Maler wie Van Gogh und Gauguin werden in Japan ständig ausgestellt.
Sie werden auch als "Postimpressionisten" oder "postimpressionistische" Maler bezeichnet.
In diesem Artikel werden wir die Maler und die Hintergründe von 10 der berühmtesten postimpressionistischen Werke erläutern.

(1) Vincent van Gogh.

Die sternenklare Mondscheinnacht.

1889, Museum of Modern Art (MoMA), New York.
Vincent van Gogh war berühmt für sein Genie und seinen frühen Tod, aber auch dafür, dass er an einer Geisteskrankheit litt.
Im Jahr 1888 lebte van Gogh mit dem Maler Gauguin in Arles, Frankreich, als ihre verschiedenen Streitigkeiten und Unzufriedenheiten explodierten, was zu dem berühmten Vorfall mit dem Ohrenspalten führte.
Nach diesem Vorfall beschloss Van Gogh, sich in die psychiatrische Klinik Saint-Paul-de-Mausole einweisen zu lassen, wo man bei ihm eine "akute Manie mit generalisiertem Delirium" diagnostizierte.
Zu seinem Glück konnte er seine kreative Arbeit während seines Krankenhausaufenthalts fortsetzen. Er verbrachte seine Tage damit, aus seinem eisenbeschlagenen Fenster auf die Aussicht unter ihm zu starren. Hier vollendete er sein berühmtestes Werk, Starry Moonlit Night.
Starry Moonlit Night ist zu verschiedenen Tageszeiten gemalt. Sonnenaufgang, Mondaufgang, sonnige Tage, bewölkte Tage, windige Tage, Regentage - er beobachtete die Veränderungen des Lichts und des Wetters und malte dementsprechend getreu.
Obwohl dieses Werk als Meisterwerk anerkannt ist, war Van Gogh nie zufrieden damit und soll gesagt haben, dass er alles, was er während seines Krankenhausaufenthalts vollendete, als Fehlschlag betrachtete.

(ii) Paul Gauguin.

Woher wir kommen, wer wir sind, wohin wir gehen.

1897, Museum of Fine Arts, Boston.
Während der Arbeit an Where We Come From wurde Gauguin von einer Reihe wichtiger, lebensverändernder Ereignisse getroffen.
Das Werk entstand, während sich Gauguin von Paris aus auf Tahiti, damals ein französisches Überseedepartement, aufhielt, wo er an die tropische Umgebung nicht gewöhnt war und an Dermatitis und Ekzemen sowie an Syphilis und Bindehautentzündung litt.
Außerdem verschlechterte sich seine finanzielle Lage rapide und er begann, Schulden zu machen.
Als seine Familie in Kopenhagen ihn über den Tod seiner Tochter informierte, war Gauguin am Boden zerstört.
Im Herbst 1897, nachdem er sein Werk Woher wir kommen fertiggestellt hatte, wurde Gauguin vom Tod seiner Tochter heimgesucht. Der Tod seiner geliebten Tochter war ein besonderer Schock für Gauguin, dessen Familie zu dieser Zeit nach Kopenhagen ausgewandert war und der ohne Rücksicht auf seine Familie getan hatte, was er wollte.
Das Thema der Geburt und des Verlusts des Lebens kommt auch in diesem Gemälde zum Ausdruck.

(iii) Paul Cézanne.

Der Berg Sainte-Victoire und das Château Noir.

1904 - 2006, Musée d'Artizon
Cézanne versuchte, über die impressionistische Malerei, die den flüchtigen Schimmer des Auges auf die Leinwand zu bannen versuchte, hinauszugehen und Gemälde mit einem robusten Sinn für Volumen zu schaffen, die auf Dauer Bestand haben sollten.
Es war eine äußerst schwierige Aufgabe, die Gegensätze in ein und derselben Bildebene unterzubringen, und für den Künstler war es ein ständiger Prozess von Versuch und Irrtum.
Um dieses Ziel zu erreichen, wählte Cézanne die Einsamkeit, um sich von seinen impressionistischen Kollegen zu distanzieren, und versuchte, dieses Ziel durch die Wiederholung einiger weniger fester Themen zu erreichen.
In den späten 1880er Jahren begann er mit einer Serie von Gemälden des Mont Sainte-Victoire, eines Kalkbergs, der sich im Osten seiner Heimatstadt Aix-en-Provence in Südfrankreich erhebt.
Mit der Zeit wurden die Bilder zu sehr raffinierten Kunstwerken, in denen der festen Oberfläche ein Gefühl von Dynamik und Vibration hinzugefügt wurde, unterstützt von lebhaften Farben. Dieses Werk stellt einen der Höhepunkte seiner Experimente dar.

