Georgia O'Keefe, plus connue pour ses peintures florales, ses peintures de la ville de New York et ses paysages de montagne du Nouveau-Mexique, était une artiste américaine active du XXe siècle.
Au début du XXe siècle, O'Keefe était à l'avant-garde du modernisme américain en tant qu'artiste féminine, une rareté à l'époque, et a été décrite comme une figure de proue du mouvement.
Elle est connue pour ses peintures de fleurs, dans lesquelles les fleurs colorées sont agrandies pour créer une apparence d'abstraction, et ses paysages du Nouveau-Mexique, qu'elle a travaillés dans ses dernières années.
Dans ce numéro, nous nous penchons sur la vie d'O'Keeffe et sur l'influence majeure qu'elle a exercée sur l'art contemporain.
Red Canna", 1924.
Informations de base sur Georgia O'Keeffe
Née : 15 novembre 1887 - 6 mars 1986 (décédée à l'âge de 98 ans)
Date de naissance : Wisconsin, États-Unis
Mouvements artistiques : modernisme américain, précisionnisme
Formation : école d'art affiliée à l'Art Institute of Chicago, Art Students League of New York, Columbia University
Personnes liées : mari, Alfred Stieglitz, photographe et marchand d'art américain de premier plan
Début de la vie de Georgia O'Keeffe
Georgia O'Keeffe est née en 1887 dans une famille de fermiers à Sun Prairie, une ville proche du lac Michigan, l'un des grands lacs des États-Unis.
La famille O'Keefe comptait sept frères et sœurs, Georgia étant le deuxième enfant de la famille.
O'Keeffe est connu pour avoir fait preuve d'un talent artistique extrêmement précoce et a décidé de devenir peintre dès l'âge de 10 ans. Avec ses sœurs Ida et Anita, il commence à étudier avec une aquarelliste locale, Sarah Mann.
Inscription à l'Art Institute of Chicago et à l'Art Students League
En 1905, à l'âge de huit ans, elle s'inscrit à l'Art Institute of Chicago. Il y est régulièrement classé parmi les premiers de sa classe.
La fièvre typhoïde l'oblige à prendre un congé en 1906-7, et en 1907 il s'inscrit à l'Art Students League à Manhattan, New York.
En 1908, il remporte le prix de la nature morte de l'Art Students League pour son tableau Dead Rabbit with a Copper Pot.
En récompense de ce prix, elle voyage à New York et visite notamment la galerie d'art "291", dont son futur mari Alfred Stieglitz est copropriétaire.
Lapin mort et pot de cuivre, 1908.
Devenue illustratrice, puis professeur d'art
Lorsque les malheurs commerciaux et de santé de ses parents ne lui permettent plus de poursuivre ses études à l'université des arts, O'Keeffe quitte l'école en 1908 et commence à travailler en tant qu'illustrateur professionnel.
Il travaille jusqu'en 1910, après quoi il déménage avec sa famille à Charlottesville, en Virginie, la même année, bien qu'il ait contracté la rougeole et d'autres maladies.
À cette époque, il cesse de peindre à l'huile pendant environ quatre ans et on dit plus tard que l'odeur de l'huile de térébenthine le rendait malade.
C'est à cette époque qu'O'Keeffe participe à une école d'été pour les cours d'art à l'université de Virginie, où il découvre le style d'un peintre appelé Arthur Wesley Dow et est frappé par sa fraîcheur.
Son style est très orienté vers le design, influencé par l'art japonais qui domine le monde artistique parisien de l'époque, et O'Keeffe commence à expérimenter des compositions plus bidimensionnelles plutôt que le réalisme traditionnel de ses premières œuvres.
Entre 1912 et 1914, il donne des cours d'art et travaille comme enseignant à Amarillo, au Texas.
Sans titre (Rotonde de l'université de Virginie), 1912 - 1914.
Dessins abstraits de la période Columbia
En 1915, O'Keeffe donne un cours d'art à l'université de Columbia.
Les dessins au fusain qu'elle réalise à cette époque donnent forme à ses propres sentiments intérieurs et commencent à montrer son expression créative.
Les dessins sont envoyés à un ami d'O'Keeffe et finissent par attirer l'attention de Stieglitz à la 291 Gallery.
