Chroma Distance, une exposition de 12 artistes émergents, sera présentée du 20 janvier au 5 février 2023.
L'exposition est organisée conjointement par POLA ORBIS HOLDINGS INC. et TRiCERA Corporation et se tiendra au POLA MUSEUM ANNEX (Ginza, Chuo-ku, Tokyo).

Distance chromatique

Les artistes exposants et les œuvres exposées diffèrent les uns des autres en termes de support, d'échelle et de concept, mais interagissent en même temps au sein d'une même communauté. Les œuvres présentent un large éventail de préoccupations conceptuelles, allant des représentations intimes de l'identité à la désintégration et à la génération, en passant par l'intersection des époques et l'urgence croissante de surmonter les événements tragiques du passé. Par le biais de techniques tant abstraites que figuratives, les artistes explorent le sens de l'espace et considèrent la forme et la texture comme la base de la forme.
L'exposition comprendra une quarantaine d'œuvres au total, dont de nouvelles œuvres de 12 artistes.

Aperçu de l'événement

Distance chromatique
Dates : 20 janvier (ven) - 5 février (dim), 2022 *Ouvert pendant toute la durée de l'exposition.
Heures d'ouverture : 11h00 - 19h00 (portes ouvertes jusqu'à 18h30)
Entrée libre
Lieu : POLA MUSEUM ANNEX
POLA Ginza Bldg. 3F, 1-7-7 Ginza, Chuo-ku, Tokyo 104-0061)
Accès : 6 minutes de marche depuis la station de métro Tokyo Ginza 1-chome (sortie 7) / la station de métro Tokyo Ginza (sortie A9).
Organisé par : POLA ORBIS HOLDINGS INC.
Co-organisé par : TRiCERA Co.

Artistes participants

1. Yuka Numata
Où se situe notre "réel" dans le monde de plus en plus numérisé d'aujourd'hui ?
Les supermarchés sont l'un des lieux où nous faisons l'expérience de la réalité dans notre vie quotidienne.
Les supermarchés sont les lieux où nous trouvons toutes les denrées alimentaires dont nous avons besoin dans notre vie quotidienne et où notre vie est soutenue.
Cette série d'emballages fait partie d'une série d'œuvres créées sur le thème d'un supermarché fictif, et se caractérise par l'utilisation de logiciels de retouche d'images tels que Photoshop pour créer des bugs et des désalignements dans les images d'emballages de produits.
En reconstruisant une situation qui ne pouvait se produire que sur un ordinateur à l'aide de méthodes analogiques et en la réinstallant dans le monde réel, nous pourrons peut-être rechercher notre propre "réalité".

Chou Taro, 2022, perles en plastique, panneau acrylique H465 × W700 × D10mm

2. saki matsumura
Lorsque l'on peint en combinant plusieurs techniques et couleurs, des heurts et des distorsions se produisent. Lorsque vous découvrez ces effets inattendus, vous vous rendez compte du type de sensations que vous avez habituellement, et cela élargit également votre imagination à de nouvelles sensations.
Nous croyons que l'imagination de l'invisible conduit à une façon toujours nouvelle de regarder et de se rapporter au monde qui nous entoure.

FORM-vortex 4, 2022, peinture acrylique, panneau de bois, tissu de coton H1621 × L1303 × P50mm

