Saturne dévorant mon fils est une peinture de l'artiste espagnol Francisco de Goya, qui fait partie d'une série de "peintures noires".
Le sujet choquant, le titre et les images qui expriment directement le contenu de l'œuvre la rendent inoubliable à première vue.

Informations de base sur Saturne dévorant mon fils

Auteur : Francisco de Goya.
Année de production : 1819-1823
Matériau : huile sur toile
Dimensions : 146 cm x 83 cm
Collection : Museo del Prado, Madrid

Qu'est-ce que le mythe de Saturne ? L'histoire du tableau

Cette peinture de Goya est basée sur un thème mythologique.
Il représente le mythe romain de Saturne (l'équivalent de Cronos dans la mythologie grecque), le dieu de la fertilité agricole, qui, craignant une prophétie selon laquelle il serait tué par ses propres enfants dans le futur, a avalé ses cinq enfants l'un après l'autre.
Dans la mythologie romaine, il était à l'origine roi du mont Olympe, la demeure des dieux, mais après que Zeus lui eut ravi son trône, il s'installa en Italie. La légende veut qu'il ait introduit la technologie agricole en Italie et qu'il ait civilisé le pays.

Cependant, dans sa vieillesse, Saturne devint obsédé par la folie par peur de sa propre destruction.

Au lieu de l'avaler tout entier, comme dans le folklore, l'acte meurtrier de Saturne, qui mord et dévore sa propre progéniture de la tête aux pieds, est dépeint avec réalisme.
De nombreux spectateurs sont dégoûtés par le réalisme grotesque de cette représentation.
En même temps, le caractère direct de la représentation en a fait un chef-d'œuvre rare dans l'histoire de l'art.

Caractère unique des peintures de Goya

Représentations sexuelles cachées.

Dans son état original, le tableau aurait représenté le pénis en érection de Saturne, bien qu'il ait été modifié par la suite en le noircissant.
La façon dont il est représenté, comme s'il s'agissait d'un homme sexuellement pervers qui s'excite au moment de son meurtre, s'éloigne considérablement de la mythologie originale et reflète le pessimisme de l'artiste et sa vision unique de la nature humaine dans les dernières années de sa vie.

Saturne dévorant mon fils de Rubens.

Goya avait 77 ans lorsque cette œuvre a été peinte, mais le peintre néerlandais Rubens avait peint Saturne dévorant mon fils près de 200 ans plus tôt, en utilisant le même folklore comme motif.
Comparée au Saturne de Rubens, la version de Goya ressemble davantage à un monstre ou à un géant qu'à un homme, ce qui, combiné au fond noir, crée un sentiment d'effroi.

Pieter Paul Rubens, Saturne dévorant son propre enfant, 1636-1638.

Les "géants" de Goya le sont.

Bien que Saturne soit représenté comme un monstre gigantesque, le "géant" était en fait un motif récurrent dans les peintures de Goya.

Sans titre, eau-forte, 1814-1818

Les images de géants qu'il a laissées dans ses gravures et ses huiles symbolisent le désir d'une présence colossale qui briserait l'atmosphère espagnole morose de l'époque.
Le critique Jesúsa Vega, dans son article "Techniques artistiques comme méthode de recherche sur les "Géants" de Goya" (Goya Journal № 324), explique que.

"Le Géant reflète l'état d'esprit de nombreux Espagnols qui passent de la résistance, de la défense, de la fierté et de la détermination à une descente dans la mélancolie, une émotion collective partagée par le créateur.

Le Géant endormi, lithographie au crayon, 1824 - 1828.

Qu'est-ce qu'une "peinture noire" ?

Les "peintures noires ", dont fait partie Saturne mangeant mon fils, sont une série de peintures que Goya a réalisées sur les murs de sa maison au cours des dernières années de sa vie.
Elles sont appelées "peintures noires" parce que le noir est le thème principal de bon nombre d'entre elles.
À la fin de sa vie, Goya a perdu l'ouïe et la maison dans laquelle les peintures noires ont été peintes était également connue sous le nom de "Maison du sourd", car avant Goya, une personne sourde y avait vécu.

