Aleksandra Rey

Wer hat schon einmal eine Wiese mit eigenen Augen gesehen? Hat sie wirklich jeder gesehen? Wenn ja, warum bleiben die Bilder von Alexandra Rey dann so lange im Gedächtnis? Es sind doch nur Bilder von Wiesen und Bäumen... Manchmal zeigen sie nur ein paar Zweige in der kurzen Zeit des Vorfrühlings, we...

Wer hat schon einmal eine Wiese mit eigenen Augen gesehen? Hat sie wirklich jeder gesehen? Wenn ja, warum bleiben die Bilder von Alexandra Rey dann so lange im Gedächtnis? Es sind doch nur Bilder von Wiesen und Bäumen... Manchmal zeigen sie nur ein paar Zweige in der kurzen Zeit des Vorfrühlings, wenn die Knospen erscheinen, aber noch keine Blätter vorhanden sind. Für Vorschulkinder ist es kein Problem zu erkennen, was Alexandra Rey auf ihren Bildern darstellt. Für Erwachsene ist es jedoch wie immer ein größeres Problem. Vor diesen Bildern stehend, fragen sich die Erwachsenen, was sie da eigentlich sehen. Offensichtlich handelt es sich um eine Wiese, ganz sicher um ein geschickt ausgeführtes realistisches Gemälde. Aber wie kann es beides gleichzeitig sein? Schließlich ahmt Rey kein fotografisches Dokument einer Wiese mit Ölfarbe nach. Wer sich mit der Malerei auskennt, kann keinen Zweifel daran haben, dass man eine bestimmte Blume an einem bestimmten Ort auf der Wiese vergeblich suchen würde. Natürlich kann man den Titel lesen, die Autorin nach ihrer Inspiration fragen und sich auf die Suche nach den drei lila Bäumen oder den blühenden Forsythien im Park von Chorzów machen. Man kann die Orte besuchen, an denen sie malt: Przybyszów, Nowy Sącz oder sogar den Obstgarten von Oma Halusia - alles allerdings ohne Aussicht auf Erfolg. Die Wiesen, Sträucher und sogar die Unkrautbüschel, die zwischen den Betonpflastersteinen wachsen, existieren nur in ihren Bildern. Die für uns so wichtige Kategorie des Realen entpuppt sich als eine Ansammlung von Flächen, die eng aneinander haften und doch getrennt sind. Eine Blume existiert auf eine andere Weise als ihr malerisches Bild, und der Begriff der Blume existiert auf eine noch andere Weise. Wir sehen sie, wir fühlen sie, wir wissen von ihr, aber die Möglichkeiten der Sprache sind erschöpft, bevor es uns gelingt, diesen Unterschied klar auszudrücken. Vielleicht ist das der Grund, warum wir Gertruda Steins scheinbar tautologischen Satz so gerne wiederholen: "Eine Rose ist eine Rose ist eine Rose ist eine Rose". Diese Trennschärfe, diese Fähigkeit, über die Grenzen der Sprache hinauszugehen, ist die metaphysische Kraft der Malerei in der westlichen Kultur. Die Pflanzenbilder von Rey sind eher tautologisch als realistisch. Wir wissen nicht, ob es sich um Tautologien der Natur oder unserer Vorstellung von ihr handelt. Möglicherweise ist dies eines der Geheimnisse, die erklären, warum es ein Vergnügen ist, diese Bilder zu betrachten, und warum wir uns nach einer Weile nicht an ihnen satt sehen. Anscheinend ist die eigene Vorstellungskraft die einzige Ansicht, die einen nie langweilt.

Rey ist eine Malerin, keine Gärtnerin (obwohl, wenn ihre Faszination für das Malen von Pflanzen länger anhält, werden diese beiden völlig getrennten Fähigkeiten wahrscheinlich unweigerlich miteinander verschmelzen). Die Kraft und Schönheit dieser Bilder rührt direkt von der Freiheit der Phantasie her, die durch technisches Können unterstützt wird. Es ist jedoch nicht unvernünftig anzunehmen, dass die Schönheit zumindest einiger dieser Bilder in der Überzeugung der Künstlerin von der Harmonie des Lebens und der Welt wurzelt. Harmonia mundi ist eine alte, fast vergessene Phrase in einer toten Sprache, aber sie spiegelt die Wahrnehmung der Realität wider, die nicht jeden Tag zum Ausdruck kommt - eine höchst subjektive Wahrnehmung, verbunden mit der Akzeptanz des Lebens in seiner gewöhnlichsten Form. Es sind intime Empfindungen, zarter als Pflanzen. Das verworrene Dickicht, die Suggestivität des Motivs, die Kraft der Farbkontraste machen es nicht einfacher, diese rein interpretative Ebene zu betrachten. Paradoxerweise trägt die idyllische Glückseligkeit, die wir beim Betrachten der blühenden Pflanzen erleben, nicht zu der präzisen Betrachtung bei, die die Bilder verdienen. Der ständige Frühling, der praktisch alle Bilder der Ausstellung erfüllt, erleichtert sie auch nicht.

Es wird leichter zu verstehen sein, wie die Gemälde entstehen, wenn wir eine Metapher aus der Musik verwenden. Rey zeichnet sich durch die Leichtigkeit der Inszenierung aus. Sie hat ein Gespür, das es ihr erlaubt, trotz der wildesten Improvisationen einzelner Instrumentalteile einen gemeinsamen Ton beizubehalten. Betrachten Sie ihre Wiesen, als wären es Konzerte der besten Jazzbands der goldenen Epoche des polnischen Jazz, oder den makellosen Rhythmus, in dem Marek Grechuta die Phrase von Józef Czechowicz sang:
"...die Figuren vervielfachten sich zu einer großen stehenden Menge
Und all das bist du
Dein eiserner Verstand kann es nicht fassen..."

Grashalme schwingen in der Bewegung der Äste. Das Kobalt der Vikia synkopiert mit dem Blau des Himmels. Die wilde Karotte klingt, als sei sie weiß. Die Leichtigkeit und Freude, eine unerhörte, ungeschriebene und nicht kanonische Form zu erzeugen, ist charakteristisch für den Jazz. Tiefer, ganz unten gibt es etwas Archaisches, das der reinen Harmonie näher kommt. Es ist ein Ton, der ein wenig an den Blues und ein wenig an den barocken Basso continuo erinnert. Die folgenden Pinselstriche entwickeln sich auf der Grundlage der sich aus der Tonleiter logisch ergebenden chromatischen Zeichen. Hier geht die Verpflichtung zur Treue gegenüber dem Gesehenen endgültig verloren. Was bleibt, ist der Sinn für Melodie, der Wunsch, ein kohärentes Ganzes zu erhalten. Die in den letzten Jahren entstandenen großen Gemälde, die sich auf unterschiedliche Weise aus vielen kleinen Rahmen zusammensetzen, beweisen, dass Alexandra Rey eine große Begabung für die Inszenierung von Wiesen hat. Unabhängig von der Zusammensetzung des Orchesters - ob aus Mohn und Kamille oder Kreuzkraut und Wegwarte - klingen die Wiesen unter ihrem Blick stimmig, tief und ausdrucksstark. Und sie hinterlassen das Gefühl reinen Vergnügens, das in der heutigen Kunst so selten ist, ein Vergnügen, das eine Nuance ausgeprägter ist als sonst. Nach Edward Krasiński, der die Wellen der Ostsee während des Panoramic Sea Happening von Tadeusz Kantor 1967 inszenierte, hat wohl niemand in der polnischen Kunst ein solches Bedürfnis nach einer symphonischen Harmonisierung der Natur gezeigt.