3. u-ku
Nous faisons inconsciemment l'expérience de "l'involontarité et des décisions", encore et encore. Lorsque U-ku a émigré à l'étranger alors qu'elle était enfant, elle a connu à la fois la solitude causée par les différences culturelles et linguistiques et la solitude émotionnelle dont elle a souffert en tant que "rapatriée" après son retour au pays. Les sensations similaires qu'il a ressenties à de nombreuses reprises par la suite se sont produites dans la condition d'être dans un groupe.
Le philosophe Kiyoshi Miki a également déclaré : "La solitude ne se trouve pas dans les montagnes, mais dans la ville. Elle ne se trouve pas dans une seule personne, mais dans l'"espace" entre plusieurs personnes". Cependant, j'ai pensé que cette solitude pouvait aussi être l'occasion de créer de nouveaux développements grâce à l'échange "d'involontarité et de détermination" qui ne se produit que dans les moments de solitude. Les taches et les formes involontaires créées par les couleurs des aquarelles sélectionnées par U-ku sont comparées à ses propres souvenirs et des motifs sont ajoutés à la fin. Lorsqu'une tierce personne regarde ces œuvres, elles sont nouvellement liées à divers souvenirs, et les œuvres gagnent autant d'arrière-plan que le nombre de spectateurs. Cependant, il n'y a toujours qu'un dialogue individuel, et le spectateur est confronté à toutes sortes de "solitudes" de manière pseudo-sensuelle.

Naissance, 2022, aquarelle, pigments, feuille d'or, gesso à l'eau, panneau de bois h727 × l727 mm.

4 Keiko Aikawa
Il semble y avoir un visage dans un visage. La personne à laquelle nous faisons face a aussi un visage que nous ne connaissons pas. Nous ne pouvons jamais comprendre ou appréhender complètement une autre personne. Comment pouvons-nous voir la personne elle-même ?
Dans ce travail, j'ai peint comme si je cherchais un visage dans un seul visage.

Can't Help Thinking as Little as Possible, 2022, huile sur toile h530 × l652 × d200mm.

5. omura yukino
Le paysage nocturne peint avec des autocollants ronds colorés sur un panneau noir ressemble à une photographie lorsqu'on le regarde de loin, mais lorsqu'on s'approche, tout le monde remarque qu'il est peint avec des autocollants ronds de papeterie. En représentant des paysages nocturnes qui symbolisent la ville avec des matériaux bon marché, l'œuvre exprime la contradiction des valeurs monétaires et le malaise de la société de consommation de masse.

Can't Help Falling In Love, 2022, peinture acrylique, panneau et autocollant h727×w500mm

6. chihirobo
Sous le thème de la "réalité onirique", Chihirobo condense ce qu'il voit et où en utilisant des photographies qu'il a prises lui-même comme matériau pour ses œuvres. Quel degré d'excitation pouvez-vous trouver dans le paysage qui s'offre à vous ? Je veux dire aux gens combien il est amusant et heureux d'être touché par la "joie de la découverte".

《chihi-robo》 2022, peinture acrylique, photographie h727×w606mm.

7. Yurika Horikawa
occhan" est un motif qui représente les activités des "gens" (unisexes). Je considère également le contexte historique des frontières et des rayures, et j'ai le sentiment que ce sont les gens qui les créent et les modifient. Le contexte de mon travail comprend des questions sociales et des éléments négatifs, mais je les sublime et continue à transmettre sous forme d'art la luminosité et la joie que les gens peuvent entrevoir. J'incarne toujours ce qui m'intéresse, ce qui est perdu pour moi, et ce qui peut renverser les sentiments négatifs qui sont inhérents à moi.

《readman》 2018 Peinture acrylique, résine h390×l60×d210mm.

8. Maoka Ueda.
Wonky (wobbly and unstable) Tunes (mélodie) est un concept avec lequel j'ai constamment travaillé dans le passé, basé sur le thème que les parties d'un caractère déformé suivent une forme curviligne apparemment irrégulière mais régulière dans la nature et sont intégrées dans un ensemble mélodique et reconstruites à nouveau. C'est un concept sur lequel j'ai constamment travaillé par le passé. J'utilise des personnages de dessins animés pour exprimer les lois de la nature, qui sont régulières et belles lorsqu'on les observe de près. L'étalement radial des personnages change d'expression selon la direction de la toile et selon qu'on la regarde de près ou de loin.

De la même manière qu'un objet unique peut être vu de différentes manières à travers de multiples interprétations, les personnages des peintures créent également différentes expressions selon la manière dont ils sont perçus.

Angela, 2022, peinture acrylique sur panneau gesso, h455 x l530 mm.