Le schéma ci-dessous montre la disposition des tableaux dans la maison.
Les tableaux des Peintures noires sont souvent empreints d'une atmosphère de dépression, mais aussi de motifs mythologiques significatifs et énigmatiques.

Source.

Autres peintures des Peintures noires

Examinons une à une les autres "Peintures noires", ainsi que "Saturnus".

Le destin des déesses.

Cette œuvre se trouvait au deuxième étage de la "Maison des sourds".
Quatre personnages mystérieux, ni hommes ni femmes, flottent dans les airs.
La première figure a les mains attachées dans le dos. On dirait qu'ils sont prisonniers. Cela peut représenter un destin auquel on ne peut résister.
Les couleurs de cette peinture sont dominées par l'ocre et le noir, autant ou plus que dans les autres peintures noires.
Comme il se doit pour un sujet mythologique, cela renforce l'atmosphère irréelle de la nuit. Les peintures noires de Goya sont considérées comme les précurseurs de l'art moderne par leur représentation de l'absurde.

Le Nocturne des sorcières

Le Nocturne des sorcières est un tableau qui traite de la violence, de l'intimidation, du vieillissement et de la mort.
Il représente la silhouette d'un Satan géant sous la forme d'un bouc, au clair de lune, au-dessus d'une assemblée de sorcières terrifiées.
Certains ont suggéré que cette étrange assemblée se moquait des rituels religieux superstitieux et excessifs du XIXe siècle en Espagne, tels que l'Inquisition et les procès de sorcières.
L'atmosphère de douleur mentale et physique qui affligeait Goya dans sa vieillesse est également perceptible.

Duel au gourdin.

Cette peinture représente deux hommes se battant avec des gourdins, enfoncés jusqu'aux genoux dans une tourbière de boue et de sable.
Certains pensent que les deux hommes se battent sous la pression de la dissension d'un souverain et qu'il s'agit d'un commentaire ironique sur la politique du roi Ferdinand VII d'Espagne à l'époque.

Deux vieillards en train de manger

On pense généralement que les deux vieillards sont des hommes, mais ce n'est pas certain.
Celui qui est assis à gauche et qui prend quelque chose dans son assiette avec une cuillère semble sourire.
En revanche, le personnage de droite semble presque squelettique. Les orbites sont enfoncées, le crâne et le nez sont dégarnis.
Dans ces deux vieillards, qui semblent presque sur leur lit de mort, Goya s'est peut-être superposé à eux.
Sur le plan technique, l'ensemble du tableau est exécuté à l'aide de coups de pinceau audacieux typiques de Goya et, à certains endroits, d'un couteau à peindre. La rapidité avec laquelle la forme du tableau est déterminée d'un seul coup de pinceau est également typique des peintures impressionnistes ultérieures.

Asmodée.

Dans ce tableau, deux personnages, un homme et une femme, sont représentés comme s'ils flottaient au-dessus d'un vaste paysage.
Ils regardent chacun dans une direction opposée, mais l'homme pointe du doigt la ville située sur la montagne à droite de la toile.
Le critique Evan Connell a noté que la forme de la montagne ressemble à Gibraltar, qui fut un refuge pour les libéraux espagnols après la guerre de la Péninsule.
On pense qu'il s'agit peut-être d'une allusion à la situation de l'Espagne à l'époque.

Le pèlerinage à San Isidro.

Dans cette peinture, les gens sont représentés ivres et chantant avec des visages déformés.
Des personnages de différentes classes sociales y sont représentés. Au premier plan, on trouve un groupe de personnes de condition modeste, tandis qu'à l'arrière, on aperçoit les classes supérieures et des religieuses en chapeau.
La procession de la foule, qui ressemble même à une masse continue d'êtres vivants, était un motif récurrent pour Goya. On dit qu'il s'agit d'une critique de la nature déshumanisante de l'individu en tant que groupe.
La représentation unique des expressions faciales et le nombre limité de couleurs dans ce tableau seraient des précurseurs du peintre expressionniste belge James Ensor.

Chien dans le sable.

