Enrico Garff Kunstwerke zum Verkauf

Konzept

Mein erster Spielkamerad war ein Baum. Ich wuchs in einer eher einsamen Kindheit auf, umgeben von der Natur im privaten Garten meiner Mutter, abgeschieden von der Hektik der Welt. Meine tiefe Verbundenheit mit der Natur in Verbindung mit der Einsamkeit regte meine Fantasie an, eine imaginäre Welt zu erschaffen. Das Vakuum einer menschlichen Beziehung, das durch meine wachsende Kreativität gefüllt wurde, war der Auslöser dafür, die Leere mit Farben, Geschichten, imaginären Wesen und Fantasieformen zu füllen. Ein trockener Boden war mein Fundament für eine fruchtbare Vorstellungskraft, in der ich meine künstlerische Wahrnehmung wie ein "drittes Auge" entwickelte, das Licht in die Dunkelheit bringt. Ich begann früh, kurz nachdem ich das Kleinkindalter überwunden hatte, Pferde, Piraten, Zorro und andere Wunder zu zeichnen. Ich wuchs hauptsächlich umgeben von weiblichen Figuren auf: meine Mutter, meine Cousinen, meine 9 Tanten. Mein Vater, dem einstimmig bescheinigt wurde, dass er eine herausragende Gesangsstimme besaß, verschwand ganz plötzlich aus meinem Leben. Seine künstlerische Sensibilität habe ich allerdings geerbt. Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie ich morgens vom Echo seiner beruhigenden und harmonischen Stimme aufwachte, die in meinem Kopf wie eine warme Umarmung klang, während er eine wunderschöne neapolitanische Melodie namens "La Montagna" (der Berg) sang. Obwohl er sich in einem anderen künstlerischen Bereich hervortat, kann ich spüren, wie er sein musikalisches Pathos durch seine DNA in die Berührung meines Pinsels übertrug und meine Art zu malen mit dem alten klassischen italienischen Erbe, das noch in meinen Adern fließt, beeinflusste. Zu jener Zeit, als ich noch nicht viel Bewusstsein für meine Fähigkeiten und mein Wissen über das, was ich tat, entwickelt hatte, kam die erste Anerkennung meines aufkeimenden Talents von einer Dame, die in den bildenden Kreisen der damaligen Zeit als Kunstkennerin galt. Ich erinnere mich, wie sie behauptete, in meinen frühen Zeichen- und Malversuchen bereits eine Menge Action und Dynamik zu erkennen. In meinen Neunzigern lernte ich die französischen Impressionisten und dann die Meister der Renaissance, insbesondere Masaccio, zu schätzen. Angetrieben von der Leidenschaft und der totalen Hingabe an Formen und Farben machte mein malerisches Können einen bemerkenswerten Sprung hin zu einer ständig wachsenden Inspiration. Ich habe nicht gemalt, um Ruhm, Anerkennung oder Geld zu erlangen, bis auf eine Ausnahme, als ich 14 Jahre alt war, erinnere ich mich, dass ein zwingender Gedanke aus dem Nichts auftauchte: Ich wollte mein Leben nicht anonym beenden oder sterben, ohne der Welt ein Vermächtnis zu hinterlassen. Sicherlich sehnte ich mich danach, dass man sich an mich erinnert, weil ich im Laufe meines Lebens etwas Wesentliches für die Menschheit geleistet habe. In den späten 80er Jahren begann ich mit einem klassisch-griechisch inspirierten Zyklus, in dem ich Szenarien mit Skulpturen unterschiedlichster Stilrichtungen darstellte, darunter klassische, hellenistische, minoische und kykladische Kunst. Die Inspiration, die ich durch das vollständige Eintauchen in diese historischen Epochen erhielt, war überwältigend: Die Statuen schienen unter meinem Pinsel lebendig zu werden, während die mystische Atmosphäre dieser Epochen meine Seele in Verzückung versetzte. Um ehrlich zu sein, fehlte es mir nie an Inspiration, aber in dieser Zeit war der kreative Fluss so stark, dass ich ihn als einen unkontrollierten Energiefluss wahrnahm, der auf das Gemälde überging. In Verbindung mit dieser gesegneten Inspirationsverbindung praktizierte ich eine spirituelle Disziplin zur "Befreiung der Gedanken". Eine Meditationstechnik, die auf der Disziplinierung der Klarheit des Denkens nach der Rosenkreutz-Methode und aristotelischen Maßstäben beruht. Die Disziplin steht zwischen dem hindustanischen Yoga und der westlichen Logik und Vernunft. Die Begegnung mit Lassi Nummi und Riita Harjunen war nicht zufällig. Sie waren beide auf der gleichen Wellenlänge und auf einem ähnlichen spirituellen Weg. Uns verband ein gemeinsames Ziel in Bezug auf innere Freiheit, Ungebundenheit und unabhängiges Denken. In Marc' Aurels Augen konnte ich die Tragik der antiken Welt sehen, die Unfähigkeit des in der Subjektivität gefangenen Menschen, ein höheres Bewusstsein zu erreichen und eine objektivere Einsicht zu entwickeln. Die Objektivität einer kristallklaren Vernunft, die die überemotionale Welle kontrolliert. Seine Botschaft ist heute mehr denn je von aktueller Bedeutung: Das Überleben unserer auf Evidenz, Vernunft und Freiheit basierenden Zivilisation ist stark gefährdet. Meine Lieblingskunstwerke haben eine geheime Bedeutung und Logik: den Treffpunkt zwischen Erde und Himmel. "Fünf Personen gehen in der Nacht", "Die Zukunft kommt auf uns zu", "Sintesi", "La Domenica delle Palme" sind meine repräsentativsten Bilder, die das Rückgrat meiner künstlerischen Grundwerte bilden. Ich werde nicht so tun, als ob ich das Herz eines jeden Menschen auf der Welt erreichen könnte. Ich hoffe, dass mein Beitrag zur Kunst einen objektiven Standard der Schönheit und Ästhetik hinzufügt, der die Notwendigkeit der Objektivität in der modernen Welt widerspiegelt, um den Irrtum des Relativismus und der Subjektivität der postmodernen Weltsicht auszugleichen. Vorhersagen über die Entwicklung des Kunstmarktes sind schwer zu treffen, aber ich wünsche mir, dass der durch subjektive Bewertungen aufgeblähte Kunstmarkt aufgrund des Subjektivismus des Relativismus, der die Kunst in Beschlag genommen hat, zum gesunden Menschenverstand zurückkehrt. Ich denke, dass die westliche Kultur und die indische Kultur viel gemeinsam haben. Ein kontinuierlicher Austausch von Werten hat über Jahrhunderte hinweg zur gegenseitigen Bereicherung geführt. Der Westen und der Osten brauchen einander noch immer, wenn sie weiter gedeihen wollen. Aus dem So Cultures Magazine Interview mit der Welt von Enrico Garff