9. Ayaka Nakamura
Ayaka Nakamura peint l'air et les émotions ressentis dans le paysage, et son accumulation improvisée de lignes et de matériaux représente le mouvement et le son de la vie, et les émotions qui n'ont pas encore vu le jour sous forme de mots. Chacun de nous est un être minuscule, mais de nombreuses vies s'assemblent pour créer ce grand univers. Même si nous ne sommes pas directement impliqués, le moment présent est créé par les vies qui existent dans ce monde, et nous sentons que nous en faisons partie. Chaque scène est un miracle momentané tissé par le jeu de la vie, et rien n'est jamais plus pareil. Le paysage que nous voyons change en fonction de nos émotions du moment, de la hauteur de nos yeux et d'autres facteurs. Regarder un paysage peut signifier se regarder soi-même. Peindre un paysage, c'est peut-être vous peindre et vous peindre vous-même. Regarder un paysage et regarder une peinture sont quelque peu similaires. J'espère que lorsque vous regarderez mon travail, il fera appel à une partie de vous.

Trouver une sorte de paix ##, 2022, peinture acrylique, pigment de placage, toile h1920×w1050

10. aoi kei
Mon art est constitué de deux stimuli principaux. La première est que je suis devenue mère et que j'ai eu l'occasion de penser à mes ancêtres, et j'ai été impressionnée par la chaîne de la vie, la brillance momentanée de la vie par rapport à sa longue histoire, et le fait que je me trouve au milieu de ce flux. La seconde est que j'ai été submergé par le réalisme de la création (tout ce qui existe dans le monde, y compris l'espace-temps et la physique) en raison de mon engagement total en faveur du réalisme et de ma capacité à dessiner. Un autre thème sous-jacent est de regarder le réel à travers la peinture, de connaître le lien entre le réel et l'humain, et de mettre "quelque chose de bon" sur la toile. Je pense que les sons et les goûts sont faciles à comprendre, mais je veux savoir quelle est cette perception humaine commune, malgré les différences individuelles telles que "son agréable", "son désagréable", "savoureux" et "mauvais".
On dit souvent que l'art est libre et que l'art est une question de goût, mais on peut aussi trouver "quelque chose de bon" dans le sens visuel, et je crois qu'il y a une "réponse" à la question de ce qui est beau. Je veux la chercher et mettre de la beauté dans la toile. Voir l'invisible me libère parfois du sens commun et des hypothèses, ce que j'apprécie personnellement, et c'est désormais le but de mes peintures réalistes.
La plupart de mes tableaux sont si personnels qu'il est difficile de s'en défaire, et je peins quand ils m'émeuvent.

Breath, 2020-2022, huile sur toile, h5000 x l606 x d200 mm.

11. Takaya Eien.
Mon intérêt pour les phases de l'espace pictural s'est développé en conjonction avec une recherche métaphysique sur "ce qu'est l'être". Dans l'espace pictural, l'individualité et la forme d'une chose en tant qu'"être" ne sont pas montrées, mais les propriétés subjectives que l'objet ou le phénomène naturel a générées dans l'esprit par son action sur les organes sensoriels se manifestent dans de multiples sens. Transformer les traces de la perception en phases spatiales est l'expérience du travail que je crée.
L'espace ainsi créé est multidimensionnel, tant du point de vue sémiotique que de celui de la perspective. Il n'y a pas de division entre le passé, le présent et le futur.
La fusion de formes irrégulières faites de pigments et de surfaces colorées crée un espace pictural phénoménal.

Relativité / Relativity, 2022, pigment et huile sur toile de lin h727 x l500 x p20mm

12. Arc-en-ciel des morts
Utilisant des peintures acryliques et des stylos, elle expose principalement des peintures avec des dessins au trait fin, utilisant l'effondrement et la génération comme mots-clés, et présentant des motifs tels qu'une fille dont le visage a été défiguré.
Elle a également dessiné de nombreuses œuvres pour des couvertures de livres et des jaquettes de CD.

Sans titre, 2023, peinture acrylique, stylo, toile de coton h606 x l727 x d30mm