Marcel Duchamp est l'un des artistes les plus célèbres du XXe siècle, connu pour être le père du concept d'"art contemporain".
Dans cet article, nous présentons cinq des œuvres les plus célèbres de Duchamp.
Pourquoi est-il considéré comme l'artiste le plus influent du 20e siècle ? Vous le découvrirez en lisant ses œuvres.
Vous pouvez en savoir plus sur la vie de Duchamp dans l'article ci-dessous. N'hésitez pas à le lire également.
Le père de l'art contemporain [Marcel Duchamp] expliqué.

(1) La Fontaine

L'impact de La Fontaine

En 1917, la Fontaine, exposée à la Society of Independent Artists de New York, a provoqué une onde de choc dans le monde de l'art.
Signée "R. Mutt" sur un urinoir renversé, l'œuvre est vigoureusement contestée par le comité de l'exposition, qui soutient qu'il ne s'agit pas d'une œuvre d'art, alors que Duchamp lui-même en est membre.
Finalement rejetée par l'association, l'œuvre est retirée de l'exposition et Duchamp est contraint de se retirer de l'Association des artistes indépendants.
L'œuvre est devenue un scandale majeur dans l'histoire de l'art et a provoqué l'émoi des artistes dadaïstes qui valorisaient l'irrationalité, le non-sens et l'illogisme.

Un art qui aime "penser

En même temps, cependant, cette œuvre présentait une manière révolutionnaire de penser les principes de l'art contemporain : il doit s'agir d'un art à apprécier par la pensée et d'une œuvre qui élargit constamment et consciemment le domaine du terme "art".
En 2004, elle a été reconnue comme "l'œuvre d'art la plus influente du XXe siècle" par 500 artistes et critiques de premier plan du monde de l'art international.

Fontaine, 1917

(ii) Nu descendant un escalier n° 2.

L'apparition de ce tableau est un véritable "incident" dans la représentation picturale.
Elle est influencée par la photographie documentaire publiée par un physiologiste nommé Etienne-Jules Murray, qui marque le corps humain et prend ensuite une série de photographies instantanées de la figure en mouvement. Murray était un médecin et physiologiste qui publiait ces photographies pour étudier la physiologie humaine, mais à l'époque, cette technique photographique avait plus d'impact sur le monde de l'art que sur celui de la médecine. La série de photographies de femmes descendant un escalier, publiée à peu près à la même époque par un photographe appelé Edouard Muybridge, sont également des images visuelles que Duchamp a directement utilisées comme motif.

Etienne-Jules Murray, Homme marchant, 1890 - 1891.


Edward Muybridge,Woman Walking Downstairs, 1887.
Duchamp est l'un des artistes qui a utilisé les résultats pour explorer de nouvelles expressions du "mouvement".
Le corps d'une personne en mouvement est représenté par des cylindres et des cônes, et les images successives sont clairement dessinées, sans flou ni trouble.
Ce style, qui combine les mouvements artistiques cubiste et futuriste, apporte un vent nouveau au modernisme.

(iii) Ready-made.

Faire de l'art à partir de readymades.

Readymade est un mot japonais qui signifie "prêt à l'emploi".
Un objet fabriqué dans l'intention de servir à quelque chose (également appelé "objet trouvé") = l'art readymade est réalisé en attachant ou en combinant plusieurs objets readymade.
En 1913, Duchamp a créé un ready-made appelé La roue de bicyclette.

Roue de bicyclette, 1913.

Art qui transforme des objets peu attrayants en œuvres d'art.

Il s'agit d'une œuvre d'art simple, composée d'une roue de bicyclette renversée vissée à un tabouret en bois.
Selon les recherches actuelles, l'idée de cette combinaison a été conçue par Elsa von Freitag-Loringhoven, une autre artiste dadaïste qui était une amie proche de Duchamp. C'est Duchamp qui l'a présentée en tant qu'œuvre d'art.
Duchamp s'exprimait ainsi sur les readymades.

Mon idée est de choisir quelque chose qui n'attire l'attention ni par sa beauté ni par sa laideur. En d'autres termes, je cherche l'indifférence que je ressens moi-même en le regardant."

COLONNE : L'idée de Duchamp sur l'art

L'idée de Duchamp sur le concept de base de l'"art contemporain" - "une œuvre d'art dont le spectateur fait l'expérience" - est incarnée par ces mots : "L'acte créateur n'est pas une question d'être créatif, c'est une question d'être créatif.

L'acte créatif n'est pas le fait de l'artiste seul. L'œuvre est reliée au monde extérieur par la description et l'interprétation de l'expérience de l'œuvre par le spectateur. Ainsi, l'artiste et le spectateur travaillent ensemble à la création de l'œuvre, et le spectateur fait partie de l'acte créatif."

