Post-impressionnisme, cubisme et symbolisme

La seconde moitié de la période que l'on qualifie d'art moderne, le post-impressionnisme le cubisme, le cubisme et le symbolisme sont apparus.

Le post-impressionnisme

Le post-impressionnisme est représenté par des peintres tels que Van Gogh et Gauguin, qui utilisent le pouvoir expressif unique de la couleur elle-même.

Van Gogh et Gauguin en particulier ont influencé des mouvements artistiques ultérieurs tels que le fauvisme, l'expressionnisme, l'art abstrait et le primitivisme.

Vincent van Gogh, Nuit étoilée au clair de lune, 1889, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Fauvisme.

Début du 20e siècle, Henri Matisse Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et d'autres ont révolutionné le monde de l'art à Paris.

Ils sont connus sous le nom de Fauvisme (Fauvisme), qui considéraient la couleur comme une force expressive autonome. Ils considéraient la couleur comme particulièrement importante pour exprimer les sentiments et les sensations intérieures de l'être humain et étudiaient les mondes autonomes créés par la couleur elle-même.

Henri Matisse, Danse (I), 1909, Musée d'art moderne (MoMA), New York.

La Danse ( I ) d'Henri Matisse est une œuvre particulièrement importante à la fois pour la carrière artistique de Matisse et pour le développement de la peinture moderne.

L'œuvre est censée refléter l'impulsion artistique de l'humanité primitive latente dans l'art primitif.

Dans le tableau, les figures humaines sont dans des couleurs chaudes qui contrastent avec le fond froid bleu-vert, et les femmes nues dansent en rythme, se tenant par la main dans un cercle. Cette peinture semble transmettre un sentiment de liberté de sentiments et d'hédonisme, sans aucune contrainte.

Le cubisme.

La troisième tendance est le cubisme.

En termes d'histoire de l'art, le cubisme met l'accent sur la composition intellectuelle et la forme plutôt que sur les impressions sensuelles et changeantes. Paul Cézanne. La théorie de l'expression de Paul Cézanne.

L'influence de Cézanne est forte dans l'œuvre de Pablo Picasso. Pablo Picasso. Picasso voyait les formes naturelles comme une accumulation de cubes, de sphères et de cônes, qu'il empilait pour "composer" plutôt que reproduire le sujet, en s'inspirant de la méthode de Cézanne. Le cubisme peinture.

Le tableau de 1907 Les filles d'Avignonde 1907 est l'une des œuvres les plus représentatives du cubisme. Il s'agit d'une révolution radicale contre la tradition picturale occidentale, qui introduit des techniques d'art primitif et une composition spatiale plane non limitée par la perspective conventionnelle.

Paul Cézanne, Montagne Saint-Victoire, 1904, musée d'Orsay.

Pablo Picasso, Les filles d'Avignon, 1907, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Le symbolisme

Ce dernier est né au XIXe siècle en réaction contre le réalisme, qui suivait le monde visible, et l'impressionnisme, qui en était le prolongement, Le symbolisme Le symbolisme est une réaction contre le réalisme et l'impressionnisme de Van Gogh.

Le symbolisme est un style artistique qui est apparu presque en parallèle avec le mouvement impressionniste tardif de Van Gogh, Gauguin et Cézanne.

En réaction à l'impressionnisme, les peintres symbolistes ont eu tendance à mettre l'accent sur la composition intellectuelle et la forme plutôt que sur les impressions sensuelles et changeantes de leur propre monde intérieur.

Le symbolisme est présent dans toute l'Europe, aux États-Unis et en Russie, Gustave Moreau. Odilon Redon et les préraphaélites britanniques ,, Gustav Klimt ,, Arnold Becklin ,, Edvard Munch et Edvard Munch figurent parmi les principaux peintres.

En termes d'influence sur les générations suivantes, le symbolisme est représenté, entre autres, par Vassily Kandinsky et Piet Mondrian ,, Avant-garde russe (mouvement artistique) ,, Surréalisme(mouvement artistique).

Odilon Redon, Cyclope (1898 - 1914), œuvre majeure du symbolisme, Musée Kröller-Müller.

Œuvre phare du surréalisme, Salvador Dalí, La fixation de la mémoire, 1931, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Autres mouvements artistiques

Outre les mouvements artistiques mentionnés ci-dessus, il existe également des courants connus sous le nom de "primitivisme" et d'"art naïf".

