Les débuts de l'art contemporain
Ces dernières années, l'art contemporain est devenu un phénomène courant.
Non seulement dans les musées et les galeries d'art, mais aussi dans divers lieux de la ville, où l'on peut admirer des œuvres d'art contemporain.
Mais qu'entend-on exactement par "art contemporain" ? À quelle période le terme "art contemporain" fait-il référence ?
Dans cet article, nous répondrons à ces questions.
La meilleure façon de comprendre l'art est de connaître les artistes et leurs œuvres. Voici dix personnes qui peuvent vous aider à comprendre un peu mieux "l'art contemporain", dont on dit souvent qu'il n'est pas familier.
Principaux artistes contemporains du 20e siècle, 1910 - années 50
(1) Marcel Duchamp.
Fontaine 1917.
Marcel Duchamp est le plus souvent considéré comme le fondateur de l'art contemporain, en ce sens qu'il était radicalement différent de l'art antérieur. Vous reconnaissez peut-être sa Fontaine, une œuvre dans laquelle il a simplement retourné un urinoir masculin et y a apposé sa signature.
Vous avez peut-être l'impression que l'art est quelque chose que l'on ressent intuitivement avant d'y penser, qu'il est beau, amusant ou merveilleux.
Cependant, avec La Fontaine, Duchamp critiquait ces images conventionnelles et présentait un nouvel "art".
Duchamp qualifiait l'art au sens conventionnel de "peinture rétinienne". La définition de l'art est qu'il peut être apprécié sur la rétine, c'est-à-dire qu'il est agréable et complet uniquement pour les stimuli visuels.
Duchamp, quant à lui, définissait son travail comme quelque chose qui pouvait être "apprécié par la pensée".
L'urinoir masculin lui-même ne possède ni beauté, ni maîtrise artisanale, ni mystère. Selon lui, il n'y a "art" que lorsque quelque chose qui n'a pas de valeur rétinotopique est présenté comme une "œuvre d'art" ou un "art" et que le spectateur l'apprécie = la pensée humaine.
Ce changement de perspective signifie qu'il faut abandonner l'attitude passive selon laquelle "quelque chose de beau en soi est de l'art" et se poser la question de la signification ou de l'arrière-plan de cette œuvre. Il s'agit alors de se confronter à l'œuvre avec une attitude active qui la sonde en profondeur, en se demandant "Quel est le sens et l'arrière-plan de ceci ?
Un tel travail n'est pas toujours agréable, et tout le monde n'est pas en mesure d'apprécier l'œuvre de la manière souhaitable.
L'approche de Duchamp consistait à accepter même cela comme une condition préalable et à considérer tous les éléments impliqués dans l'acte de regarder - l'œuvre, le contexte de l'artiste, les conditions et le contexte du spectateur à ce moment-là - comme des éléments essentiels dans la formation d'une "œuvre d'art".
Duchamp a réussi à présenter de manière vivante cette attitude fondamentale, dont l'esprit même a été transmis à la plupart des artistes contemporains actifs aujourd'hui.
(ii) Pablo Picasso.
Pablo Picasso est un autre artiste historique très apprécié.
Une anecdote célèbre veut que le premier mot qu'il ait prononcé ait été "Lapiz", qui signifie "crayon" en espagnol.
Bien que Picasso se soit fait connaître comme un génie précoce, il est aussi largement connu pour avoir révolutionné l'art occidental.
Il a créé le mouvement artistique connu sous le nom de "cubisme".
Dans la perspective, une façon de percevoir l'espace qui caractérise l'art occidental, il existe une règle claire selon laquelle il y a un point de fuite sur la ligne horizontale centrée sur l'œil de l'artiste, et à mesure que les objets s'éloignent du point de vue, l'ensemble du paysage se concentre sur le point de fuite. Cette méthode a été utilisée pour exprimer avec précision le fait que les grands objets géométriques, tels que les bâtiments, semblent rétrécir à mesure qu'ils s'éloignent de l'observateur.
Cependant, en partie sous l'influence de Paul Cézanne et d'autres, Picasso s'est rebellé contre cette façon uniforme de percevoir l'espace.
Filles d'Avignon, 1907.