Konzept

Mein erster Spielkamerad war ein Baum. Ich wuchs in einer eher einsamen Kindheit auf, umgeben von der Natur im privaten Garten meiner Mutter, abgeschieden von der Hektik der Welt. Meine tiefe Verbundenheit mit der Natur in Verbindung mit der Einsamkeit regte meine Fantasie an, eine imaginäre Welt zu...

Mein erster Spielkamerad war ein Baum. Ich wuchs in einer eher einsamen Kindheit auf, umgeben von der Natur im privaten Garten meiner Mutter, abgeschieden von der Hektik der Welt. Meine tiefe Verbundenheit mit der Natur in Verbindung mit der Einsamkeit regte meine Fantasie an, eine imaginäre Welt zu erschaffen. Das Vakuum einer menschlichen Beziehung, das durch meine wachsende Kreativität gefüllt wurde, war der Auslöser dafür, die Leere mit Farben, Geschichten, imaginären Wesen und Fantasieformen zu füllen. Ein trockener Boden war mein Fundament für eine fruchtbare Vorstellungskraft, in der ich meine künstlerische Wahrnehmung wie ein "drittes Auge" entwickelte, das Licht in die Dunkelheit bringt. Ich begann früh, kurz nachdem ich das Kleinkindalter überwunden hatte, Pferde, Piraten, Zorro und andere Wunder zu zeichnen. Ich wuchs hauptsächlich umgeben von weiblichen Figuren auf: meine Mutter, meine Cousinen, meine 9 Tanten. Mein Vater, dem einstimmig bescheinigt wurde, dass er eine herausragende Gesangsstimme besaß, verschwand ganz plötzlich aus meinem Leben. Seine künstlerische Sensibilität habe ich allerdings geerbt. Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie ich morgens vom Echo seiner beruhigenden und harmonischen Stimme aufwachte, die in meinem Kopf wie eine warme Umarmung klang, während er eine wunderschöne neapolitanische Melodie namens "La Montagna" (der Berg) sang. Obwohl er sich in einem anderen künstlerischen Bereich hervortat, kann ich spüren, wie er sein musikalisches Pathos durch seine DNA in die Berührung meines Pinsels übertrug und meine Art zu malen mit dem alten klassischen italienischen Erbe, das noch in meinen Adern fließt, beeinflusste. Zu jener Zeit, als ich noch nicht viel Bewusstsein für meine Fähigkeiten und mein Wissen über das, was ich tat, entwickelt hatte, kam die erste Anerkennung meines aufkeimenden Talents von einer Dame, die in den bildenden Kreisen der damaligen Zeit als Kunstkennerin galt. Ich erinnere mich, wie sie behauptete, in meinen frühen Zeichen- und Malversuchen bereits eine Menge Action und Dynamik zu erkennen. In meinen Neunzigern lernte ich die französischen Impressionisten und dann die Meister der Renaissance, insbesondere Masaccio, zu schätzen. Angetrieben von der Leidenschaft und der totalen Hingabe an Formen und Farben machte mein malerisches Können einen bemerkenswerten Sprung hin zu einer ständig wachsenden Inspiration. Ich habe nicht gemalt, um Ruhm, Anerkennung oder Geld zu erlangen, bis auf eine Ausnahme, als ich 14 Jahre alt war, erinnere ich mich, dass ein zwingender Gedanke aus dem Nichts auftauchte: Ich wollte mein Leben nicht anonym beenden oder sterben, ohne der Welt ein Vermächtnis zu hinterlassen. Sicherlich sehnte ich mich danach, dass man sich an mich erinnert, weil ich im Laufe meines Lebens etwas Wesentliches