Peintures célèbres du monde entier dans les collections des musées.
Pourquoi ces peintures sont-elles célèbres ? Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi elles sont célèbres ?
Dans 10 peintures célèbres du monde entier｜Knowing the Enduring Masterpieces, nous avons présenté des peintures occidentales célèbres du 15e au début du 20e siècle.
Dans cet article, nous présentons plus en détail 10 peintures contemporaines célèbres provenant de musées renommés du monde entier.

(1) Salvador Dali, L'adhérence de la mémoire.

Salvador Dali est un peintre surréaliste de premier plan qui combine des motifs impossibles pour créer des tableaux irréalistes.
L'une de ses œuvres les plus célèbres est cette 《Fixation de la mémoire》.
Œuvre relativement précoce, publiée en 1931 alors que Dali avait 27 ans, elle laisse déjà entrevoir ses scènes désertiques caractéristiques et des motifs originaux tels que des horloges fondues et déformées et d'autres objets étranges.
L'œuvre fait aujourd'hui partie de la collection du Museum of Modern Art (MoMA) de New York et est considérée comme l'une des peintures les plus importantes de l'art du XXe siècle.
À première vue, les motifs peuvent sembler incompréhensibles, mais en fait, chacun d'entre eux a une signification symbolique cachée.

On dit que Dali a été inspiré par l'image d'une "horloge qui fond" lorsqu'il a vu un jour un morceau de camembert non mangé par Gala, la compagne et modèle de Dali, fondre dans la cuisine.
Normalement, une horloge est un objet dur censé marquer le temps de manière régulière.
Comme elle fond et se déforme comme un morceau de fromage, on peut penser que Dali exprime une distorsion du temps et de l'espace.
Einstein a publié sa théorie de la relativité générale en 1915. On pense que Dali a pu être influencé par l'idée que le temps et l'espace sont relatifs et peuvent apparaître déformés selon le point de vue de chacun, idée qui s'est progressivement imposée.

En outre, l'étrange objet blanc, semblable à une peau de boulette, qui repose au centre de l'image, symbolise l'imagerie latente de Dali. L'excitation physique et sexuelle et son déclin ou son effondrement. On pense que cet objet mystérieux en est une forme.
Et l'horloge orange au premier plan, à gauche, où les fourmis se rassemblent, représenterait le concept de "décomposition".
Chacun des éléments des tableaux de Dali est un symbole de ses propres désirs et de la pensée novatrice de l'époque, et se caractérise par le fait que plus on lit et plus on comprend, plus on s'amuse.

(2) Pierre Auguste-Renoir, Le bal du Moulin de la Galette.

Le célèbre peintre impressionniste Pierre-Auguste-Renoir a peint le tableau Le bal au Moulin de la Galette en 1876.
Le Moulin de la Galette était une salle de danse en plein air située à Montmartre, un quartier de Paris où se réunissaient des personnalités culturelles.
D'ailleurs, "Galette" signifie "moulin à vent", et son moulin à vent caractéristique était un point de repère.
Le tableau a été exposé lors de la troisième exposition impressionniste de 1877 et fait aujourd'hui partie de la collection du musée d'Orsay à Paris.
Ce tableau joyeux, inspiré des propres amis de Renoir, est riche en expressions, avec le soleil filtrant à travers les arbres et projetant de magnifiques motifs sur les gens, et les gens dansant et s'enivrant.
Le tableau, qui est l'une des œuvres de Renoir les plus populaires parmi les impressionnistes, est disponible en deux versions : la grande version (131 cm x 175 cm) présentée ci-dessus et une version plus petite, de la taille d'une esquisse, peinte sur place.
La grande version du tableau principal a été vendue pour 78 millions de dollars (le deuxième prix le plus élevé de l'histoire du tableau) en 1990, à la fin de la bulle économique, à Ryoei Saito, président honoraire de Daishowa Paper Company (aujourd'hui Nippon Paper Industries) (on dit qu'après l'éclatement de la bulle, le tableau est passé entre les mains d'un collectionneur suisse).

(iii) Jean-François Millet, Le Semeur.

Le Semeur de Jean-François Millet est un tableau puissant qui célèbre les paysans qui sèment des graines et survivent.
Peint en 1850, le tableau fait aujourd'hui partie de la collection du Museum of Fine Arts de Boston, aux États-Unis, et constitue l'une des principales attractions du musée.
Exposé au Salon de Paris en 1850, le tableau aurait fait l'objet d'un débat intense, beaucoup y voyant une déclaration politique contre la vie misérable des paysans.