Les figures ont une apparence faciale distinctive qui est fortement influencée par la combinaison des parties de la forme physique lorsqu'elles sont vues sous différents angles, ainsi que par les masques et les figures d'argile que l'on trouve dans l'art africain ancien.
Comment percevons-nous la réalité ? Picasso a réussi à répondre à cette question d'une manière unique et vivante.
Même lorsqu'il représente des nus, l'effet n'est pas de faire appel à l'érotisme comme par le passé, mais d'attirer l'attention du spectateur sur l'espace lui-même, sur l'acte même de représenter trois dimensions de manière bidimensionnelle.
(iii) Henri Matisse.
Matisse, également connu sous le nom de "magicien de la couleur", est l'un des peintres les plus célèbres du XXe siècle.
Si Picasso a révolutionné l'expression de la forme, Matisse a libéré l'expression de la couleur de la réalité. Il était conscient de dessiner avec la couleur plutôt qu'avec la forme.
Harmonie rouge, 1908.
Cette œuvre est souvent décrite comme le chef-d'œuvre de Matisse. Le rouge vif et audacieux est la couleur principale, et le motif de l'arabesque bleue, le motif des papiers peints et des nappes, est représenté avec plus de présence que comme un motif.
L'effet obtenu est que l'espace, au sens de la profondeur, disparaît, de sorte que seules les couleurs plates sont visibles.
Outre les peintures à l'huile, il était également actif dans le domaine des découpages, qu'il a souvent réalisés au cours des dernières années de sa vie.
Colonne - Différences avec l'art non contemporain.
L'art contemporain se distingue clairement de l'"art moderne", qui se réfère à la catégorie de période qui le précède immédiatement.
Le terme "moderne" désigne généralement la période de la société capitaliste et civile qui a suivi l'ère féodale et le Moyen Âge, c'est-à-dire l'ère de l'"individualisme" et de la "démocratie".
Le modernisme renvoie à une attitude de respect des droits et libertés individuels vis-à-vis de l'autorité étatique et sociale. Dans le domaine de l'art également, la modernité se caractérise par la valeur accordée à la liberté et à l'individualité.
En revanche, l'art contemporain, qui a commencé à émerger autour des années 1960, repose sur le principe de la "jouissance du concept", dont Duchamp est à l'origine. Par conséquent, s'il existe bien sûr de nombreuses œuvres intéressantes pour l'œil et agréables pour les sens, il est probablement préférable de considérer les œuvres majeures comme celles qui peuvent être comprises plus profondément grâce à la connaissance de l'artiste et aux idées qui constituent la base sur laquelle l'œuvre a été créée.
Au XXIe siècle, les styles sont devenus à part entière et complètement différents d'un individu à l'autre, la majorité des artistes refusant d'être catégorisés de la même manière que par le passé, en tant que mouvement artistique spécifique.
Artistes contemporains les plus importants du 20e siècle, des années 1960 aux années 1990.
(iv) Jackson Pollock.
Jackson Pollock est une figure de proue de l'expressionnisme abstrait et l'un des artistes les plus célèbres de l'art américain d'après-guerre.
Il a été l'un des principaux artisans de l'image de l'artiste en tant que "ruffian rebelle", qui a continué à travailler tout en étant dépendant de l'alcool et qui a été tué lorsque la voiture qu'il conduisait s'est écrasée contre un poteau électrique à la fin de sa vie.
Convergence, 1952
Pollock est surtout connu pour avoir développé une nouvelle méthode de production connue sous le nom d'"action painting".
Les toiles sont généralement posées sur un chevalet et orientées perpendiculairement au sol. Cependant, Pollock a peint en posant la toile sur le sol et en l'aspergeant de peinture sans utiliser de pinceau, une technique connue sous le nom de drip painting (peinture au goutte-à-goutte).
On peut dire qu'il a peint l'ensemble de l'écran avec une chaleur homogène = méthode du "all-over painting". La révolution de Pollock a également consisté à faire disparaître la profondeur du plan de l'image, de sorte que toute la surface du plan de l'image se présente comme une "peinture".
