La pensée artistique est un sujet brûlant dans le monde des affaires ces jours-ci. L'idée est d'utiliser le mode de pensée que les artistes utilisent pour créer leurs œuvres dans le monde des affaires, mais quels sont les antécédents et les motivations réels qui se cachent derrière le travail d'artistes de renom ?
Jetons un coup d'œil aux différentes façons de penser à l'art, qu'il s'agisse d'artistes connus ou de ceux dont le nom est rarement entendu au Japon mais qui sont très appréciés dans le monde entier, dans le contexte de leurs œuvres réelles !

Marcel Duchamp

La Fontaine
De Marcel Duchamp ( 1887 - 1968), reconnu comme le fondateur de l'"art moderne". Cette œuvre est reconnue comme un chef-d'œuvre de l'art brut.
En signant un urinoir magnétique pour homme "R. Mutt", il a affirmé que les produits prêts à l'emploi pouvaient également être qualifiés d'œuvres d'art. Bien qu'elle ait suscité beaucoup d'hostilité à l'époque, l'œuvre est aujourd'hui souvent considérée comme un point de départ de l'art contemporain, comme une œuvre monumentale qui remet en question le concept et le système même de l'art. On peut dire qu'elle exige une relecture du "concept d'art", qu'une œuvre d'art n'est pas une œuvre d'art parce qu'elle est à l'origine une peinture ou parce qu'elle est belle au sens traditionnel du terme.
On peut dire que la pensée artistique, telle qu'elle est vue ici, étend les possibilités des concepts existants en les reconstruisant. Cependant, elle s'accompagne inévitablement d'une évaluation du travail comme étant "inférieur", "sale" ou "décent" en termes de valeurs générales. Comment réagissez-vous à cela, ou plutôt que d'y répondre, faites-vous gémir les gens et dites "Hmmm, je vois" ? De tels jeux sont couramment pratiqués dans l'art contemporain, et en appliquant le cadre de cette discussion à votre propre domaine, vous serez peut-être en mesure de proposer quelque chose que vous n'avez jamais envisagé.
Il convient de noter que, bien que cette œuvre ait été historiquement considérée comme étant de Duchamp, la plupart des œuvres readymade de Duchamp sont, selon les recherches actuelles, de Elsa von Freytag-Loringhoven, une femme artiste et poète allemande d'avant-garde et dadaïste (Elsa von Freytag-Loringhoven ) aurait créé l'œuvre.

Donald Judd.

Sans titre.
Donald Judd ( 1928-1994) est célèbre en tant que représentant du mouvement artistique minimaliste qui a fleuri aux États-Unis au XXe siècle.
Il a produit un certain nombre d'œuvres intitulées Untitled, dans lesquelles des boîtes dépassent régulièrement du mur. Cette œuvre, qui semble n'être qu'une série de simples boîtes, repose sur un certain nombre de règles. Les boîtes sont fabriquées en alliage, les côtés sont peints avec la peinture laquée utilisée pour peindre les Harley Davidson, et les surfaces supérieure et inférieure sont des surfaces métalliques nues. En outre, les objets de la pièce eux-mêmes ont été produits en usine, car Judd n'aime pas les traces de travail à la main.
Ces règles ne sont pas inéluctables, mais par l'acte d'adhésion ascétique à certaines règles, Judd incarne le formalisme de l'art. Certains y ont trouvé une beauté visuelle, tandis que d'autres ont trouvé rafraîchissante la sensation minimaliste du processus susmentionné décrit en mots. En éliminant la quasi-totalité de l'ornementation et en la remplaçant par un minimum d'objets, une nouvelle redéfinition de l'"art/art" a été créée à partir des œuvres d'art précédentes qui avaient créé une certaine sensation "artistique" par l'utilisation de différentes couleurs et formes.
Cela peut être considéré comme un exemple de la manière dont un travail négatif peut en fait conduire à une nouvelle création.

Andy Warhol.

