Le Metropolitan Museum of Art, ou Met en abrégé, est l'un des trois plus grands musées du monde, situé à New York.
Il possède l'une des plus grandes collections d'art au monde et attire environ 2 millions de visiteurs par an. C'est sans doute le musée d'art le plus populaire de New York, la ville de l'art.
Dans ce numéro, nous vous présentons des informations sur le Met, qu'il s'agisse d'informations de base ou d'œuvres d'art à ne pas manquer, afin que vous puissiez partir à la conquête du Met dès que vous aurez lu ce numéro !

Qu'est-ce que le Metropolitan Museum of Art, l'un des trois plus grands musées du monde ?

Histoire du musée

Le Metropolitan Museum of Art est un musée historique, créé en 1870.
À l'origine, l'idée de créer un musée d'envergure internationale aux États-Unis a germé en 1864 parmi les Américains réunis à Paris pour célébrer le Jour de l'Indépendance américaine.
C'est donc tout naturellement que lorsque l'idée du musée a été proposée, aucune peinture ne figurait dans la collection du musée.
Après sa création en 1870, le musée a déménagé en 1880 le long du Museum Mile dans l'Upper East Side, à l'est du Central Park de New York, où il se trouve encore aujourd'hui. Diverses extensions ont depuis été apportées au bâtiment pour lui donner sa forme actuelle.
Aujourd'hui, le musée possède une collection de 3 millions d'œuvres d'art, dont des peintures, des sculptures, des photographies, des artefacts, des meubles, des instruments de musique et des objets décoratifs. Sa taille est telle qu'il est difficile de le visiter dans son intégralité en une seule journée.

Caractéristiques du Met

Le Met est unique par l'ampleur de sa collection, qui comprend des œuvres de toutes les époques, régions, civilisations et techniques, anciennes et modernes.
La principale caractéristique du Met est qu'un musée de cette taille n'est ni un musée national, ni un musée d'État, ni un musée municipal, mais une institution purement privée.
Par ailleurs, les droits d'entrée ont longtemps été uniquement affichés comme un "prix suggéré", mais depuis mars 2018, ils sont obligatoires pour tous les visiteurs, à l'exception des résidents de la ville de New York et de sa banlieue. Pour plus d'informations sur les droits d'entrée, veuillez consulter les informations complémentaires.

Points forts du Metropolitan Museum of Art

Le Metropolitan Museum of Art possède une collection qui comprend non seulement de l'art européen, mais aussi des armes, des armures, de l'art asiatique, égyptien et islamique, de l'art moderne et même des instruments de musique.
Voici dix œuvres d'art particulièrement recommandées.

(1) Filippo Lippi, Vierge à l'enfant sur un trône avec deux anges.

1440.

Cette peinture de la Renaissance du début du XVe siècle a attiré de nombreux visiteurs au Met pour sa beauté et son élégance.
Le tableau représente la Vierge Marie, l'Enfant Jésus et deux anges, la Vierge et l'Enfant étant assis sur un trône. L'expression gracieuse et le costume détaillé de la Vierge Marie, l'adorable silhouette de l'enfant Jésus et les magnifiques ailes et expressions des anges sont tous peints avec un grand souci du détail.
L'œuvre se caractérise également par la vivacité de ses couleurs, en particulier par l'utilisation intensive du bleu. Le bleu utilisé pour les vêtements de la Vierge Marie et les ailes des anges frappe par sa beauté et sa profondeur, conférant à l'ensemble de l'œuvre une atmosphère sacrée.
L'œuvre était novatrice dans le monde de l'art à l'époque où elle a été peinte, et l'expression et la pose de la Vierge Marie étaient très naturelles par rapport à la moyenne des peintures de l'époque. On peut dire qu'elle a amélioré l'expression de la tridimensionnalité et de la profondeur pour une représentation réaliste, ce qui est une tradition dans la peinture occidentale.

(ii) Diego Velázquez, Portrait de Juan de Pareja.

1650.

Le plus grand attrait de cette œuvre réside dans la description détaillée de la personnalité et des caractéristiques du personnage représenté, Juan de Pareja. Son regard doux et les traits particuliers de son visage sont rendus vivants par le travail méticuleux de Velázquez.
Juan de Pareja était un Maure métis né à Malaga au début du XVIIe siècle, esclave de Vélasquez et en même temps son assistant dans l'atelier.
Selon les chercheurs, cette œuvre a été peinte par Vélasquez au début de son séjour à Rome, comme terrain d'entraînement pour le plus célèbre de ses portraits, le Portrait du pape Innocentius X, avant qu'il ne soit peint.
La figure de Pareja exprime la fierté et l'orgueil de l'être humain, et c'est un chef-d'œuvre né de l'amour fraternel de Vélasquez pour son élève et de ses propres sentiments contradictoires quant à son origine en tant que converse. Il convient de noter que Velázquez a obtenu un décret d'émancipation peu après la création du tableau, à condition qu'il "ne s'enfuie pas et ne commette aucun crime".

(iii) Korin Ogata, Huit ponts.

Vers 1711-1714.

Considéré comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre de Korin, ce paravent est considéré comme le chef-d'œuvre jumeau de l'école Rimpa aux États-Unis.
La peinture est pimpante et lumineuse, avec des grappes de fleurs vertes et violettes en queue d'hirondelle et un pont yatsuhashi teinté d'encre s'élevant sur un fond d'or. La composition et les couleurs vives semblent s'adresser directement à nos sens.
La répétition des fleurs et l'échelonnement du yatsuhashi qui les traverse en diagonale créent une forte tension.