L'accent n'était pas mis sur la peinture en tant que résultat fini, mais sur le processus de peinture, c'est-à-dire l'action.
5) Andy Warhol
Warhol a d'abord travaillé comme illustrateur pour des livres d'images et des publicités.
Dans la trentaine, il a commencé à produire des œuvres d'art en utilisant comme motifs des objets produits en masse et copiés, tels que des boîtes de soupe Campbell et des billets d'un dollar. Bien que sévèrement critiqué au départ pour son traitement délibéré de la culture de masse et de la société de consommation de masse, son travail a été progressivement reconnu comme une nouvelle forme d'art, le "pop art", et il a créé une image spectaculaire aux côtés des pop stars de l'industrie musicale et cinématographique.
Warhol disait : "Si vous voulez tout savoir, regardez la surface". Il s'est appliqué à se produire lui-même, à la fois en apparence et dans le sens où son travail n'avait pas de signification profonde et se résumait à ce qu'il voyait.
Il a également fondé son propre studio, la Factory.
Il a été créé dans l'intention de produire son travail efficacement, comme une usine, mais aussi d'inviter et d'interagir avec un large éventail de personnes, des célébrités du coin et des célébrités aux vagabonds.
La Factory était également connue sous le nom de "Silver Factory", car tout l'intérieur était recouvert d'argent. Warhol employait des ouvriers d'art, appelés "art workers", qui produisaient un certain nombre de chefs-d'œuvre.
En réalité, Warhol n'est pas à l'origine de ce procédé qui s'apparente à une usine, mais il est depuis longtemps courant en Europe. Les grands peintres pré-modernes tels que Titien et Rubens dirigeaient également leurs propres ateliers et employaient un grand nombre d'apprentis, minimisant leur propre charge de travail pour produire de grandes quantités d'œuvres de haute qualité.
(vi) Cindy Sherman.
Ses autoportraits conceptuels d'elle-même en tant que sujet sont représentatifs de son travail, surtout connu pour 《 Untitled Film Stills 》, une série de photographies dans lesquelles elle s'est déguisée en actrice dans des poses clichées de scènes de films populaires des années 1950.
Étudiante, Sherman réalise des peintures dans un style super-réaliste, mais c'est un de ses contacts avec des artistes comme Adrian Piper, dont le travail est basé sur l'expression photographique, qui l'amène à faire de la photographie son médium.
Il commence à utiliser la photographie comme support de ses propres œuvres, comme Bus Riders, une série de photographies dans lesquelles il se déguise en différents passagers d'un bus, et Untitled Film Stills, une série de photographies publicitaires réalisées sur des plateaux de tournage et dont le contenu rappelle une scène de film.
Sherman porte des vêtements et des perruques d'époque et s'habille comme différentes femmes. Selon Sherman, elle s'est inspirée des rôles féminins stéréotypés des films hollywoodiens des années 1950 et 1960, des films noirs, des films de série B et des films d'avant-garde italiens.
(vii) Joseph Beuys.
Joseph Beuys est célèbre pour ses œuvres sculpturales en graisse et en feutre, ses actions et ses réunions de dialogue, ainsi que pour ses interventions sur des questions politiques et environnementales.
Appelant sa pratique "sculpture sociale", il a étendu ses activités au-delà des catégories traditionnelles de l'art.
Il s'intéresse à la nature et aux animaux depuis l'enfance et a choisi de les utiliser comme matériaux pour son travail en se basant sur l'expérience qu'il a vécue lorsqu'il a été soigné avec de la graisse et du feutre par des Tatars locaux, alors qu'il était blessé pendant son service militaire, au début de la vingtaine.
En tant que membre important du groupe artistique Fluxus, il présente plusieurs œuvres d'action, dont une dans laquelle Beuys, la tête couverte de feuilles d'or et de miel, tient un lapin mort dans ses bras et le laisse toucher sa peinture, et une autre dans laquelle Beuys est transporté en ambulance de l'aéroport où il est arrivé aux États-Unis jusqu'à une galerie avec des coyotes, où il vit pendant une semaine avant de repartir. Il repart pour l'Allemagne, critiquant l'oppression de la société américaine à l'égard des peuples indigènes en ne mettant l'accent que sur l'action avec le coyote.