"L'acte créateur n'est pas le fait de l'artiste seul ; le spectateur met l'œuvre en contact avec le monde extérieur en déchiffrant et en interprétant ses qualifications internes et apporte ainsi sa contribution. ses qualifications internes et apporte ainsi sa contribution à l'acte créateur."

(iv) Le Grand Verre (la mariée déshabillée par ses célibataires, même).

Origine du Grand Verre.

L'œuvre, dont le titre particulier semble dire une phrase, a été réalisée sur une longue période de huit ans, entre 1915 et 1923, avec plusieurs interruptions entre-temps.
Le Grand Verre" est devenu l'appellation habituelle du titre original, "La mariée nue par ses célibataires, même".

La mariée nue par ses célibataires, même, 1923

Matériaux divers et boîtes vertes.

Plusieurs motifs symboliques sont peints sur la surface de deux grandes plaques de verre, en utilisant comme matériaux des feuilles de plomb, des fils de fusible et même de la poussière.
La composition est une interaction complexe de divers éléments, y compris un processus de production qui incorpore le hasard et l'artisanat du dessin avec des matériaux différents de ceux utilisés dans les peintures à l'huile ordinaires. L'artiste a également présenté une œuvre multiple compacte intitulée Green Box, une collection d'esquisses, de photographies et de notes qui ont été créées avant la signification et l'histoire de chaque motif et la forme finale de l'œuvre.

Boîte verte.

Œuvres qui ont influencé Le Grand Verre.

Le Grand Verre a été inspiré par le décor du célèbre roman ésotérique de Raymond Roussel, Impressions d'Afrique.

Duchamp, né à Paris, a travaillé intensivement sur Le Grand Verre après avoir émigré aux États-Unis en 1915.

L'œuvre a été abandonnée en 1923 parce qu'elle était "inachevée". En outre, lors de son transport depuis le lieu où elle a été exposée pour la première fois, l'impact a provoqué une grande fissure dans le verre. Duchamp l'a restaurée, mais a délibérément laissé un certain nombre de fissures afin de préserver le caractère accidentel de l'œuvre.

Signification de chaque élément.

Le Grand Verre est divisé en deux parties, la partie supérieure et la partie inférieure.
La partie inférieure représente le célibataire (homme) et la partie supérieure la mariée (femme).
L'idée de Duchamp est que l'aspect narcissique du célibataire ressemble à la nature répétitive et paranoïaque de la machine. Les différents processus de la machine décrits dans la partie inférieure du tableau racontent une histoire d'amour sexuel, dans laquelle le désir sexuel du célibataire est vaporisé, ce qui provoque le déshabillage de la mariée dans la partie supérieure.

(v) Rose Seravi.

Nom.

Rose Sélavy, orthographié "Rrose Sélavy" (ou Rose Sélavy), est le nom d'un personnage féminin de Duchamp.
Le nom a été donné par jeu de mots parce que, prononcé en français, il ressemble aussi à la phrase "Eros, c'est la vie".
En collaboration avec le photographe dadaïste Man Ray, Seravy a continué à réaliser des portraits dans les années 1920. Duchamp a également signé plusieurs autres œuvres sous le nom de "Rose Seravi".

Signification de "Rose Seravi".

Le personnage fait ironiquement référence à l'acte de romantiser et de tomber amoureux de l'individualité et de la subjectivité de l'artiste. L'apparemment séduisante "Rose Seravi" n'est en fait qu'un homme, et Duchamp dira plus tard dans une interview : "Vous pensez que vous faites quelque chose qui est uniquement à vous, mais quand vous le regardez un an plus tard, vous voyez les racines de votre art sans savoir du tout d'où il vient".

(6) 1) l'eau qui tombe, (2) le gaz pour l'éclairage, s'il est donné.

Duchamp a abandonné la production après 1923 et on pense qu'il a travaillé pendant près de 25 ans en vue des compétitions d'échecs. C'est donc avec surprise que le monde de l'art a découvert cette œuvre.

Il s'agit d'une peinture réalisée à partir de divers matériaux et qui ne peut être vue qu'à travers une paire de judas dans une porte en bois (correspondant aux deux yeux d'un être humain).
Sur le fond de la vue, une femme nue est représentée allongée sur le dos, le visage caché, les jambes écartées et tenant une lampe à gaz dans une main.
La signification de l'œuvre est encore sujette à interprétation, mais la femme a été modelée par sa compagne de l'époque, la sculptrice brésilienne Maria Martins.



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