À l'époque, la France était en proie à un conflit croissant entre la classe paysanne et ouvrière, qui avait accru sa voix politique avec la révolution de février et le suffrage universel, et la classe bourgeoise, qui tentait d'étouffer cette menace.
En conséquence, les conservateurs ont accusé Millet d'être le même genre de canailles que les paysans, tandis que les gauchistes l'ont élevé au rang de personnification du peuple de notre époque. Les extrêmes de l'évaluation donnent une idée de la puissance sous-jacente de cette œuvre, qui avait la capacité de plaire aux différentes classes de la population française de l'époque.

Sur le plan technique, il innove également en appliquant d'épaisses couches de peinture, ce qui était mal vu dans les techniques académiques.
Le critique Théophile Gautier l'a décrit comme "une figure aux gestes sauvages et au devenir terriblement grossier, qui semble peinte avec les couleurs de la terre où l'on sème les graines".
Avec Millet, qui dépeint les réalités politiques et sociales, la même période voit l'émergence de peintres réalistes tels que Courbet et Daumier, une révolution dans l'histoire de l'art qui marque une rupture avec les peintures idéalistes de la période précédente.

(iv) Vincent van Gogh, Tournesols.

Tout le monde a probablement vu au moins une fois les Tournesols de Van Gogh dans un manuel scolaire ou sur une affiche.
En fait, il existe au total dix tournesols reconnus comme ayant été peints par Van Gogh.
Chacun est appelé "édition 00" d'après le nom du musée qui l'abrite. Le Tournesol de l'image ci-dessus est l'édition de la National Gallery, qui appartient à la National Gallery de Londres.
L'œuvre a été peinte en 1888.
Van Gogh s'est concentré sur les tournesols à plusieurs reprises au cours de sa carrière, et celui-ci a été peint à Arles, dans le sud de la France, une région chaude et lumineuse.
Les tournesols, disposés de telle sorte qu'ils débordent presque du vase, sont représentés dans une composition simple sur un fond jaune vif, la même couleur que les tournesols.
L'œuvre évoque le cycle de la vie, le dynamisme tendu des tournesols coexistant avec ceux qui s'étiolent en regardant vers le bas.

Pour l'anecdote, cette œuvre a été victime d'une boîte de tomates lancée en octobre 2022 par des écologistes faisant campagne pour "Just Stop Oil" (Halte au pétrole).
Les deux militants ont été arrêtés et l'œuvre a été rendue à la galerie le même jour après avoir été nettoyée.
Cet incident nous a fait réfléchir une fois de plus à la manière dont nous traitons et protégeons les œuvres d'art historiques.

(5) Eugène Delacroix, La Statue de la Liberté guidant le peuple.

Cette peinture est basée sur la révolution de juillet, un événement qui s'est déroulé en 1830, et a été réalisée par le grand peintre romantique Eugène Delacroix.
La femme au centre du tableau, tenant un fusil dans sa main gauche et le drapeau français dans sa main droite, est un exemple représentatif de la figure féminine symbolique française connue sous le nom de "Marianne", qui conduit le peuple.

Le tableau est allégorique, Marianne elle-même symbolisant la "liberté" et un sein exposé symbolisant la "maternité".
Les compositions dynamiques et émouvantes et les thèmes théâtraux de ces tableaux sont considérés comme véritablement représentatifs du mouvement artistique romantique.
Depuis son acquisition en 1874, il est la pièce maîtresse de la collection du Louvre et a attiré l'attention de personnes du monde entier.
Delacroix a également réalisé d'autres tableaux dramatiques sur des événements historiques, comme Le massacre de l'île de Chios.
Œuvre de référence : Le Massacre de l'île de Chios (1823-24, Louvre).

(vi) Francisco de Goya, Saturne dévorant mon fils.

Saturne dévorant son propre fils est un tableau de l'artiste espagnol Francisco de Goya, qui fait partie de la série des Peintures noires.
Son sujet choquant, son titre direct et les images qui expriment directement son contenu en font une œuvre inoubliable à première vue.
L'œuvre aurait été peinte entre 1819 et 1823 et fait partie de la collection du musée du Prado à Madrid, en Espagne.

Le tableau est basé sur un thème mythologique.
Elle dépeint la légende de Saturne (l'équivalent de Cronos dans la mythologie grecque), le dieu romain de la fertilité agricole, qui, craignant une prophétie selon laquelle il serait tué par ses propres enfants dans le futur, a avalé ses cinq enfants l'un après l'autre.
Saturnus était à l'origine roi du mont Olympe, la demeure des dieux, mais dans sa vieillesse, Saturnus devint obsédé par la folie, par peur de sa propre disparition.
Son acte meurtrier, qui consiste à mordre et à dévorer ses propres enfants de la tête aux pieds, est dépeint avec réalisme.
De nombreux spectateurs sont dégoûtés par le réalisme grotesque de la représentation.
En même temps, le caractère direct de la représentation en a fait un chef-d'œuvre rare dans l'histoire de l'art.
Cette peinture est représentative de la série des Peintures noires, une série que Goya a peinte dans les dernières années de sa vie. Pour une explication détaillée, veuillez lire l'article ci-dessous.