Il loue le travail d'O'Keeffe comme "la chose la plus pure, la plus belle et la plus sincère que j'ai vue à la galerie 291 depuis un certain temps" et en avril 1916, dix dessins d'O'Keeffe sont exposés à la galerie 291.
Dessin 13, 1915, dans la collection du Metropolitan Museum of Art.
L'originalité d'être à la fois une peinture abstraite et un paysage
Après avoir terminé son travail à Columbia, il s'installe au Texas.
O'Keeffe aime les couchers de soleil et les aubes et commence à peindre les paysages qu'il voit au cours de ses promenades. C'est la série des peintures de Palo Duro Canyon. Des contrastes dramatiques sont créés lorsque le soleil se lève et se couche.
Les couleurs du paysage dans l'obscurité et la lumière éclatante du soleil sont exprimées en couleurs brillantes dans cette série d'œuvres excellentes.
O'Keeffe ne faisait pas beaucoup d'esquisses avant de commencer à peindre les tableaux. Il s'intéressait plutôt à l'improvisation de son travail au fur et à mesure qu'il peignait.
Paysage rouge, 1916 -1917, Panhandle Historical Museum.
L'originalité de son œuvre réside dans le fait qu'elle est "à la fois une abstraction et un paysage".
À partir de sa série de peintures à Palo Duro Canyon, O'Keeffe explore la manière dont elle peut exprimer son côté émotionnel à travers la simplicité de ses paysages.
Lorsqu'elle peint la série d'aquarelles intitulée Light Rising on the Horizon, elle est convaincue d'avoir atteint l'expression la plus simple de ce qu'elle voulait exprimer.
Cette fusion de l'abstraction et de la figuration est devenue le trait le plus distinctif d'O'Keeffe, mais sa relation croissante avec Stieglitz l'a encouragée à cesser d'utiliser l'aquarelle.
En effet, le monde de l'art de l'époque pensait que l'aquarelle était réservée aux peintres amateurs.
Dès lors, O'Keeffe commence à réaliser des tableaux à la peinture à l'huile.
Lumière se levant à l'horizon, 1917.
Les années Stieglitz à New York
En 1918, Stieglitz, qui a 24 ans de plus qu'O'Keeffe, lui offre un soutien financier et une place à New York.
O'Keeffe noue peu à peu des relations avec Stieglitz, qui commence également à fréquenter divers peintres et photographes de son entourage.
Parmi eux, le photographe Paul Strand, qui, avec les propres photographies de Stieglitz, est considéré comme ayant eu une influence majeure sur O'Keeffe.
Paul Strand, Wall Street, 1915.
Alfred Stieglitz, Steering, 1907, The Metropolitan Museum of Art.
Peintures abstraites simples sur le thème de la nature.
À cette époque, O'Keeffe commence à réaliser des peintures avec des motifs tels que des fleurs, des feuilles et des rochers, qui peuvent être considérés comme des formes géométriques.
Green Apples, peint en 1922, est l'une de ses œuvres les plus représentatives.
À l'époque où il a peint cette œuvre, O'Keeffe a déclaré.
Ce n'est que par la sélection, l'élimination et l'accentuation que nous parvenons à la véritable signification des choses".
Une autre œuvre représentative est Music in Blue and Green, dans laquelle les motifs naturels sont réduits à des éléments géométriques.
Musique en bleu et vert, 1921.
La période des peintures de fleurs éponymes d'O'Keeffe
Au cours de sa vie, O'Keeffe a peint environ 200 "peintures de fleurs", qui sont devenues son chef-d'œuvre.
Dans ces tableaux, l'intérieur des fleurs, à l'origine petites, est représenté à une échelle qui dépasse l'immense surface de la toile, comme s'il était vu à travers une lentille grossissante.
Les séries Onigeshi et Red Canna illustrent bien cette caractéristique.
Avec leur couleur rouge sang, ces œuvres impressionnent immédiatement le spectateur, donnant aux fleurs un sens de la vie et même une sorte de peur de la vie qui est plus qu'une simple beauté.
Canna rouge, 1928.
Canna rouge, 1927.