(iv) Georges Seurat, Les invités du cirque.

1887-1888.

Bien qu'il s'agisse d'un cirque, la représentation à l'écran n'est pas du tout vivace ou joviale, mais plutôt calme et inquiétante. À l'aide d'un pinceau fin, Seurat a recouvert la toile d'innombrables points bleu-violet, orange et verts.
Seurat a peint un certain nombre d'œuvres sur le thème du cirque, un nouveau passe-temps urbain dans la société parisienne de l'époque.

(5) Vincent van Gogh, Les cèdres à fils.

1889.

Van Gogh a également utilisé les cyprès comme sujet dans un certain nombre d'autres œuvres.
Il est probable que ses coups de pinceau uniques, ondulants et intenses, qui semblent graver violemment chaque coup de pinceau dans la toile, aient eu une affinité avec la forme et la texture uniques des cyprès.
Le peuplier, à l'aspect similaire, était également souvent utilisé comme thème. Il s'agissait peut-être d'un motif facile pour lui d'exprimer son style de peinture avec une matière forte et surélevée et le sens de la vie qu'elle représente.

(vi) John Singer Sargent, Portrait de Madame X.

1883-1884.

Considéré par beaucoup comme le chef-d'œuvre de l'artiste d'origine américaine Sargent, ce tableau a d'abord fait scandale au Salon de Paris lorsque la bretelle gauche a été peinte dans une position tombante, jugée "indigne".
Sargent a redessiné la bretelle et l'œuvre n'a pas été montrée au public pendant plus de 30 ans.
Lorsqu'il l'a vendue au Metropolitan Museum of Art, il a déclaré qu'il la considérait comme son chef-d'œuvre, à condition que le modèle reste anonyme.

(vii) Johannes Vermeer, Femme à la cruche.

Vers 1662-1663.

Cette œuvre représente une pièce avec une fenêtre à gauche, une composition typique de Vermeer. Elle est réputée pour son très bon état de conservation.
La femme tient de la main droite le cadre de la fenêtre et de la main gauche l'anse de la cruche posée sur la table, symbole de pureté et de tempérance. Elle semble sur le point de jeter l'eau de la cruche par la fenêtre.
Le coffret à bijoux posé sur la table serait un motif représentant la vanité. La femme se trouve-t-elle à la croisée des chemins pour savoir si elle doit abandonner la "tempérance" au profit de la "vanité" ? Diverses allégories sont susceptibles d'être sous-entendues.

(viii) "La tête du jeune homme".

Date et artiste inconnus.

Probablement une copie d'une sculpture grecque ancienne, cette sculpture romaine est amputée d'environ la moitié de sa tête. Cette sculpture est très séduisante, avec une "beauté du manque" similaire à celle de la "Nike de Samothrace" du Louvre.

(ix) Pierre-Auguste Renoir, Jeune femme se baignant.

1892.

Cette œuvre de la période de maturité de Renoir représente une femme nue debout dans la lumière changeante, dans un style qui lui est propre. L'excellente utilisation par Renoir de la couleur et du pinceau pour exprimer la beauté de la peau et des cheveux de la femme, tout en faisant un usage intensif de couleurs transparentes, est fascinante.
La peau de la femme est douce et brillante, comme si elle était éclairée par la lumière du soleil, et ses cheveux sont richement texturés. Les expressions de son visage et ses gestes transmettent également un sentiment de grâce et de beauté naturelle. Il s'agit véritablement de l'un des plus grands trésors de l'impressionnisme.

Plus d'informations sur le Metropolitan Museum of Art

Adresse du Metropolitan Museum of Art
1000 5th Ave, New York, NY 10028

Prix d'entrée.
Adultes 30
Étudiants 17
Personnes âgées (65+) 22
Enfants (12 ans et moins) gratuits


Heures d'ouverture
Dimanche, mardi et jeudi : de 10 h à 17 h
Vendredi et samedi : 10h-21h


Fermé.
Mercredi, 1er janvier, 1er lundi de mai, Thanksgiving (4e jeudi de novembre), Noël (25 décembre).


Règles concernant les bagages.
Un bref contrôle de sécurité des bagages est effectué à l'entrée.
L'eau en bouteille est autorisée. Vous ne pouvez pas entrer avec de la nourriture (pas même des souvenirs) ou des boissons autres que de l'eau. Vous ne pouvez pas les enregistrer.
Les sacs à bandoulière sont autorisés. Les sacs à dos doivent être portés avec le sac devant le corps pour éviter de heurter les objets exposés.
Les valises et les gros bagages ne peuvent pas être enregistrés au vestiaire. L'entrée avec un bagage à main n'est pas autorisée.


A propos de la visite.
Entrez dans le Metropolitan Museum of Art par l'entrée centrale et vous trouverez le bureau d'information.
Vous pouvez vous renseigner sur les événements organisés par le Metropolitan Museum of Art, les visites gratuites et obtenir un guide (plan) du Metropolitan Museum of Art en japonais. Un plan numérique du Metropolitan Museum of Art est également disponible. Le guide du visiteur est disponible ici.

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