Qu'est-ce que Saturne dévorant son fils ? Une explication du chef-d'œuvre de Goya !

(vii) Pablo Picasso, Les filles d'Avignon.

Pablo Picasso, l'un des peintres les plus célèbres au monde, a peint Les Filles d'Avignon à l'âge de 26 ans, en 1907, au début de sa carrière.
Il s'est inspiré de l'avenue d'Avignon à Barcelone, en Espagne, une rue bordée de maisons closes.
Les profils féminins sur le côté gauche du tableau montrent la sculpture égyptienne ancienne, les deux visages au milieu montrent la sculpture espagnole ancienne, et les visages déformés plus caractéristiques sur la droite montrent des influences évidentes de la sculpture africaine.
Cette œuvre a été le point de départ du mouvement artistique connu sous le nom de "cubisme", dirigé par Picasso et Georges Braque.
Le cubisme n'était pas réaliste en termes de perspective ou d'ombrage, mais visait une nouvelle forme d'expression propre à la peinture, dans laquelle les choses étaient déconstruites puis reconstruites.
Cette œuvre fait aujourd'hui partie de la collection du Museum of Modern Art (MoMA), à New York.

(viii) Piet Mondrian, Composition en rouge, bleu et jaune.

Les peintures abstraites de Mondrian sont intemporelles et sa simplicité et son abstraction moderniste ont influencé les artistes contemporains.
La capacité à évoquer des émotions et des sensations avec des lignes, des formes et des couleurs simples était l'objectif de Mondrian.
Mondrian, qui s'est également plongé dans la recherche sur les liens universels et émotionnels et dans la théosophie, a peint de manière figurative dans ses premières années.
Influencé par le cubisme et d'autres influences, il s'est progressivement orienté vers un style d'expression minimaliste.
Cette œuvre, qui atteint le summum du minimalisme, a été réalisée en 1930.

Il a laissé les mots suivants.

Je construis des combinaisons de lignes et de couleurs sur une surface plane. C'est avec la plus grande concentration que j'exprime la beauté universelle. La nature (ou ce que je vois) m'inspire et me donne l'envie de créer quelque chose. Mais je veux m'approcher le plus possible de la vérité et en extraire tous les éléments. Et je veux atteindre les fondamentaux qui la sous-tendent... même s'ils sont encore superficiels.

Si je trace des lignes horizontales et verticales avec une volonté claire, mais avec une intuition élevée, pas une intuition calculatrice, je pense qu'il est possible d'apporter de l'harmonie et du rythme. La force et la sainteté de ces lignes, c'est qu'elles sont de l'art".

(ix) Paul Cezanne, Pommes et oranges.

Dans cette nature morte de 1899, on assiste à des distorsions pleines de tension.
La cohabitation de motifs vus sous des angles différents sur le même plan pictural permet d'observer, par exemple, le décalage entre les arêtes de la table. Cet effet a été apprécié et développé plus tard par le cubisme.
Gustave Geoffroy, éminent critique d'art du XIXe siècle, a rappelé que Cézanne disait souvent qu'il voulait "surprendre Paris avec des pommes".
Avec cette œuvre, Cézanne a radicalement détruit les méthodes traditionnelles de perspective et de représentation.
Les "motifs" en tant que motifs de la "belle peinture".
Cézanne et Picasso, qui lui ont emboîté le pas, ont développé à fond cette conception, qui est restée jusqu'à aujourd'hui l'approche fondamentale de la peinture.

(10) Léonard de Vinci, Madone des Grottes.

Cette œuvre gigantesque, mesurant 2 m de haut, est conservée dans les collections du Louvre à Paris.
En fait, il existe une autre œuvre ayant exactement la même composition, qui se trouve dans la collection de la National Gallery de Londres.
Dans ce tableau, la Vierge Marie, l'Enfant Jésus, le jeune Jean-Baptiste et un ange sont représentés contre une grotte rocheuse.
La technique du "sfumato", caractéristique de la peinture de Léonard, est pleinement mise en valeur pour montrer la complexité et la profondeur de l'espace ainsi que les formes douces des personnages et de leurs vêtements.
On pense que ce tableau a été réalisé entre 1483 et 1486, et des recherches ont montré qu'il constituait à l'origine l'un des trois ensembles centraux du retable de l'église.
Il représente le Christ doucement tenu par la Vierge Marie et Jean-Baptiste assis avec des anges dans une lumière douce.
Avec son atmosphère douce, que partage également la Joconde, et son espace minutieusement peint mais unifié, il n'est pas exagéré de dire qu'il s'agit de l'un des plus beaux tableaux de la Renaissance italienne, une période riche en chefs-d'œuvre.




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