Paris, capitale des arts.
Parmi les musées parisiens de renommée mondiale, le musée d'Orsay possède l'une des collections les plus belles et les plus impressionnantes, même pour les connaisseurs.
Il se caractérise par sa collection d'œuvres des périodes impressionniste et post-impressionniste, que l'on appelle "art moderne".
Les visiteurs peuvent y voir des œuvres de grands peintres tels que les célèbres Monet et Van Gogh.

Dans cet article, nous allons vous présenter le musée d'Orsay, de ses attractions aux indications précises pour s'y rendre !

Qu'est-ce que le musée d'Orsay ?

Un musée qui réutilise une gare

Lorsque l'on pénètre dans le musée d'Orsay, la première chose qui frappe est l'atmosphère majestueuse et européenne du bâtiment.
En effet, le musée d'Orsay a été construit à l'origine pour l'exposition universelle de Paris en 1900 et réutilisé comme gare d'Orsay, qui a ouvert ses portes en 1986.
Les longs espaces et les plafonds arrondis caractéristiques du bâtiment de la gare permettent à la lumière naturelle de tomber sur les sculptures, ce qui en fait l'un des plus beaux musées du monde.

Différences avec le Louvre

Paris abrite également le Louvre, le plus grand musée du monde.
Il est également connu pour abriter le tableau le plus célèbre du monde, la Joconde. Mais quelle est la différence entre le Louvre et Orsay ?

Mais quelle est la différence entre le Louvre et Orsay ? La réponse est la différence d'âge des œuvres dans les collections.
Le Louvre est un musée dont les collections sont principalement constituées d'œuvres datant de 1848, tandis que le musée d'Orsay expose des œuvres de 1848 à 1914, début de la Première Guerre mondiale. C'est une période d'effervescence qui suit la Révolution française, la fin de la monarchie et l'avènement de l'ère du peuple en France. Paris est alors au centre de la culture et de l'art mondial et le musée d'Orsay expose de nombreuses œuvres qui ont servi de base à l'impressionnisme, au post-impressionnisme et à l'art moderne, et qui ont eu une influence majeure sur l'art contemporain.

Les oeuvres à voir au musée d'Orsay

Voici dix œuvres incontournables de la collection d'Orsay qu'il faut absolument voir si vous visitez le musée.

(1) "Le comte déchu".

Jean-François Millet, 1857
Le tableau Le glanage de l'épi tombé représente trois paysans ramassant les épis tombés après la moisson : derrière eux, un grand nombre de personnes s'affairent à la récolte, le blé moissonné est entassé et un paysan à cheval est représenté.
Loin de l'agitation de la moisson, trois fermières ramassent silencieusement les épis tombés.
Le point de vue des fermières et du fermier derrière elles est exprimé par une perspective aérienne, et l'œuvre transmet un sentiment de dignité des êtres humains qui luttent pour survivre au milieu de la nature du ciel et de la terre.

(ii) Autoportrait (Van Gogh).

Vincent van Gogh, 1889.
Van Gogh a marqué l'histoire de l'art. Il est également célèbre pour le nombre d'autoportraits qu'il a peints.
On dit d'ailleurs que s'il a peint autant d'autoportraits, c'est parce qu'il ne pouvait pas engager de modèles pour des raisons financières.
Van Gogh s'est servi de ses nombreux autoportraits pour expérimenter les techniques de peinture qu'il avait rencontrées et adoptées, telles que l'impressionnisme et les techniques ukiyo-e.

(iii) "Nuit étoilée au clair de lune sur le Rhône".

Vincent van Gogh, 1888
Un autre paysage nocturne célèbre de Van Gogh, intitulé "Nuit étoilée au clair de lune", cette "Nuit étoilée au clair de lune sur le Rhône" a été peinte dans la ville d'Arles, dans le sud de la France. C'est dans l'atelier que Van Gogh a installé à Arles, connu sous le nom de "Maison jaune", que Gauguin et lui ont vécu leur rupture pendant trois mois.
Van Gogh, également connu sous le nom de "peintre des couleurs", est réputé pour son utilisation ingénieuse des scènes nocturnes.
Il tente de capturer à la fois les étoiles du ciel nocturne, qui brillent depuis des temps immémoriaux, et la lumière artificielle des lampes à gaz, qui sont nées et se sont répandues à cette époque.