für die Menschheit geleistet habe. In den späten 80er Jahren begann ich mit einem klassisch-griechisch inspirierten Zyklus, in dem ich Szenarien mit Skulpturen unterschiedlichster Stilrichtungen darstellte, darunter klassische, hellenistische, minoische und kykladische Kunst. Die Inspiration, die ich durch das vollständige Eintauchen in diese historischen Epochen erhielt, war überwältigend: Die Statuen schienen unter meinem Pinsel lebendig zu werden, während die mystische Atmosphäre dieser Epochen meine Seele in Verzückung versetzte. Um ehrlich zu sein, fehlte es mir nie an Inspiration, aber in dieser Zeit war der kreative Fluss so stark, dass ich ihn als einen unkontrollierten Energiefluss wahrnahm, der auf das Gemälde überging. In Verbindung mit dieser gesegneten Inspirationsverbindung praktizierte ich eine spirituelle Disziplin zur "Befreiung der Gedanken". Eine Meditationstechnik, die auf der Disziplinierung der Klarheit des Denkens nach der Rosenkreutz-Methode und aristotelischen Maßstäben beruht. Die Disziplin steht zwischen dem hindustanischen Yoga und der westlichen Logik und Vernunft. Die Begegnung mit Lassi Nummi und Riita Harjunen war nicht zufällig. Sie waren beide auf der gleichen Wellenlänge und auf einem ähnlichen spirituellen Weg. Uns verband ein gemeinsames Ziel in Bezug auf innere Freiheit, Ungebundenheit und unabhängiges Denken. In Marc' Aurels Augen konnte ich die Tragik der antiken Welt sehen, die Unfähigkeit des in der Subjektivität gefangenen Menschen, ein höheres Bewusstsein zu erreichen und eine objektivere Einsicht zu entwickeln. Die Objektivität einer kristallklaren Vernunft, die die überemotionale Welle kontrolliert. Seine Botschaft ist heute mehr denn je von aktueller Bedeutung: Das Überleben unserer auf Evidenz, Vernunft und Freiheit basierenden Zivilisation ist stark gefährdet. Meine Lieblingskunstwerke haben eine geheime Bedeutung und Logik: den Treffpunkt zwischen Erde und Himmel. "Fünf Personen gehen in der Nacht", "Die Zukunft kommt auf uns zu", "Sintesi", "La Domenica delle Palme" sind meine repräsentativsten Bilder, die das Rückgrat meiner künstlerischen Grundwerte bilden. Ich werde nicht so tun, als ob ich das Herz eines jeden Menschen auf der Welt erreichen könnte. Ich hoffe, dass mein Beitrag zur Kunst einen objektiven Standard der Schönheit und Ästhetik hinzufügt, der die Notwendigkeit der Objektivität in der modernen Welt widerspiegelt, um den Irrtum des Relativismus und der Subjektivität der postmodernen Weltsicht auszugleichen. Vorhersagen über die Entwicklung des Kunstmarktes sind schwer zu treffen, aber ich wünsche mir, dass der durch subjektive Bewertungen aufgeblähte Kunstmarkt aufgrund des Subjektivismus des Relativismus, der die Kunst in Beschlag genommen hat, zum gesunden Menschenverstand zurückkehrt. Ich denke, dass die westliche Kultur und die indische Kultur viel gemeinsam haben. Ein kontinuierlicher Austausch von Werten hat über Jahrhunderte hinweg zur gegenseitigen Bereicherung geführt. Der Westen und der Osten brauchen einander noch immer, wenn sie weiter gedeihen wollen. Aus dem So Cultures Magazine Interview mit der Welt von Enrico Garff

