Wenn Sie eine Ausstellung besuchen, die als "zeitgenössische Kunst" bezeichnet wird, sehen Sie vielleicht einfarbig bemalte Leinwände, die auf verdeckte Weise ausgestellt sind, oder Werke, die unmittelbar nach ihrer Versteigerung in Stücke geschnitten und dann für Hunderte von Millionen Yen wieder verkauft wurden. ......
Viele Menschen mögen sich an diesen scheinbar "bedeutungslosen" Kunstwerken stören, die den Betrachter offenbar bewusst in die Irre führen wollen.
In dieser Ausgabe werden wir anhand verschiedener Beispiele zeitgenössischer Kunst, die oft einen negativen Eindruck hinterlassen, überlegen, wie man mit zeitgenössischer Kunst umgehen kann.

1. Die sinnlose "zeitgenössische Kunst", Duchamp

Das Debüt von Duchamp

Marcel Duchamp (1887 - 1968) wurde in einer kultivierten französischen Familie geboren.
Er machte sich schon früh mit der Malerei vertraut und debütierte als Maler mit dem Werk Frau, die eine Treppe hinabsteigt Nr. 02, einer Weiterentwicklung des kubistischen Stils. In diesem Gemälde ist die Figur des sich bewegenden menschlichen Körpers von der Fotografie von Edouard Muybridge und Etienne-Jules Murray beeinflusst, deren Werke zu jener Zeit aufgrund ihrer seriellen Hochgeschwindigkeitsaufnahmen von sich bewegenden Objekten, der so genannten Chromophotografie, in aller Munde waren.

Der Einfluss von The Fountain auf die Welt

Das berühmteste Werk von Duchamp ist wahrscheinlich der 1917 veröffentlichte Fountain. Dieses Werk gilt als der Beginn der modernen Kunst, der oft nachgesagt wird, sie sei obskur.
Es ist einfach mit "R. Mutt" auf einem umgestürzten Männerurinal signiert und wurde in der Society of Independent Artists in New York ausgestellt. Obwohl Duchamp selbst Mitglied des Komitees war, wurde gegen die Ausstellung heftig protestiert, da es sich nicht um ein Kunstwerk handelte.
Diese Tatsache zeigt, dass das stillschweigende Verständnis, dass "Kunst so sein sollte", sogar in den USA verbreitet war, wo sich zu dieser Zeit auch die abstrakte Kunst entwickelte. Duchamps herausfordernde Arbeit zerstörte dieses stillschweigende Verständnis und ironisierte das System der Kunstwelt, dass "jedes Objekt als Kunst bezeichnet werden kann, solange es betitelt, signiert und am richtigen Ort ausgestellt wird".

2. Der Banksy-Zerkleinerungsvorfall, der die Welt schockierte

Wie der Schreddervorfall ablief

Am 15. Oktober 2018 wurde ein Druckwerk vom internationalen Auktionshaus Sotheby's versteigert. Als "Girl with Balloon" inmitten einer Reihe von zu versteigernden Werken auftauchte, schnellte es in die Höhe, was auf die Popularität von Banksy hindeutet, und das Endgebot lag bei 1.042.000 Pfund (ca. 150 Millionen Yen). Es war das zweithöchste Gebot für Banksy (zu dieser Zeit).
In dem Moment, in dem der Zuschlag verkündet wurde, ertönte jedoch ein Alarm in der Halle, und der Schredder, der bereits im Rahmen installiert war, wurde aktiviert und begann, das Werk zu zerschneiden.
Unter dem Lärm des Publikums wurden die geschredderten Werke von den zuständigen Mitarbeitern aus dem Ausstellungsraum getragen.
Der Vorfall mit dem Schredder könnte als terroristischer Akt gegen das Auktionsgeschäft gewertet werden, aber nach dem Vorfall warb Sotheby's mit dem geschredderten Werk als "dem ersten Werk, das jemals live während einer Auktion hergestellt wurde", und der erfolgreiche Bieter zahlte den Preis des Höchstgebots.
Letztendlich wurde die Kritik selbst in das Auktionsgeschäft integriert, was dazu führte, dass der Marktwert des Werks trotz Banksys eigener Absichten anstieg.