Artistes contemporains éminents encore en vie.
(viii) Anish Kapoor.
Kapoor est un artiste contemporain britannique né à Mumbai, en Inde.
Il est internationalement reconnu pour ses œuvres philosophiques et tactiles qui nous font réfléchir intuitivement à la couleur, à la lumière, à la perception et à l'espace.
Peinte avec de la peinture appelée "Benta Black", la substance la plus noire au monde, cette œuvre tridimensionnelle ne présente aucun renflement ou concavité visible. Une œuvre dans laquelle le spectateur et le paysage derrière lui sont projetés sur un miroir concave géant d'une manière étrangement déformée. Une œuvre dans laquelle de grotesques amas rouges ressemblant à des entrailles ou à de la chair et du sang sont tirés au canon dans une pièce vide.
Chaque pièce est à première vue entourée de mystère, mais les installations, qui utilisent tout l'espace pour intervenir dans l'expérience visuelle humaine et les fondements des sens, expriment symboliquement son point de vue unique.
(ix) Yayoi Kusama.
Ces dernières années, Yayoi Kusama est devenue l'artiste féminine la plus vendue au monde.
En 2019, ses œuvres auraient représenté 25 % du marché en termes de ventes aux enchères d'œuvres d'art créées par des femmes.
L'innovation de Kusama réside dans son art paranoïaque et dans sa capacité à transcender les médias pour inclure des performances et des pièces entières en tant qu'œuvres d'art.
Ses motifs emblématiques de citrouilles et de pois sont aujourd'hui devenus populaires dans la vie de tous les jours, sous diverses formes. Cependant, à l'origine, il s'agissait d'une collection de pointillisme simple, avec l'expression impressionnante d'un être humain souffrant de tendances psychopathiques.
D'une certaine manière, son travail est similaire à celui de Pollock, dans la mesure où toute la valeur n'est pas concentrée dans l'œuvre finale elle-même, mais plutôt dans le processus. Les peintures et les performances sont reconnues comme une expression de l'humanité unique de Yayoi Kusama, qui n'a pas eu d'autre choix que de les peindre.
10) Bruce Nauman.
Bruce Nauman est l'un des principaux artistes conceptuels américains.
Il a produit un certain nombre d'activités qui invitent à la contemplation philosophique, quel que soit le support, notamment des œuvres qui présentent un langage radical à travers des tubes de néon, des œuvres vidéo qui sont formées par le découpage, le collage et la répétition de mouvements humains, et des œuvres dans lesquelles des voix traversent la pièce à travers des haut-parleurs qui lisent des phrases poétiques à haute voix.
En 2009, Nauman a représenté son pays à la Biennale de Venise, l'exposition internationale connue comme les Jeux olympiques du monde de l'art, dans le pavillon des États-Unis d'Amérique, où il a reçu le Lion d'or (la récompense la plus prestigieuse).
L'œuvre de Nauman est fortement influencée par le travail de Ludwig Wittgenstein, l'un des principaux philosophes du XXe siècle, dans ses Investigations philosophiques.
Dans cet ouvrage, il qualifie de "jeu de langage" l'ensemble de la communication par le langage que nous pratiquons quotidiennement, et ses écrits fragmentaires et proverbiaux sont centrés sur l'idée que seul le langage, c'est-à-dire la manière dont le jeu est pratiqué, détermine ses règles = le sens des mots.
Nauman s'écarte de ce mode de fonctionnement quotidien en découpant, agrandissant, répétant et soulignant des fragments de mouvement et de langage humains. Nous, les spectateurs, sommes invités à considérer de nouvelles significations de l'action et du langage qui sont (pourrait-on penser) créées pour la première fois par ce que Nauman a fait.
Conclusion.
Qu'en pensez-vous ? Une chose est sûre : le domaine inconnu et ésotérique de l'"art contemporain" est une œuvre d'art collective, composée d'artistes individuels et de leurs œuvres.
Il est impossible de comprendre l'ensemble du domaine en une seule fois, mais en essayant d'interpréter chaque œuvre individuelle à votre manière, vous parviendrez à une meilleure compréhension de l'art.
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