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Biografie

Quelle Wikipedia Enrico Garff (26. November 1939 - 1. September 2024) ist ein italienischer Porträtmaler und Kolorist. Garff hat als Künstler in Positano, Sorrent, Rom, Sizilien sowie in Schweden und Finnland gearbeitet. Der Maestro wurde 1939 in Rom geboren. Der Maestro Enrico Garff ist ein italien...

Quelle Wikipedia Enrico Garff (26. November 1939 - 1. September 2024) ist ein italienischer Porträtmaler und Kolorist. Garff hat als Künstler in Positano, Sorrent, Rom, Sizilien sowie in Schweden und Finnland gearbeitet. Der Maestro wurde 1939 in Rom geboren. Der Maestro Enrico Garff ist ein italienischer Kolorist des 21. Jahrhunderts. Garffs Werke umfassen Öl-, Aquarell-, Acryl- und Gouache-Malerei sowie Gemälde auf Seide. Seine Lieblingsthemen sind Menschen, Pferde und Mythologie. Seine Werke sind in den Häusern vieler finnischer Kunst- und Pferdeliebhaber zu finden, außerdem sind einige Werke in öffentlichen Gebäuden ausgestellt. Das größte Ölgemälde des Künstlers ist sieben Meter breit. Im Hufvudstadsbladet gibt Helena Husman eine ausführliche Beschreibung des Gemäldes "Söhne der Sonne", das im Sozialdienstzentrum Kamp in Helsinki ausgestellt ist. Diese Ode an die Mythologie und die Freude ist auf fünf Leinwänden gemalt und wurde 2003 zusammen mit dem zweiten Porträt von Präsident Martti Ahtisaari eingeweiht.[1] Die Eröffnungsreden zu diesem Ereignis wurden von Eeva Ahtisaari und der Ehefrau des Künstlers, Isabella Diana Gripenberg, gehalten. Biografie Enrico Garff wurde 1939 in Rom, Italien, als ein echtes "figlio d'arte" geboren. Sein Vater, Emilio Boffi, war ein Opernsänger, dessen Karriere jedoch durch seine nervöse Veranlagung beeinträchtigt wurde. Seine Mutter Gertrud Garff, die Tochter eines schwedischen Apothekers, war nach Rom gekommen, um lyrischen Gesang zu studieren.[2] Sie hatte es bereits geschafft, mit dem "König der Baritone", Mattia Battistini, aufzutreten, aber auch ihre Karriere endete in einer Tragödie, da sie praktisch über Nacht ihre schöne Opernstimme verlor. Enrico Garff, ein Autodidakt, begann im Alter von sechs Jahren zu zeichnen. Von Anfang an betrachtete er sich als Maler. "Ich habe mein ganzes Leben lang weiter gemalt und gezeichnet. Ein Bild sollte ein lebendiges Gebilde sein, und Kinder sind sich dessen instinktiv bewusst. Das Wichtigste bei der Darstellung eines Pferdes ist die Bewegung, und in vielen Partituren der klassischen Musik kann man das Tempo des Trabs und des Galopps erkennen."[3] Im Alter von 19 Jahren begann Garff, seine Werke in Zusammenarbeit mit erfahrenen Künstlern in der Via Massaciuccoli und der Via Margutta auszustellen, wo viele seiner Werke sofort verkauft wurden. Dennoch widersteht er der Versuchung, seine Kunst zu seinem einzigen Beruf zu machen. Er setzte sein Studium der Geisteswissenschaften fort und machte 1969 seinen Abschluss an der Università degli Studi di Napoli "L'Orientale" und schrieb seine Doktorarbeit über den schwedischen Dichter Carl Snoilsky. 1970 heiratete Garff die finnische Baronin Isabella Diana Gripenberg, die Enkelin des Dichters Bertel Gripenberg. Isa Gripenberg, Isabella Dianas Mutter, berichtet: "Kurz nach der Ankunft meiner Tochter Diana in Rom nahmen sie und ich an einer Party teil, die für junge Leute organisiert worden war. Plötzlich erschien ein junger Mann, der so sympathisch und gut aussehend war, dass ich mich des Gefühls nicht erwehren konnte, dass dieser Mann, der ein idealer Ehemann für Diana wäre, unmöglich ledig und ungebunden sein konnte. Als ich wenig später der italienisch sprechenden Gruppe gegenüber erwähnte, dass Diana bei einem spezialisierten Sprachlehrer Italienisch lernen wollte, antwortete ein Mann fast sofort in perfektem Schwedisch, dass er gelegentlich Privatunterricht gebe. Dieser Mann war mir aufgefallen, als er vorhin den Raum betreten hatte. Es war Enrico Garff.