Les boîtes de soupe Campbell
Andy Warhol, le célèbre maître du pop art, a créé cette œuvre entre 1961 et 1962. Réalisée à l'aide d'une technique d'impression connue sous le nom de sérigraphie, l'œuvre consiste en une série de 32 boîtes de soupe à la tomate Campbell's (un produit alimentaire commercial populaire à l'époque) en apparence identiques sur toile. Avec cette approche, Warhol a fait une déclaration cinglante sur la culture populaire et la société de consommation de masse des États-Unis de l'époque. Il n'a pas forcément voulu critiquer la société. Dans l'histoire de l'art, les réalisations de Warhol sont souvent attribuées à la valeur artistique de la gravure et à la popularisation de l'art, mais une motivation plus personnelle - "Je veux être une pop star" - est peut-être plus importante. Il n'est pas exagéré de dire que la base de la compréhension commune selon laquelle les "artistes contemporains célèbres" sont aussi des stars, même s'ils ne sont pas membres de groupes de rock ou acteurs, est née de la popularité explosive de Warhol.

Christo & Jeanne-Claude.

Le Reichstag bondé｜1995 Photographie : Reinhard Krause/Reuters
Le couple est célèbre pour ses projets artistiques à grande échelle, que l'on pourrait décrire comme de l '"art de l'emballage " - une idée qui a vu le jour en 1958 avec l'emballage d'objets quotidiens et qui s'est progressivement étendue à d'immenses bâtiments (le Reichstag à Berlin, en Allemagne), à la nature et à des paysages entiers de parcs. L'idée a été introduite dans le cadre du "land art". L'artiste est souvent présenté dans le cadre du "Land Art", mais il le nie. Le couple, qui dit que son travail "apparaît comme un rêve, disparaît comme un rêve et ne reste que dans le public", ne laisse jamais intactes ses structures emballées et son travail ne peut être vu qu'à travers la photographie documentaire. Les coûts énormes de chaque projet ont été couverts par la vente d'œuvres d'art originales de Christo, notamment des dessins et des collages qui anticipaient la réalisation du projet, sans aucun soutien de la part des musées, du gouvernement ou des entreprises. Après la mort du couple, la Fondation, qui avait succédé à leurs souhaits, a réalisé l'emballage de l'Arc de Triomphe à Paris, attirant une grande attention.
Le projet a été contesté à plusieurs reprises par des résidents locaux et d'autres personnes qui ont demandé : "Est-ce de l'art ?". La réalisation de chaque projet a pris plusieurs années ou décennies à partir de sa conception dans les années 1960.

Pierre Huyg.

Après la vie en avant
Les œuvres de Pierre Huigues ( 1962 - ) présentent une vision du monde qui s'apparente à la science-fiction. Mais si la science-fiction est aussi de la science-fiction, elle est aussi conçue comme de la fiction spéculative. Les œuvres se comportent comme des formes de vie intelligentes qui apprennent, s'autocorrigent et évoluent. En faisant appel à diverses disciplines et à l'ingénierie, et pas seulement à l'art, un "environnement" que personne n'a jamais vu auparavant est présenté comme de l'art.
La pensée artistique que l'on observe ici ne se limite plus aux jeux de mots tels que l'analyse et la redéfinition des concepts existants. Il s'agit plutôt d'une œuvre qui nous rappelle que notre monde est entouré de choses non humaines et que ces "choses non humaines" sont créées à l'aide d'une série de recherches et de compétences contemporaines.

Marina Abramovic.

Rythme 0》.
Connue pour son art performatif radical, Marina Abramović ( 1946- ) a présenté une pièce de performance intitulée 《Rhythm 0》 dans une galerie de New York en 1974. L'artiste elle-même a joué un rôle totalement passif, et sur un bureau à côté d'elle se trouvaient 72 objets divers avec la condition que "le spectateur est libre d'utiliser ces outils contre l'artiste", qui pendant six heures a agi comme un objet objectif dans l'espace. Au début, les visiteurs offraient des roses à Abramović, par exemple. Cependant, des outils dangereux tels que des ciseaux, des couteaux, un pistolet et une balle ont également été placés, et la performance, qui s'est progressivement intensifiée, s'est terminée lorsqu'un visiteur a atteint le point extrême de pointer un pistolet rempli sur un artiste désarmé.
Dans cette exposition aux allures d'expérience sociale, l'artiste dit avoir "voulu tester dans quelle mesure les êtres humains peuvent être brutaux dans un espace sans conséquences sociales".
Son travail comporte un fort élément social et politique au sein de l'art performatif, et cet élément, qui semble radical à certains égards, n'est pas radical pour le plaisir de l'être, mais était une stratégie nécessaire pour déchirer la nature humaine.