Féminité et particularité dans les peintures d'O'Keeffe
Paul Rosenfeld a déclaré en 1922 que "l'œuvre d'O'Keeffe est imprégnée de féminité".
Les couleurs et les formes de ses peintures, en particulier celles des fleurs, rappellent les organes génitaux féminins.
L'idée que les peintures d'O'Keeffe sont des métaphores de la féminité est de plus en plus répandue, mais O'Keeffe elle-même a toujours rejeté de telles connotations.
Toutefois, si l'on met de côté le débat sur la signification de l'œuvre, la valeur de l'œuvre d'O'Keeffe continue de monter en flèche.
En novembre 2014, Jimson Weed No. 1 a été vendu pour 44 millions de dollars (environ 4,66 milliards de dollars au taux de change de l'époque).
Ce prix était plus de trois fois supérieur à celui des œuvres précédentes réalisées par des artistes féminines, ce qui témoigne de la grande notoriété d'O'Keeffe.
Jimson Weed, 1936.
Les gratte-ciel new-yorkais d'O'Keeffe.
En 1925, O'Keeffe s'installe dans un appartement au 30e étage de l'hôtel Shelton à Manhattan, New York, et commence à peindre des gratte-ciel et des motifs de gratte-ciel.
Radiator Building est peut-être le plus révélateur de ses tableaux, car il dévoile la technique de peinture d'O'Keeffe et la géométrie de la simplification.
L'hôtel Shelton illuminé et l'autoroute qui traverse l'espace entre les bâtiments créent une atmosphère magique.
Bien que l'utilisation unique de couleurs vives par O'Keeffe soit toujours évidente, le nombre restreint de couleurs dans cette œuvre, qui convient à la scène nocturne, en fait une œuvre très populaire.
The Radiator Building, 1927.
Nouveau Mexique, une période de maturité dans un nouveau lieu.
En 1929, O'Keeffe et son amie Rebecca Strand se rendent à Taos, au Nouveau-Mexique, où elles trouvent une grande inspiration.
À Taos, elles séjournent chez Mabel Luhan, qui, à l'époque, soutient activement les femmes artistes.
O'Keeffe poursuit ses croquis et ses recherches dans le paysage de la montagne de Taos, qu'elle peut voir depuis la maison où elle séjourne, et dans la simplicité naturelle du paysage avec ses parois rocheuses rugueuses.
Peintures d'O'Keeffe représentant des os de bovins.
O'Keeffe commence alors à passer une partie de l'année au Nouveau-Mexique, collectionnant les os et les pierres qu'il trouve sur le bord de la route au cours de ses promenades et de ses entretiens.
Ces motifs ont donné naissance à une série de peintures d'os qui se concentrent sur le thème de la mort de la vie.
Ses promenades dans la nature se font au volant de sa Ford A préférée.
O'Keeffe aimait particulièrement la terre du Nouveau-Mexique, comme il l'a confié à un ami.
C'est un endroit vraiment magnifique, inexploré et quelque peu solitaire. C'est le genre d'endroit lointain qui vous donne l'impression de l'avoir déjà peint et de devoir le peindre à nouveau".
Des peintures représentant des crânes de vaches ont été réalisées à cette époque et à partir de la fin des années 1930.
De 1932 à la fin des années trente, son travail est interrompu par des problèmes psychologiques. Ceux-ci seraient dus à une liaison avec son mari Alfred.
Cependant, en 1936, elle reprend son travail, dont l'une des peintures les plus connues d'O'Keeffe, Summer Days (Jours d'été).
Dans cette œuvre, un crâne de vache flotte dans l'air, comme dans un surréalisme, surplombant une chaîne de montagnes et un horizon fait de terre rouge du Nouveau-Mexique.
La composition du tableau conserve une certaine nostalgie et une certaine joliesse, mais donne clairement un sens plus complet de la "mort" et de son "deuil" qu'à l'époque des peintures de fleurs.
Journée d'été, 1936.
Œuvre fournie à la Pineapple Company, Hawaï.
Lorsque N. W. Ayer & Son, sans doute la plus ancienne agence de publicité des États-Unis, demande à O'Keeffe de collaborer avec elle, il accepte sans hésiter.