Auswirkungen des Schreddervorfalls

Warum hat Banksy sein Werk geschreddert?
Es soll eine Kritik am Auktionsgeschäft sein, wo nur Geld als Spekulationsobjekt angehäuft wird.
Ironischerweise führte dieser Vorfall jedoch zu einer Explosion von Banksys Bekanntheitsgrad in Japan.

Warum werden die Werke von Banksy wertgeschätzt?

Banksys Werke werden nicht deshalb geschätzt, weil sie einen ästhetischen Wert haben oder wegen ihrer hervorragenden Technik selten sind. Vielmehr sind es seine politischen, präsentativen, planerischen und ausführenden Fähigkeiten, die Banksy - und nicht andere Künstler - berühmt gemacht haben.
In Bezug auf die Art und Weise, wie er dem Betrachter eine Idee vermittelte, war Banksy innovativ, auch wenn er die illegale Methode des "Graffiti" verwendete.

Kolumne: Der Fokus auf Kunst ist hoch. Ausstellungen und ihr Verhältnis zur Wirtschaft

Bücher über Kunst x Wirtschaft und Kunst als Kultur sind beliebt.

Shu Yamaguchis 170.000 Exemplare umfassender Bestseller und die Comic-Verfilmung von Warum trainiert die Weltelite ihren "Sinn für Schönheit"? Kunst und Wissenschaft im Management beschreibt, warum Geschäftsleute Kunst studieren sollten, nur um in einer komplexen und instabilen Welt erfolgreich zu sein.


Darüber hinaus ist das Buch von Koho Suenaga mit dem Titel Art Thinking from the Age of 13: Finding Your Own Answers" von Yukiho Suenaga. ist ein Bestseller, der das "künstlerische Denken", das "neue Fragen" hervorbringen soll, für ein breites Publikum erklärt.


Man kann also mit Fug und Recht behaupten, dass in der Öffentlichkeit ein beträchtliches Interesse daran besteht, wie das Verständnis zeitgenössischer Kunst für die Wirtschaft nützlich sein kann, und dass das "Kunstdenken" als eine dem logischen Denken ebenbürtige Denkweise gilt.

Auch die Zahl der Besucher verschiedener Kunstdienste für Sammler und Ausstellungen zeitgenössischer Kunst nimmt zu. In Kombination mit geschicktem Marketing wurden für die Ausstellung Chiharu Shiota: The Soul Waves im Mori Art Museum im Jahr 2019 insgesamt 670.000 Besucher gezählt.
Dies ist eine bemerkenswerte Zahl für eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die sich mit aktiven Künstlern beschäftigt, im Gegensatz zu einer Ausstellung, die ein festes Publikum anzieht, wie etwa ein Museum.

3. Die Anfänge der abstrakten Kunst. Das quadratische Gemälde von Malewitsch.

Kasimir Malewitsch, der dieses Werk präsentierte, war 1920 ein sowjetischer Maler.
Malewitsch entwarf Bühnenbilder für futuristische Opernproduktionen. Futurismus war der Name einer avantgardistischen Kunstgruppe, deren Werke sehr avantgardistisch waren und aus bedeutungslosen Worten, unzusammenhängenden Handlungen und dissonanter Hintergrundmusik bestanden.
Malewitsch, der damals der Meinung war, dass "die neue Kunst ungegenständlich sein muss", vertrat auch die Ansicht, dass der absolute Wert dieser Bühnenkunst abstrakt und geometrisch sei und keine bestimmten Landschaften oder Figuren darstelle. Malewitsch nannte dies "Absolutismus = Suprematismus" und schuf Gemälde, in denen die Elemente auf das Äußerste reduziert waren.
Das bloße "schwarze Quadrat" stellt nichts dar, sondern existiert nur als "schwarzes Quadrat". Die Absolutheit des Gemäldes ist mit der ikonischen Absolutheit der russisch-orthodoxen Kirche verbunden, die mit dem Ort des Raumes, in dem das Werk zum ersten Mal ausgestellt wurde, einer Ecke der Decke, zusammenhängt.
Die extreme Einfachheit des Gemäldes entsprach der orthodoxen Tradition, die Abgötterei verabscheut, und sie passte auch in die kunstgeschichtliche Epoche, in der die Abstraktion in geeigneter Weise auftrat. In diesem Kontext wurde Malewitsch geschätzt.