4) "Pommes et oranges".

Paul Cezanne, 1899.
Je veux surprendre Paris avec des pommes", telle était l'habitude de Cézanne.
Une petite table en bois placée de biais semble être recouverte d'une nappe blanche jetée au hasard et des fruits y sont posés au hasard.
À première vue, le tableau semble tout à fait ordinaire, mais en y regardant de plus près, la cruche est inclinée, l'assiette est également inclinée et les fruits sont sur le point de rouler, et les coins de la table, cachés par la nappe blanche, ne sont pas reliés entre eux.
Le style distinctif de Cézanne, également lié au cubisme, dans lequel un même objet est représenté sous différents angles, a été soutenu par sa politique consistant à "composer et représenter la scène sous l'angle où l'objet est le plus beau".

(5) Femme à Tahiti (sur la plage).

Paul Gauguin, 1891
Gauguin travaillait à l'origine comme agent de change à Paris et a commencé à peindre à l'huile comme un passe-temps, qui est ensuite devenu son gagne-pain professionnel. Il a d'abord été associé aux figures de proue de l'impressionnisme, comme Pissarro, mais s'est peu à peu lassé de l'atmosphère trépidante de Paris et s'est installé à Tahiti, une île de l'Océanie alors française.
Cette œuvre date de 1891, l'année où il s'est rendu à Tahiti en quête de liberté et de beauté immaculée.
La femme de gauche a les yeux fermés, comme si elle contemplait quelque chose, et l'autre femme a une expression d'ennui sur le visage alors qu'elle tient une feuille. Cette atmosphère mystérieuse était exactement ce que Gauguin recherchait dans la terre sauvage de Tahiti.

(vi) "Olympia".

Edouard Manet, 1863.
Tout d'abord, il faut noter que le modèle féminin est représenté nu. À l'époque, il était courant dans le monde de l'art de représenter les femmes nues, mais le modèle d'Olympia, bien que nu, fixe le spectateur d'un regard égocentrique. Il s'agit d'une représentation innovante dans laquelle la femme n'est pas dépeinte comme un objet soumis, mais comme un sujet qui s'affirme.
La représentation du corps du modèle est également remarquable. Dans l'art conventionnel, le corps de la femme tend à rechercher une beauté idéalisée, alors que le modèle d'Olympia a une expression physique réaliste. Cela donne au spectateur une impression de réalisme et confère à l'œuvre un sens de l'époque.
Un autre aspect séduisant du tableau est la représentation minutieuse des rideaux à l'arrière-plan et du chat noir à côté du modèle. L'expressivité créative de Manet se manifeste également dans ces détails, ce qui renforce l'exhaustivité de l'œuvre dans son ensemble.

(vii) Le bal au Moulin de la Galette.

Pierre-Auguste Renoir, 1863
L'atmosphère animée que l'on ressent tout au long du tableau est l'une de ses caractéristiques les plus attrayantes. Dans cette représentation d'un bal, plusieurs personnages dansent, boivent et mangent. Chacun s'amuse à sa manière, ce qui donne au spectateur l'impression d'être parmi eux. Dans le coin supérieur droit du tableau, une partie représente une vue d'un point d'observation d'où l'on peut voir la salle de bal, ce qui donne au spectateur une idée de l'étendue de l'espace.

En outre, les expressions faciales et les poses des personnages du tableau sont fascinantes. Renoir exprime la personnalité et les émotions des personnages dans ses représentations détaillées. Par exemple, le couple au centre du tableau, un homme et une femme, est représenté comme un amant intime, et leurs émotions peuvent être déduites de leurs expressions faciales et des mouvements de leurs mains.

(viii) Nymphéas bleus.

