Yaroslav Kurbanov

Interview mit dem Künstler Yaroslav Kurbanov 2011

Wie definieren Sie, was für Sie Kunst ist und was nicht?

"Meine Einstellung zur Kunst im Allgemeinen und zu meiner Kunst im Besonderen wird durch die folgenden Punkte definiert:
Erstens:
- Ein Kunstwerk muss eine Idee haben, egal ob es aktuel...

Interview mit dem Künstler Yaroslav Kurbanov 2011

Wie definieren Sie, was für Sie Kunst ist und was nicht?

"Meine Einstellung zur Kunst im Allgemeinen und zu meiner Kunst im Besonderen wird durch die folgenden Punkte definiert:
Erstens:
- Ein Kunstwerk muss eine Idee haben, egal ob es aktuell ist oder bereits im Kontext der Geschichte steht. Die Hauptsache ist, dass es den Betrachter anregt, seine Sinne weckt und zum Nachdenken anregt. Heutzutage versuchen Künstler oft, die ganze Palette an Emotionen, die Kunst hervorrufen soll, durch schlichte Betroffenheit und Ablehnung zu ersetzen.

Zweitens:
- Der Künstler muss das richtige Material sowie die richtige Technik und Form finden, um seine Idee bestmöglich auszudrücken. Man sollte sich nicht blind an einen Stil halten, vor allem dann nicht, wenn er nicht den Zielen entspricht, die der Künstler erreichen will. Das Kunstwerk muss an erster Stelle stehen, nicht die Persönlichkeit des Künstlers. Und ein Kunstwerk muss auch ohne den Kontext der Person, die es geschaffen hat, "funktionieren". Wir mögen nichts über das Leben des Künstlers, die Mühen seines Werks oder seinen Weg wissen, aber das Kunstwerk muss uns trotzdem beeindrucken. All diese Details sind nur "Gewürze für das Hauptgericht". Picasso zum Beispiel änderte im Laufe seiner Karriere mehrmals abrupt seinen künstlerischen Stil, je nach den Aufgaben, die er sich selbst gestellt hatte. Und wir können seine verschiedenen Schaffensperioden sehr gut nachvollziehen, ohne alle Umstände seines persönlichen und künstlerischen Lebens zu kennen.

Drittens:
- Ein Kunstwerk muss professionell gemacht werden.
Ich bin frustriert, wenn ich eine amateurhafte Ausführung sehe. Manchmal sehe ich einen interessanten Zug im Werk eines Künstlers, der keine technischen Fähigkeiten hat, und das ist sehr frustrierend. Jahrhundert als "das Jahrhundert der Dilettanten" bezeichne, die beschlossen haben, dass eine künstlerische Ausbildung überflüssig ist und den gesamten künstlerischen Raum mit ihren "Kreationen" gefüllt haben, glaube ich immer noch, dass eine Ausbildung notwendig ist, nicht nur in den technischen oder medizinischen Wissenschaften, sondern auch im Bereich der Kunst.

Welche Ideen und Gedanken interessieren Sie in der Kunst?

In meiner Arbeit greife ich Themen auf, die mir persönlich wichtig sind. Bei der Lektüre klassischer und zeitgenössischer Literatur habe ich festgestellt, dass die gleichen Themen die Menschen schon vor hundert Jahren und sogar noch früher beschäftigten. Es sind Liebe und Hass, Glaube und Verrat, Angst und Selbstbeherrschung, die Diskrepanz zwischen der inneren Welt eines Menschen und seinem äußeren Erscheinungsbild, die "Maske", die er für andere aufsetzt. Die Zeit hat keine Macht über diese Themen. Das unterscheidet sie von vielen alltäglichen Gefühlen, die nach ein paar Jahren, Monaten und manchmal Tagen in Vergessenheit geraten. Spirituelle Werte beschäftigen die Menschen nach wie vor, und sie versuchen, Antworten auf dieselben Fragen zu finden wie früher: Wer bin ich? Wohin bin ich gegangen? Was ist der Sinn des Lebens? Was ist Glück? Was ist Liebe? Unsere innere Welt versucht immer wieder, die Antworten auf diese Fragen in der äußeren Welt zu finden. Meine Kunst ist mein Versuch, diese Fragen zu beantworten.