4. die Frau von John Lennon, Yoko Ono, war ebenfalls eine zeitgenössische Künstlerin.

Yoko Ono gehörte zu den Künstlern, die zur avantgardistischen Kunstbewegung Fluxus gezählt wurden. Sie ist vielleicht am bekanntesten als John Lennons Ehefrau, aber auch sie selbst erregte mit ihren avantgardistischen Arbeiten, insbesondere in der Performance-Kunst, Aufmerksamkeit.
Eine Monografie mit dem Titel Grapefruitsaft, ein kurioses Buch aus surrealistischen Imperativen, wurde 1964 veröffentlicht. Es handelt sich um eine besondere Form des Kunstwerks, in dem abstrakte oder sehr konkrete Handlungen nur dann vollendet werden, wenn die Vorstellungskraft des Lesers eingesetzt wird.
Die Reaktion auf ihr Werk lautet seither oft: "Ich verstehe nicht", aber nach ihren eigenen Worten ist die Inspiration für ihr Werk "der Akt der Selbstkonfrontation".
In einem Werk steht eine große Leiter in der Mitte der Galerie, und wenn man darauf hinaufsteigt und mit einer Lupe nach oben schaut, kann man das Wort "YES" in sehr kleinen Buchstaben auf einem Gemälde an der Decke lesen.
Dies ist auch das erste Werk von Yoko Ono, das John Lennon gesehen hat, und es hat sowohl eine sehr positive und aufmunternde Botschaft als auch eine innovative Präsentation, die über das konventionelle malerische Werk hinausgeht.

5. der umstrittene Joseph Kosuth-Stuhl

Joseph Kosuths One and Three Chairs, ein Werk, in dem "ein Stuhl, ein Foto des Stuhls und ein vergrößerter Wörterbucheintrag für 'Stuhl'" zusammen gezeigt werden, wurde erstmals 1965 gezeigt.
Die Idee des "Stuhls" (ein Begriff des antiken griechischen Philosophen Platon) wurde auf drei verschiedene Arten in Form gebracht.
Mit anderen Worten kann man sagen, dass er die Idee eines Objekts, die normalerweise nur in visuellen Bildern erfasst wird, mit Hilfe von Sprache, Bildern (Bildern) und Materialien, die mit Semiotik und Semantik verflochten sind, darstellt.
Man kann sagen, dass Kosuths Werk in der Lage war, intellektuelle Fragen in einer Weise aufzuwerfen, die nicht der Art von Malerei entspricht, die man sich von der so genannten "Kunst" vorstellen könnte.

Was sind die Kriterien für die Beurteilung des Wertes von Kunst?

Die Kriterien für den Wert zeitgenössischer Kunst, die oft als schwierig oder bewusst ungewohnt angesehen werden.
Was hier als Pedanterie erscheinen mag, sind in Wirklichkeit die aufrichtigen Gedanken des Künstlers und ernsthafte Fragen über die Geschichte und den Menschen.
Manche Menschen legen es so vor, wie es ist, andere verpacken es in ein anderes Element und legen es vor.
Manchmal sehen sie von außen betrachtet alle gleich aus oder wirken einfach nur schwierig, aber wenn man sie mit Interesse betrachtet, z. B. indem man die Beschreibung des Museums aufmerksam liest, haben sie oft eine überraschend einfache Botschaft.



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