Olafur Eliasson.

Le projet météo
Olafur Eliasson ( 1967 - ) est un artiste qui crée souvent des installations spécifiques à un site. Il s'intéresse beaucoup aux phénomènes naturels et à l'architecture, et utilise parfois des machines et d'autres objets pour créer des espaces qui évoquent des phénomènes naturels, dans le but de bouleverser la vision et la perception du spectateur. Dans cette œuvre, une énorme source de lumière orange, comme un coucher de soleil, est recréée dans le musée.
La nature rude de son pays natal, l'Islande, a une influence majeure sur son art. On y retrouve le fonctionnement beau et spectaculaire de la terre - glaciers, coupes transversales continentales et mers froides - mais c'est aussi une région où les effets du réchauffement climatique sont de plus en plus prononcés. Eliasson relie la pensée artistique à la société en ce sens qu'il soulève des questions d'une manière que seul l'art peut le faire grâce à ses œuvres qui recréent des phénomènes de lumière et d'eau.

Hito Steyer.

Factory of the Sun｜2015, avec l'aimable autorisation de la galerie Andrew Kreps, New York.
Hito Steyer est un cinéaste et un artiste dont le travail est novateur dans le domaine de l'essai-documentaire. Il s'intéresse à la technologie, à la circulation mondiale des images et, en particulier, à l'impact des images sur la société. Connue principalement pour ses œuvres vidéo, elle est une artiste acclamée qui repousse les limites du cinéma et traite de questions contemporaines conceptuelles mais importantes.
Dans son travail, il mêle fiction et réalité, infographie et séquences documentaires. Des thèmes tels que le militarisme, la montée des sociétés de surveillance et les économies alternatives sont des questions contemporaines que tous peuvent considérer comme les leurs. Cependant, il est présenté avec une combinaison de pop et d'humour, sans finir par être rigide et prêcheur.
Peu importe la lourdeur du sujet, l'art doit avoir une certaine légèreté. Une telle légèreté de perspective et un tel brassage de compétences devraient être soutenus par un esprit critique qui vous servira dans d'autres domaines.

Mark Bradford.

BLACK VENUS, 2005 © Mark Bradford (avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Hauser & Wirth) photo : Bruce White
Mark Bradford est un artiste contemporain qui travaille principalement dans la peinture abstraite. Il est connu pour ses œuvres à grande échelle, en forme de grille, qui combinent peinture et collage et se caractérisent par l'incorporation d'objets quotidiens tels que des restes d'affiches et des cartes de visite. Dans son travail, Bradford explore les questions sociales et politiques telles que la marginalisation des communautés et des groupes vulnérables par ceux qui détiennent le pouvoir. Il décrit son style comme une "abstraction sociale".
Comment peut-il trancher dans la société contemporaine tout en adhérant aux formes traditionnelles de la peinture ? Ce défi s'inscrit dans un cadre de pensée commun aux hommes d'affaires contemporains, qui utilisent leurs propres forces pour développer leur réflexion tout en intégrant l'environnement qui les entoure.

Banksy.

Banksy, un artiste de rue devenu très populaire au Japon ces dernières années, a pour habitude d'écrire des messages à la société sur les murs des villes avec des illustrations et des textes saisissants. Cette technique, connue sous le nom de pochoir, consiste à fabriquer à l'avance un moule percé de trous correspondant à la forme que vous souhaitez dessiner, à le tenir contre le mur et à le pulvériser, ce qui vous permet de laisser rapidement un graffiti avant que la police ne le trouve. S'il ose utiliser une méthode souvent classée comme illégale plutôt qu'artistique, c'est parce que les personnes à qui il veut transmettre son message, et de la manière dont il veut le transmettre, c'est nous, les gens qui marchent dans la rue.
Vous pouvez créer votre propre "bonne" façon de faire les choses en impliquant les personnes qui vous entourent, même s'il s'agit d'une façon de faire apparemment très critiquée. C'est une sorte de méthodologie dangereuse, mais nous pouvons en tirer de nombreux enseignements, même si ce n'est que partiellement.