[2] Sorrent und Neapel Enrico und Diana zogen nach Sorrent, wo ihr erster Sohn, Henrik Daniel, und seine Schwester Pamina Victoria geboren wurden. Ihr zweiter Sohn, Beniamino Michele, wurde 1988 in Rom geboren. Sieben Jahre lang unterstützte der Künstler seine Familie als Sprachlehrer an der Universität in Neapel. Seine Energie ermöglichte es ihm jedoch, zahlreiche Ölgemälde in Neapel und Sorrent, in Frascati und sogar in Rom auszustellen, wo seine einzige Ausstellung in der Saletta Marguttiana vom schwedischen Botschafter in Italien eröffnet wurde. Garffs Ausstellungen in Neapel wurden von der Zeitung Napoli Notte und der Zeitschrift Eco d'arte moderna positiv aufgenommen. Der Kunstkritiker Nino del Prete schrieb, Garffs Farbpalette sei die chromatisch reichste, die man sich vorstellen könne.[4] 1971 besuchte der renommierte Kunstkritiker Paolo Ricci Garffs erste Einzelausstellung in Neapel und ermutigte ihn, indem er seinen Pinsel mit dem von Antonio Ligabue verglich. 1972 schrieb N. Nobiloni in einem Artikel in der Sommerbeilage der Tageszeitung Il Messaggero, dass das Ölgemälde "Quercia Falconieri", das Enrico Garff den zweiten Preis des "Concorso Internazionale di Pittura Italia 2000" einbrachte, eine berühmte Eiche am Tor der Villa Falconieri in Frascati darstelle.[5] Die Worte, mit denen Nobiloni Garffs Gemälde beschreibt, wie "intensiv", "reich" und "gewalttätig", sind genau die gleiche Beschreibung, die siebzehn Jahre später Federico Fellinis Frau Giulietta Masina in das Gästebuch des Malers bei der Premiere der Gruppe Zuleika in Rom schreiben würde.[6] Grottaferrata Enrico Garff, "Venuto dal Cielo".jpg 1978 mietete der Maler ein kleines Haus in Grottaferrata für seine Frau und seine Kinder. In einem Artikel in der finnisch-schwedischen Kulturzeitschrift Astra, später Astra Nova, schildert die Witwe von Dean Dixon, Mary Mandelin Dixon, das ländliche Leben des Künstlers und seiner Familie in dem kleinen Märchenhaus zwischen Feigen, Trauben und rosa Rosen, das an eine Wiese grenzt, von der aus man einen schönen Blick auf Tusculum hat.[7] An diesem romantischen Ort organisierte Garff, unterstützt von seiner Ehefrau und Schwiegermutter, eine Sonderausstellung für skandinavische Touristen (Juni 1977) und sang den Besuchern sogar neapolitanische Lieder vor. Mit dem Geld, das diese Ausstellung zu seinem Einkommen beitrug, finanzierte er einen Monat später den Umzug der Familie nach Schweden. Er gab seine Stelle an der Universität auf, um sich die Freiheit zu nehmen, zu reisen und hauptberuflich zu malen. Schweden Enrico Garff, "Diana in Venedig".jpg Dies war der Beginn einer Odyssee, die den Künstler in die Zukunft führte.

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Auszeichnungen

1972 ‘Concorso Internazionale di Pittura Italia 2000’,

Gruppenausstellungen

1970 1959: Via Margutta Collettiva Rome Italy

1989 Zuleika group Via del Corso Rome Italy

1989 Zuleika I coloristi della Nuova intuziome, Capena Rome

Einzelausstellungen

2003 Permanent Exhibition in Kamppi public Sercice Office from year 2003 onwards.

1970 Naples Eco d:Arte Moderna

Vertragliche Galerie

Art Expo Zurich Switzerland

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