Konzept
Meine Kunst ist meine Lebensweise, meine Identität und meine Muttersprache.
Bei all meinen Werken handelt es sich um Originalfotografien, die mit verschiedenen alternativen Techniken des 19. Jahrhunderts hergestellt wurden, von denen einige verändert und modernisiert wurden. Einige der Negative...
Meine Kunst ist meine Lebensweise, meine Identität und meine Muttersprache.
Bei all meinen Werken handelt es sich um Originalfotografien, die mit verschiedenen alternativen Techniken des 19. Jahrhunderts hergestellt wurden, von denen einige verändert und modernisiert wurden. Einige der Negative drucke ich mit Methoden des 19. Jahrhunderts (Salzdruck, Albumin und Cyanotypie) und moderneren analogen Techniken mit einem professionellen Vergrößerungsgerät auf Papier. Einige der Fotografien bearbeite ich weiter mit Farben, Gold oder Chemikalien und verwandle sie so in einzigartige Kunstwerke.
Alles an diesen alten fotografischen Techniken ist körperlich und sinnlich, es geht darum, mit der Welt um einen herum, der realen materiellen Welt, eins zu werden. Sie zu spüren, sie zu berühren. Mit ihr eins zu sein. Materie, Texturen, menschliche Sinne, Licht und Dunkelheit erforschen. Endlos. Es ist diese sisyphushafte Präzision bei der Inszenierung der Komposition oder beim Erkennen im Feld, bei der Konzentration auf jedes kleine Detail. Es ist der Geruch, die Berührung, der Schmutz, die magische Mischung verschiedener Chemikalien und der wundersame Moment, in dem das Bild schließlich auftaucht, manchmal überraschend und kraftvoll, weil es nicht perfekt ist. Ich fotografiere mit authentischen, antiken Holzkameras, die schwer sind und selbst Kunstwerke darstellen. Diese Relikte erwachen in meinem Atelier wieder zum Leben und erinnern an ihr früheres Leben und ihre Meister. Durch ihre Objektive verschmelzen Vergangenheit und Gegenwart wie Parallelwelten zu neuen Rahmen, meinen Rahmen.
Von all den verschiedenen Techniken habe ich mich besonders für die Niepceotype/Hyalotype entschieden, eine der ältesten und seltensten fotografischen Techniken, die in den 1840er Jahren erfunden wurde. Laut Prof. Mark Osterman (GEM, Rochester, NY), der meine Leidenschaft für diese Technik geweckt hat, bin ich der Einzige auf der Welt, der mit dieser seltenen Technik arbeitet. In den letzten Jahren habe ich mich in die Forschung vertieft, um die Grenzen des ursprünglichen Niepceotypie-Verfahrens zu erweitern und es jetzt als Direktpositiv in der Kamera auf Metall zu verwenden (eine Anwendung, die im 19. Jahrhundert nie gemacht wurde). Nach monatelangen Experimenten ist es mir gelungen, die Geschwindigkeit der ursprünglichen Albumintechnik zu erhöhen und sie fast mit der Belichtungszeit des Nasskollodiums gleichzusetzen. Damit ist das Haupthindernis der ursprünglichen Technik beseitigt und ich kann Porträts erstellen. Ich finde die Niepceotypie-Technik (mit meinen Verbesserungen) sehr vielversprechend und lohnend, da es sich um eine Trockentechnik handelt (keine Notwendigkeit für eine tragbare Dunkelkammer und eine In-situ-Entwicklung). Ihre einzigartige Schönheit und die hohe Qualität der feinen Details sind überwältigend.
Die fotografischen Techniken des 19. Jahrhunderts sind eine Plattform, ein Ausgangspunkt, aber es ist nicht mein Ziel, in die Vergangenheit zu blicken und einfach nur alte Techniken wiederzubeleben. Ich bearbeite die Platten weiter, manipuliere sie mit der Hand, mit Farbe und Chemikalien, mit einem Stift, mit einer scharfen Spitze und schaffe so manchmal eine Spannung zwischen der Originalfotografie und der künstlerischen Note. Sie sind keine Reproduktionen der realen Welt, sondern ein integratives Bild, das sich aus mehreren Schichten zusammensetzt, deren Zusammenspiel meinen Eindruck von ihr widerspiegelt.
Mein Ziel ist es, meine eigenen Geschichten zu erzählen, indem ich Altes fortführe und mit Neuem verschmelze, die Grenze zwischen Fotografie und Malerei verwische und eine antike Technik in eine zeitgenössische und aktuelle künstlerische Arbeit umwandle.
Meine Themen variieren: von Porträts und Akten über fantasievolle Stillleben bis hin zu Landschaften und Panoramen. Ich arbeite immer in Serien. Ich glaube nicht an den einen schönen, perfekten Rahmen. Ich glaube, dass die Kraft der Schönheit eines jeden Bildes in seiner Unvollkommenheit liegt. Es ist unmöglich, zwei identische Kopien von Hand anzufertigen. Unvollkommenheit ist Teil des Prozesses, aber auch Teil des Lebens, Teil des einzigartigen Selbst. Es geht immer darum, zu erforschen, eine Geschichte zu erzählen, eine persönliche Reise zu unternehmen, eine intime Entdeckung zu machen. Zu scheitern oder Erfolg zu haben. Es ist immer meine Reise.