Claude Monet, 1916
Le charme de cette œuvre réside dans la représentation de la lumière se reflétant sur la surface de l'étang aux nénuphars bleus et sur la surface de l'eau. Monet était extrêmement sensible aux changements subtils de la lumière et à l'expression de l'ombre et de la lumière, et la lumière sur la surface de l'eau et la couleur bleue sont en belle harmonie. L'étang, avec ses nénuphars aux tons bleus, représente un espace calme et paisible, qui donne au spectateur un sentiment d'apaisement. Monet a également placé le tableau sous un certain angle pour que les nénuphars bleus paraissent plus grands et plus tridimensionnels.

En outre, la dextérité technique de Monet est l'un des aspects les plus fascinants de cette œuvre. Monet a utilisé une multitude de couleurs pour exprimer la lumière, avec une variété de tons dans les bleus et les violets. Il a également une touche très libre avec son pinceau et dépeint des objets naturels tels que l'herbe, les fleurs et les feuilles avec une sensibilité unique.

(ix) "Atelier du peintre".

Gustave Courbet, 1849
Cette œuvre est également connue comme l'un des exemples représentatifs de la quête de Courbet pour ce qu'il appelait le "réalisme". Le réalisme vise à dépeindre de manière réaliste la réalité de la société dans l'art, et Courbet est l'un des artistes qui a le plus adhéré à cette idée. L'atelier du peintre est une œuvre qui incarne les principes du réalisme, et l'un des aspects attrayants de cette œuvre est qu'elle dépeint des aspects de la société et de la culture de l'époque dans le paysage que l'artiste lui-même représente.
Courbet a également peint une autre œuvre choquante, L'Origine du monde, qui ne représente que des organes génitaux féminins et qui se trouve également dans la collection d'Orsay.

(10) Arrangement n° 1 en gris et noir - Portrait de la mère.

James McNeill Whistler, 1871
L'intérêt principal de cette œuvre réside dans le fait que le portrait de la mère est présenté dans un arrangement artistique qui diffère d'un portrait réaliste. Plus précisément, les vêtements, la pose et l'arrière-plan de la mère sont représentés dans un style abstrait et esthétique, ce qui donne à première vue l'impression qu'il ne s'agit pas d'un portrait. En outre, l'utilisation d'un dégradé de couleurs - gris pâle et noir - donne une impression de simplicité et de beauté.
En outre, l'œuvre contient des questions sur la relation entre l'art et la réalité. Heussler remettait en question la reproduction intégrale de la réalité dans ses tableaux et insistait sur l'expression artistique d'éléments extraits de la réalité. Cette œuvre incarne également cette idée : bien qu'il s'agisse d'un portrait de sa mère, il a été artistiquement arrangé pour poursuivre sa valeur esthétique en tant que peinture.
Cette idée se reflète dans le titre, qui dans cette œuvre s'appelle également "Arrangement".

Accès au musée d'Orsay et tarifs d'entrée

Accès au musée.

Le musée d'Orsay est situé au cœur de Paris, sur les bords de la Seine. Il est également proche du musée du Louvre, à moins de 15 minutes à pied de l'autre côté de la Seine.
En transports en commun, la station la plus proche est Gare Musée d'Orsay sur la ligne C du RER.
La station de métro la plus proche est Solférino (ligne 12), à moins de cinq minutes à pied de Solférino.

Horaires d'ouverture et jours fériés

Horaires d'ouverture : 9h30-18h00 (jusqu'à 21h45 le jeudi).
Dernière admission 17h00 (jusqu'à 21h00 le jeudi).
Fermeture : les lundis, le 1er mai et le 25 décembre.

Durée approximative de la visite.

Si vous visitez à un rythme assez rapide, il vous faudra environ 2 heures ; à un rythme normal, il vous faudra environ 3 heures.
Si vous souhaitez voir les sculptures et autres objets, la visite peut durer de quatre à cinq heures. Prévoyez donc suffisamment de temps.

Entrée.

Il y a quatre entrées, de A à C.
Le jour de la visite, des billets peuvent être achetés à l'entrée A pour accéder à l'entrée. Si vous avez acheté des billets à l'avance sur le site officiel, entrez par l'entrée C.
En effet, il y a souvent une longue file d'attente à l'entrée A, il est donc recommandé d'acheter les billets à l'avance.

(Référence) Site officiel du musée d'Orsay

Site officiel du musée d'Orsay

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