L'école naïve est un ensemble d'œuvres produites par des artistes qui n'ont pas reçu d'éducation artistique formelle et qui sont autodidactes, ce qui leur permet de se distinguer par leur simplicité et leur originalité.

Le peintre du dimanche Henri Rousseau est un artiste représentatif.

Dans la plupart des cas, les artistes de l'art naïf étaient des autodidactes en matière de technique et de composition, et travaillaient pour leur plaisir personnel tout en gagnant leur vie dans d'autres professions.

Ainsi, bien qu'il ne soit pas précisément défini comme une catégorie de mouvement artistique, ce courant spontané (tel qu'il a été catégorisé par les historiens de l'art à une date ultérieure plutôt qu'en fonction des intentions de l'artiste) est distingué par commodité par le terme "˜school'" par opposition à "˜ism'".

Henri Rousseau, Enfant à la poupée, 1908

Résumé des mouvements artistiques qui ont constitué l'art moderne

Revenons une nouvelle fois sur les mouvements artistiques qui ont façonné l'art moderne.

Première moitié de l'art moderne :

Romantisme, Réalisme, Impressionnisme

Deuxième moitié de l'art moderne :

Post-impressionnisme, cubisme, fauvisme, symbolisme, rusticisme.

Ceux-ci ont conduit à des mouvements artistiques ultérieurs. Bien que les avis divergent même parmi les experts, l'impressionnisme est devenu la source de l'expressionnisme abstrait, qui a été suivi par le post-impressionnisme et un mélange de la Sécession viennoise et de l'Art nouveau, qui ne sont pas présentés ici, puis par l'expressionnisme allemand, et ainsi de suite, et la création et la disparition de mouvements artistiques. Aucun mouvement artistique ne reste ininterrompu pendant des siècles, car la vie des artistes est limitée, mais il continue d'influencer les artistes contemporains, les critiques et les historiens de l'art en étant découvert ou, au contraire, en devenant si omniprésent qu'il passe inaperçu.

Annexe : la veille de la naissance de l'art moderne

On distingue l'art moderne de l'art contemporain. Toutefois, si l'on considère l'ampleur de l'influence de l'art moderne, on peut dire que, dans un certain sens, l 'art moderne s'est poursuivi jusqu'au XXIe siècle. Comme nous l'avons brièvement mentionné au début de cet article, examinons de plus près la manière dont l'art "moderne" a été créé par rapport à la période pré-moderne.

La révolution industrielle

La naissance de l'art moderne remonte à la révolution industrielle des XVIIIe et XIXe siècles, qui a entraîné des innovations technologiques majeures en matière de production et de transport en Europe occidentale et en Amérique du Nord, et a révolutionné les structures économiques, sociales et culturelles.

Au cours de cette période, une nouvelle forme de transport, la machine à vapeur, a changé la façon dont les gens vivaient et travaillaient. Elle donne naissance aux voyages, qui facilitent les déplacements à l'étranger, en particulier dans l'Europe enclavée, élargissant le monde des citadins et accélérant les échanges économiques, culturels et idéologiques. Avec la prospérité des centres urbains, les travailleurs ont afflué vers les villes pour travailler dans des entreprises à forte intensité industrielle et la population urbaine s'est rapidement accrue. Si le capitalisme s'est fortement développé grâce aux progrès scientifiques et technologiques et à la révolution industrielle, on peut dire qu'il a conduit à un déclin de la foi et à l'affaiblissement progressif et à la sécularisation de l'autorité sociale chrétienne.

Ouverture du chemin de fer de Stockton et Darlington, 1825.

L'évolution des conceptions esthétiques face aux changements sociaux

L'évolution de l'expression artistique occidentale est également étroitement liée à ces changements sociaux. Parallèlement à la promotion de la mobilité physique par le chemin de fer, mentionnée ci-dessus, l'art a évolué vers l'individualisme et est passé des valeurs traditionnelles, qui considéraient la beauté idéale classique comme une norme absolue, aux valeurs modernes, qui relativisaient la beauté en la considérant comme subjective.

Dans son texte "Sur les variétés de la beauté" (1857), le peintre romantique Delacroix affirme que la beauté ne se trouve pas seulement dans la Grèce antique, mais que des époques et des régions différentes ont des beautés différentes, et que les grands poètes et artistes créent de la beauté en raison de leur individualité et de leur singularité. Ce changement dans la définition de la beauté constitue une rupture fondamentale avec la vision pré-moderne de l'art.

