Yamanashi (Yamanashi/Kofu)
La Semeuse de Jean-François Millet est un tableau qui se caractérise par la force avec laquelle il célèbre les paysans qui sèment et survivent.
Exposé au Salon de Paris en 1850, le tableau aurait suscité d'intenses débats, beaucoup y voyant une déclaration politique protestant contre la vie misérable des paysans.
Il était également novateur en termes de technique, car il présentait une application épaisse de peinture, ce qui était désapprouvé dans les techniques académiques.
Le critique Théophile Gautier l'a décrite comme "une figure aux gestes sauvages et au devenir terriblement grossier, qui semble peinte avec les couleurs de la terre où l'on sème les graines".
À côté de Millet, dont les tableaux dépeignent les réalités politiques et sociales, la même période voit l'émergence de peintres réalistes tels que Courbet et Daumier, une révolution dans l'histoire de l'art qui marque une rupture avec les tableaux idéalistes de la période précédente.
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Monet, Nymphéas
Claude Monet, Nymphéas, 1918.
Musée d'art MOA (Shizuoka/Atami)
Monet a souvent utilisé la technique du "sérialisme". Les Nymphéas ont été peints de nombreuses fois tout au long de la vie de Monet et sont devenus l'œuvre de sa vie.
Cette œuvre, d'une taille de 130 x 200 cm, est l'un des plus grands nénuphars du Japon. Il s'agit d'une œuvre spectaculaire, caractérisée par sa composition impressionnante, la finesse de ses détails et de ses dégradés.
Cette œuvre, peinte à la fin de sa carrière, est intéressante par sa beauté abstraite, tout en conservant délibérément les lignes du dessin qui forment les feuilles de lotus.
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Modigliani, Fille aux nattes
Amedeo Modigliani, Jeune fille à la queue de cochon, vers 1918.
Musée d'art de la ville de Nagoya (Nagoya, Aichi)
Les œuvres de Modigliani sont célèbres pour leurs portraits déformés.
Dans ce tableau, la composition montre une jeune fille aux cheveux bruns qui regarde le spectateur en face.
On dit que Modigliani a mené une vie décadente, s'adonnant à l'alcool et à la drogue, mais cette œuvre semble empreinte d'une sérénité proche de la prière.
On pense que cette œuvre date d'environ un an avant la mort de l'artiste, lorsqu'il s'est installé dans le sud de la France pour échapper au chaos qui régnait à Paris pendant la Première Guerre mondiale.
Peut-être était-il conscient de sa propre mortalité, ou peut-être a-t-il été frappé par la pureté de la jeune fille, ou les deux. En tout cas, on peut dire que l'œuvre est empreinte d'une grande sérénité.
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Greco, L'Annonciation
El Greco, Annonciation, vers 1590-1603.
Musée d'art Ohara (Okayama/Kurashiki)
L'œuvre très particulière du peintre espagnol El Greco est reconnaissable au premier coup d'œil.
La scène dans laquelle la Vierge Marie reçoit de l'archange Gabriel l'annonce qu'elle porte le Fils de Dieu dans son ventre est représentée avec des couleurs et une mise en scène saisissantes.
Les personnages d'El Greco sont très grands et souvent mis en scène de manière dramatique, avec des espaces nocturnes sombres et des éclairs. L'accent mis sur l'ombrage, par exemple dans les plis des vêtements, est également superbe, ce qui confère aux peintures un attrait unique, différent de celui de leurs homologues réalistes.
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Rembrandt, Homme au chapeau à larges bords
Rembrandt van Rijn, Homme au chapeau à larges bords, 1635.
Musée d'art DIC Kawamura Memorial (Chiba/Sakura)
Rembrandt, l'un des principaux peintres néerlandais du XVIIe siècle, est connu pour sa technique baroque du clair-obscur et son habileté à réaliser des portraits psychologiques, y compris des sujets et des portraits basés sur la mythologie et la Bible.
On sait que ce portrait était à l'origine une paire avec un portrait de l'épouse du modèle. Les deux tableaux, qui auraient été exposés côte à côte dans la maison du couple qui a commandé le portrait, ont probablement été séparés lors de l'héritage de la propriété par les descendants du modèle.
Le modèle masculin est présumé être un citoyen aisé, d'après ses vêtements et d'autres caractéristiques. Le visage du modèle est éclairé par la gauche et son expression vive est représentée par de riches ombres. Les détails de sa peau, de sa barbe, de ses cheveux, de son col en dentelle et de ses vêtements noirs sont rendus avec réalisme.
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Renoir, Le couple de lecteurs.
Pierre-Auguste Renoir, Le couple de lecteurs, 1877.
Musée d'art moderne de Gunma (Takasaki, Gunma)
À cette époque, Renoir représente les ombres qui forment le fond de dentelle et la peau lisse en accumulant les touches fines.
La peau de la jeune fille est rose et sanguine, et la douceur de l'homme qui veille sur elle est représentée par un regard amical. La jeune fille est Margot, modèle de Renoir à de nombreuses reprises, et son frère Edmond.
Renoir, qui s'est souvent représenté lui-même ainsi que sa famille proche et ses amis, est l'un des peintres les plus populaires au Japon.
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Manet, Autoportrait
Edouard Manet, Autoportrait, 1878-79.
Musée Artison (Kyobashi, Tokyo)
Manet est surtout connu pour ses représentations de la vie parisienne dans la ville moderne, mais il était aussi un maître du portrait. Ainsi, seuls deux autoportraits à l'huile de Manet ont survécu (l'autre se trouve dans une collection privée).
Il est très précieux que l'une des deux seules peintures au monde que l'on puisse voir se trouve au Japon.
Le fond uni et sombre de cette œuvre montre l'influence de la peinture espagnole, qui était populaire à Paris à l'époque.
L'expression du peintre est soigneusement finie avec une touche fine, mais le fond et les membres sont finis avec une touche très simplifiée.
La maîtrise de la simplification par Manet donne une idée du nouvel art de celui qui est aussi connu comme le père de l'impressionnisme.
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Ensor, Autoportrait au masque.
James Ensor, Autoportrait au masque, 1899.
Musée d'art Ménard (Aichi, Komaki)
Le peintre belge James Ensor utilisait des masques et des squelettes comme motifs de son imagination idiosyncrasique. Cet autoportrait, qui rappelle son grand prédécesseur Rubens, a été peint à l'âge de 39 ans.
Entouré de masques de carnaval qui révèlent la malice et la tromperie, le peintre nous regarde.
L'impression générale de l'œuvre est quelque peu festive grâce aux décorations florales disséminées par endroits, mais les masques qui remplissent le tableau ont une atmosphère bizarre, comme s'ils se précipitaient vers nous.
C'est une occasion rare de voir exposé en permanence au Japon un chef-d'œuvre représentant Ansor au sommet de sa carrière.
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Rubens, Deux enfants endormis
Pieter Paul Rubens, Deux enfants endormis, vers 1612-13.
Musée national d'art occidental (Tokyo/Ueno)
Rubens était l'un des principaux peintres flamands et baroques du XVIIe siècle.
Ces enfants aux visages innocents et endormis seraient les enfants du frère de l'artiste, Clara (à droite) et Philippe (à gauche).
Cette œuvre, réalisée avec des coups de pinceau rapides, est considérée comme une étude avant l'œuvre principale.
D'un point de vue technique, il s'agit d'un bon exemple de la technique du réalisme coloré de Rubens, dans laquelle le sujet est rendu avec brio par l'utilisation habile de couleurs transparentes et opaques, de tons clairs et foncés et de l'épaisseur variable de la peinture.
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