Ce tableau est divisé en deux parties inégales : le "ciel" ocre brut au sommet et la petite "pente" brun foncé, inclinée et courbée, qui s'assombrit à mesure qu'elle s'élève vers la droite.
Sur la pente de la colline, un chien lève le museau et regarde vers le haut, sa tête n'apparaissant qu'en filigrane.
De plus, juste à côté de lui, une forme sombre vaguement brumeuse semble se profiler au-dessus du chien. On pense que ces ombres légères sont les vestiges transparents d'un autre tableau peint sur le même mur avant Dog in the Sand.
Le critique d'art Robert Hughes affirme que "nous ne savons pas ce que cette peinture signifie, mais son pathos nous fait passer à un niveau inférieur de l'histoire".

Les deux vieillards.

Dans ce tableau, un vieil homme habillé en moine est représenté sur toute la longueur du tableau, flanqué d'un homme qui semble l'écouter.
Le personnage à côté de lui, la bouche ouverte, a une expression très caricaturale, qui ferait allusion à la surdité de Goya.
Elle incarnerait l'image de sa propre surdité et celle des autres qui lui crient dessus bruyamment, une image qui lui causait des angoisses mentales.

Lecture.

Il existe plusieurs théories sur l'identité des personnages représentés ici, mais l'une d'entre elles est qu'il s'agit d'hommes politiques confirmant leur réputation dans les journaux.
Une récente analyse aux rayons X a montré qu'un dessin complètement différent se cache sous la peinture, qui a été peinte une fois, puis redessinée de manière audacieuse.
Cette peinture est similaire, par sa taille, son cadre et sa composition, à une autre "peinture noire" intitulée Deux femmes se moquant d'un homme en train de se masturber, et on dit qu'il s'agit d'une peinture sœur.

Judith et Holopherne.

Cette œuvre thématique, tirée du récit de la Chronique de Judith, représente Judith séduisant Holopherne et lui coupant la tête.
C'est l'une des rares figures des Peintures noires à être explicitement tirée d'un mythe du passé.
La figure d'une vieille femme en train de prier est également visible en bas à gauche, soulignée par une faible lumière.

Deux femmes se moquant d'un homme en train de se masturber

L'intention de cette œuvre n'est pas très claire.
Il n'y a pas de décor ou de détail à l'arrière-plan et aucun contexte n'est donné quant à l'identité de ces personnes, à ce qu'elles font ou à l'endroit où se déroule la scène.
La représentation ne permet pas de savoir si l'homme à droite de l'écran se masturbe réellement, mais selon le critique d'art Fred Licht, "le sourire morbide sur son visage indique certainement une sorte d'obsession sexuelle".
Les deux femmes seraient des prostituées.
Il était crument dépassionné et réaliste lorsqu'il dépeignait les gens tels qu'ils sont réellement. En revanche, lorsqu'il dépeint des scènes sexuelles, il le fait souvent de manière coquette et réservée.

Pèlerinage à la fontaine de San Isidro.

Cette peinture d'un groupe de pèlerins est l'une des plus lumineuses des "peintures noires".
Ce tableau, qui présente également des similitudes avec le Pèlerinage à la fontaine de San Isidro, se caractérise par la présence d'un plus grand nombre de religieuses au premier plan.
Par ailleurs, le nom "San Isidro" serait étroitement lié à l'espagnol "Quinta del Sordo", dont la prononciation est assez proche de celle de la "Maison des sourds", la maison dans laquelle ont été peintes les "peintures noires".

Leocadia.

Cette peinture représente une femme nommée Leocadia Weiss, qui était la servante, l'amie et (probablement) l'amante de Goya.
Elle est vêtue de vêtements sombres, comme une maja funéraire, et est appuyée contre ce qui semble être une cheminée ou un tombeau, jetant un regard triste.
Leocadia est la dernière des "peintures noires".
L'artiste Juan José Junquera a écrit que l'œuvre est la personnification de la mélancolie, ou de la relation entre le peintre et le modèle, et qu'elle est un "symbole des flammes de l'amour et de la domesticité et de la perspective de la mort à venir".

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