Dans l'art contemporain du 21e siècle et dans ce que l'on appelle le monde de l'art, il existe toujours un marché de l'art contemporain influencé par la culture populaire, et une compréhension fondamentale des concepts esthétiques relatifs a été transmise jusqu'à aujourd'hui.

Systèmes d'évaluation des valeurs esthétiques

Il ne faut pas oublier qu'un changement dans les valeurs artistiques s'est produit au niveau de la réception des œuvres d'art : à partir de la fin du XIXe siècle, la classification des valeurs esthétiques est passée du système traditionnel "académique" au "système critique". Pour les besoins de ce commentaire, revenons sur la formation de l'individualisme moderne.

Avant l'ère moderne, les artistes produisaient généralement des œuvres sur commande de riches mécènes privés et d'églises. La plupart de ces œuvres d'art appartenaient à un genre connu sous le nom de peinture d'histoire, qui dépeignait des scènes bibliques ou mythologiques et en enseignait le contenu au spectateur.

À l'époque moderne, avec le développement du capitalisme et de la classe moyenne, les citoyens de la classe moyenne, plutôt que la royauté, l'aristocratie et les pouvoirs religieux, ont commencé à devenir le nouveau public réceptif de la peinture. Ce changement de public a eu un impact majeur sur l'œuvre d'art elle-même, avec une augmentation marquée de la production de paysages et de peintures de genre accessibles, qui ont remplacé l'histoire, le portrait et la peinture religieuse.

De ce fait, les artistes ont moins besoin de réussir dans le milieu académique. Courbet, Manet et les peintres impressionnistes ont pris leurs distances avec le système académique français et ont réussi à se faire accepter par les classes moyennes, en particulier aux États-Unis, par l'intermédiaire des marchands d'art. Le système d'évaluation des valeurs esthétiques passe alors de l'académisme aux acteurs de la critique et des marchands d'art : ce "système critique", qui émerge à la fin du XIXe siècle, constitue un nouveau cadre pour la réception de la peinture et fonctionne encore aujourd'hui de manière robuste dans le monde de l'art.

Kahnweiler (Daniel Henry Kahnweiler, 1884 - 1979), éminent marchand d'art cubiste, dont Pablo Picasso et Georges Braque, est considéré comme un galeriste pionnier de l'art contemporain et a créé un nouveau système de marché de l'art.

Le casque de Crosby Garrett vendu aux enchères chez Christie's, à Londres, le 7 octobre 2010.

L'art populaire

Le XIXe siècle se caractérise également par le développement d'arts populaires tels que la gravure, les arts décoratifs et le graphisme, par opposition aux beaux-arts traditionnels que sont la peinture, la sculpture et l'architecture, Lautrec. Alphonse Mucha et d'autres illustrateurs populaires.

Henri de Toulouse-Lautrec Moulin Rouge, La Goulue, 1891

Alphonse Mucha F. Champenois Imprimeur-Éditeur, 1897, Lithographie

Avec le développement de la classe moyenne, les papiers peints, les meubles, les illustrations et les reliures de livres, les vitraux et les tapisseries, les mosaïques et l'industrie de la céramique ont connu un essor considérable. Un art décoratif très artistique, qui s'écarte de la simple décoration, s'est répandu en Europe. Les préraphaélites et le mouvement Arts and Crafts de William Morris en sont de parfaits exemples ; l'Art nouveau, qui s'est popularisé à la fin du 19e siècle, peut être considéré comme l'apogée du mouvement des arts décoratifs du 19e siècle.

Tapisserie de William Morris, 1885.

L'essor de l'art populaire au XIXe siècle se retrouve aujourd'hui au XXIe siècle dans la mesure où l'art de la rue, qui fait appel à des techniques telles que les bombes aérosols sur les murs des villes, les autocollants, les pochoirs et la falsification des panneaux de signalisation, commence à être commercialisé au même titre que les œuvres d'art.

Rat anarchiste deBanksy , pris par Shermozle

Le nouveau support de la photographie

De nouveaux supports sont apparus, qui peuvent être considérés comme des œuvres d'art au même titre que la peinture.