Parmi les artistes ayant travaillé avec N. W. Ayer & Son dans le passé, on trouve Isamu Noguchi.
Le projet conduit O'Keeffe à Hawaï, où il passe neuf semaines sur les îles d'Oahu, Maui, Kauai et les principales îles hawaïennes.
À Maui, en particulier, il a bénéficié d'un temps totalement libre afin de pouvoir se concentrer pleinement sur ses recherches en vue de la production.
Sur la base de ces recherches, O'Keeffe a réalisé, après son retour à New York, 20 peintures de plantes sensuelles, dans un mouvement de va-et-vient.
Bourgeons d'ananas, 1939.
Expositions rétrospectives aux États-Unis
Dans les années 1940, des expositions rétrospectives sont organisées à l'Art Institute of Chicago et au Museum of Modern Art (MoMA) de New York.
Une exposition personnelle au Museum of Modern Art de New York en 1946 fait d'elle la première femme artiste à avoir une exposition personnelle au musée.
Peintures de terres noires et blanches.
À l'époque de la rétrospective, O'Keeffe commence la série Black Land and White Land.
La Terre noire, selon O'Keeffe, était "comme le dos d'un éléphant avec des kilomètres de dos d'éléphant et des semelles de sable blanc".
Dans les terres d'Abiquiú, au Nouveau-Mexique, le motif est celui des falaises blanches et abruptes.
Les peintures de cette période, que l'on pourrait qualifier de séries achromatiques noires, grises et blanches, sont plus abstraites.
Black Land II, 1942, Metropolitan Museum of Art.
Terre noire, grise et rose, 1949.
Terre blanche, 1941.
Les dernières années d'O'Keeffe
À la fin de sa vie, O'Keeffe peint des tableaux symboliques avec un motif d'échelle vers le ciel et des tableaux étranges et flottants qui semblent regarder les nuages d'en haut.
Ces peintures s'écartent de son style abstrait antérieur, qui restait fidèle à l'observation, et adoptent une approche compositionnelle qui laisse le spectateur libre de son imagination.
Même à l'approche de la fin de sa vie, O'Keeffe a continué à chercher de nouvelles méthodes de production, ce qui témoigne de son appétit insatiable pour de nouvelles façons de créer.
Échelle vers la lune, 1958.
Paysage au-dessus des nuages IV, 1965.
Dans les années 1960 et 1970, le Worcester Art Museum et le Whitney Museum of American Art ont également organisé des rétrospectives de l'œuvre d'O'Keeffe.
Le Whitney Museum of American Art publie également un catalogue de ses œuvres.
Dans les années 1970, et jusqu'à la fin de sa vie en 1984, O'Keeffe a continué à travailler au crayon, au fusain et à l'aquarelle.
La réputation d'O'Keeffe
Reconnaissance en tant que féministe
L'artiste Judy Chicago, qui a promu le mouvement féministe, a passé en revue l'histoire des femmes artistes dans son ouvrage The Dinner Party (1979), dans lequel elle met l'accent sur O'Keeffe en tant que "première personne à avoir introduit une iconographie sensuelle et féministe dans l'histoire de l'art". O'Keeffe elle-même n'était cependant pas féministe.
Cependant, O'Keeffe elle-même a évité d'être qualifiée de féministe, d'artiste promouvant cette notion ou d'"artiste féminine".
Elle préférait être appelée simplement "artiste".
La nature métaphorique des peintures de fleurs
Il a été souligné dès le départ que la série de peintures florales d'O'Keeffe symbolisait la vulve de l'appareil génital féminin.
Le marchand d'art Samuel Coutts a contesté la représentation sexuelle dans son œuvre.
Cependant, O'Keeffe a elle-même estimé qu'il n'y avait aucun lien entre ses peintures et cette représentation.
O'Keeffe a affirmé que "ceux qui lisent des thèmes érotiques dans mes peintures y lisent plutôt leurs propres désirs".
Artistes associés à Georgia O'Keeffe
Muriel Napoli
Nature 133 Par. Muriel Napoli
Mukhamadeyeva Zulfiya
Admiration par Mukhamadeyeva Zulfiya
Jooha Sim
Les coquelicots continuent de fleurir par Jooha Sim
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