Warum haben Sie sich in der modernen Welt für einen eher traditionellen Stil des Realismus entschieden, während es für einen zeitgenössischen Künstler viel einfacher und schneller ist, zum Beispiel in einem abstrakten Stil zu zeichnen?

Die technische und ästhetische Herausforderung besteht darin, die Hauptidee klar und vollständig auszudrücken, und wenn der Realismus dafür geeignet ist, dann sollte man keine Angst davor haben, nicht modern zu sein. Tatsächlich würde ich meinen Stil nicht als Realismus, sondern als metamodern bezeichnen. Der metamoderne Stil erlaubt es, die Zwänge des Realismus zu umgehen, die ganze Bandbreite der bildenden Kunst voll auszuschöpfen, sie auf jede erdenkliche Weise zu kombinieren und mit ihr zu spielen.
Künstler, die sich mit abstrakter Kunst beschäftigen, denken oft nur an die Form, sie haben keine Ideen. Sie suchen nur nach einem Stil, der wiedererkennbar ist. Das ist keine Kunst mehr, sondern Design. Es ist Kunst, die einen nicht stört, die nur eine Idee hat - die Farbe des Interieurs, des Sofas, der Vorhänge und der Tapete. Wenn ein Künstler keine Idee hat, wählt er meiner Meinung nach die Abstraktion als Hauptform der Kunst, um seinen Mangel an Ideen und handwerklichem Können zu verbergen.
Aber es gibt auch das andere Extrem in der Kunst. Wenn ein Künstler die Bilder, die er darstellt, nicht verallgemeinern und stilisieren kann. In diesem Fall zeigt er nur sein Handwerk und malt nach dem Prinzip "Was ich sehe, ist das, was ich zeichne", d.h. er arbeitet mit einer Art Kamera, ohne die ganze reiche Palette der Möglichkeiten eines modernen Künstlers zu nutzen.
Echte Kunst ist also dieser heikle Balanceakt zwischen allem, der sich oft nicht in Worte fassen lässt. Aber wenn man ein Profi ist und ein "geschultes Auge" hat, dann kann man auch ohne Artikel oder Erklärungen erkennen, was echt und was oberflächlich ist. Und dabei spielt es keine Rolle, in welchem Stil es gemacht ist.

Ihre Arbeit hat oft einen doppelten Unterton, ist das beabsichtigt?

Ich verwende in meiner Arbeit fast immer Symbole. In der Kunst gab es schon immer Symbole, denn die Kunst ist kein Spiegel, der die Welt direkt reflektiert. Die Symbolik der Kunst ist immer noch und immer wieder auf den Betrachter aufgebaut, der die Symbole einfach und natürlich so wahrnimmt, wie sie in seinem täglichen Leben existieren. Allerdings hat jede Zeit ihre eigene Symbolsprache. Das Stillleben des 18. Jahrhunderts konnte seinen Zeitgenossen eine ganze Geschichte erzählen, aber für uns ist es heute nicht mehr als eine Ansammlung von Gegenständen. Die zeitgenössische Kunst und der zeitgenössische Betrachter haben ihre eigenen, aktuellen Symbole.

Durch die Namen der Bilder versuche ich, den Betrachter für meine Symbole zu sensibilisieren und ihn zu den Themen meiner Werke zu führen. Ich glaube, dass jeder die Idee des Werkes versteht und sie auf seine eigene Weise interpretiert und weiterentwickelt. Ich möchte dem Betrachter nicht meine Meinung aufzwingen. Jeder Mensch hat seinen eigenen Blick auf die Welt um ihn herum. Auf diese Weise entsteht ein stiller Dialog zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter.

Wenn der Betrachter von den Sorgen und der Hektik des Alltags abgelenkt wird und auch nur für ein paar Minuten über ewige Themen nachdenkt, kann ich behaupten, dass meine Kunst ihren Zweck erfüllt hat.