La photographie en est un exemple typique : depuis l'invention du daguerréotype, la première méthode de photographie, en 1839, l'art de la photographie s'est amélioré et a acquis la capacité de représenter le réalisme, menaçant ainsi le statut de la peinture réaliste.

Les peintres ont donc dû trouver d'autres méthodes d'expression que la photographie, et l'impressionnisme et le romantisme se sont développés, reproduisant ce que le peintre ressentait subjectivement, plutôt que de reproduire la réalité telle qu'elle était.

D'autre part, la photographie a également Alfred Stieglitz. et d'autres ont commencé à s'éloigner de la reproduction de la réalité telle qu'elle est et à devenir un "art" comme la peinture.

L'avènement de l'image en mouvement (1859) a également eu un impact majeur sur la peinture. On peut dire que l'invention de l'image en mouvement a rendu la représentation narrative en peinture moins importante et a motivé les artistes à rechercher des caractéristiques propres à la peinture.

Alfred Stieglitz, Mlle S.R., 1905.

Le contact avec d'autres cultures - l'ère des expositions universelles

La transformation de l'art du XIXe siècle au contact d'autres cultures, comme l'orientalisme, le japonisme et le primitivisme, ne doit pas être oubliée : il n'est pas exagéré de dire que le XIXe siècle a été l'ère des expositions universelles.

Cette question est étroitement liée à la colonisation croissante des puissances occidentales au XIXe siècle. Les ambitions territoriales des puissances occidentales d'étendre leur influence sur le monde ont rapidement réduit la distance entre l'Occident et le monde extérieur, ce qui a entraîné l'importation d'un large éventail de cultures et d'œuvres d'art en Europe.

C'est ainsi que sont nées les expositions universelles. En particulier, les Expositions universelles de Paris, organisées à cinq reprises entre 1855 et 1900, ont eu un impact majeur sur les artistes. D'ailleurs, le Japonisme ne s'est réellement imposé dans l'art occidental qu'en 1867, lorsque le Japon a officiellement participé à l'Exposition universelle de Paris pour la première fois.

Exposition universelle de Paris de 1900

L'art brut

Aujourd'hui. L'art brut s'inscrit dans la lignée de l'école rustique et du primitivisme en vogue au début du 20e siècle. Les historiens de l'art ont tendance à hésiter à contextualiser les artistes qui entrent dans cette catégorie parce qu'ils sont particuliers et n'ont pas conscience de travailler dans le courant de l'art brut, mais leur originalité et leur innovation méritent d'être soulignées. Et aussi.., Henry Darger. et d'autres, font souvent l'objet d'une réflexion intéressante dans la perspective psychanalytique développée au 20e siècle, car ces artistes étaient souvent des malades mentaux ou des inadaptés sociaux graves.

Henry Darger |Dans le domaine de l'irréel

Activisme social.

Toute activité ayant un message ou une agression sociale ou politique, Le vandalisme et Artivisme Le vandalisme et l'artivisme sont des formes d'expression artistique qui sont souvent désignées par le terme "artivisme".

Les experts sont divisés sur la question de savoir s'ils sont inclus dans la catégorie de l'art. En particulier, le vandalisme artistique fait référence aux actes de vandalisme, aux graffitis et aux dommages causés "aux œuvres d'art", qui peuvent être perçus très différemment selon le point de vue de l'observateur.

Giving to the Poor, un pochoir de l'artiste de rue américain Above traitant de la question des sans-abri, Lisbonne, Portugal, 2008. par Hdepot - Propre travail, CC BY-SA 3 .0

Kant a dit un jour que "le modernisme critique de l'intérieur", mais ce qui pourrait venir avec l'avancée du vandalisme et de l'artivisme pourrait être "l'autodestruction de l'art moderne par l'art moderne". Cette autodestruction peut apparaître sous une forme différente en raison de l'amplification des disparités économiques associées à la société capitaliste et des luttes idéologiques liées aux questions environnementales. Dans ce cas, ce n'est pas nécessairement l'art moderne lui-même qui est détruit, mais des individus qui affirment que d'autres problèmes sont exacerbés par ses effets. -En 2022, des militants écologistes réalisent des performances simultanées dans des musées du monde entier, en jetant des boîtes de tomates sur des tableaux historiquement célèbres.

Militants écologistes jetant de la soupe à la tomate sur Van Gogh, Tournesols, à la National Gallery, Londres, octobre 2022.

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