(iv) Georges Seurat.

Sonntagnachmittag auf der Insel Grande Jatte.

1884-86, The Art Institute of Chicago
Georges Seurat, einer der nachimpressionistischen Maler, die als Neoimpressionisten bekannt sind, ist berühmt für die Entwicklung der pointillistischen Technik.
Der Pointillismus ist eine Technik, bei der anstelle von Linien eine Ansammlung von Punkten oder sehr kurzen Strichen verwendet wird, und wurde unter Bezugnahme auf die Art und Weise konzipiert, wie das Licht auf der Netzhaut eingefangen wird, wie die damalige Forschung im Bereich der Optik ergab.
Diese Technik gab den letzten Anstoß zu der von den Impressionisten entwickelten Methode, "leuchtende Schattenfarben zu erzeugen, ohne die Farbe zu mischen", und erweiterte die Palette der expressiven Methoden in der Malerei.

(5) Henri de Toulouse-Lautrec.

Moulin Rouge.

1892 - 1895
Auf diesem Ölgemälde, das tanzende Menschen im Kabarett Moulin Rouge zeigt, ist Lautrecs eigenes Selbstporträt in einer Ecke des Hintergrunds zu sehen.
In der Mitte des Bildes ist eine Gruppe von drei Männern und zwei Frauen zu sehen, die einen Tisch auf dem Boden des Kabaretts umringen.
Von rechts nach links sind der Schriftsteller Edouard Dujardin, die Tänzerin La Macarona, der Fotograf Paul Secaux, der Fotograf Maurice Guibert und gegenüber Jane Abril zu sehen, die mit ihrem rötlich-orangen Haar die zentrale Figur dieser Gruppe ist.
Im rechten Vordergrund ist ein Teil des Gesichts der britischen Tänzerin May Milton zu sehen, die an einem anderen Tisch zu sitzen scheint. Ihre Lippen sind rot bemalt und ihr Gesicht leuchtet in einem charakteristischen grünlichen Licht und Schatten.
Die Moulin Rouge-Tänzerin La Grue und eine weitere Frau fixieren ihr Haar auf der rechten Seite des Hintergrunds. Im Hintergrund links in der Mitte, vor und neben Dr. Gabrielle Tapier de Sélérand, steht Toulouse-Lautrec selbst, ein kleiner Mann, dessen Wachstum durch einen Beinbruch in seiner Kindheit gestoppt wurde.

6) Paul Signac.

Porträt von Félix Fénéon.

1890, Museum of Modern Art (MoMA), New York
Félix Fénéon war ein Redakteur, Übersetzer, Kunsthändler, anarchistischer Aktivist und Kritiker, der in den späten 1880er Jahren den Begriff Neoimpressionismus verwendete, um das Werk von Signac und Seurat zu beschreiben.
Auf diesem Porträt stellt Signac Féneon im linken Profil dar.
Die Beziehung zwischen Féneon und der Hintergrunddekoration wird als symbolisch angesehen.
1887 schrieb Féneon zur Verteidigung der Neoimpressionisten gegen die Kritik, ihre pointillistischen Gemälde ähnelten Mosaiken und Wandteppichen.
Tritt man ein paar Schritte zurück, so verschwindet die Technik. Die Technik verschwindet, und der Blick wird auf nichts anderes als auf das Wesen des Bildes gelenkt".
Was aber war das Wesen der Malerei zu dieser Zeit?
War sie ein Mittel, um dem Betrachter die Vergänglichkeit der Natur zu vermitteln, oder war sie eine Technik, um Farbe auf die Leinwand zu bringen? Bei diesem Porträt lautet die Antwort: beides und keines von beidem.
Fénéons Vorstellung von Malerei war es, eine überlegene, gereinigte Realität zu schaffen, die von der Persönlichkeit des Künstlers durchdrungen ist.

(vii) Odilon Redon.

Das Auge = Ballon.

1882, Museum of Modern Art (MoMA), New York
Odilon Redon war ein Individualist, der an den Vorrang der Fantasie vor der Naturbeobachtung glaubte und den Realismus und Impressionismus seiner Zeitgenossen zugunsten einer persönlicheren Kunstauffassung ablehnte.
Er studierte in Paris akademische Malerei, war jedoch vom Akademismus enttäuscht und begann 1864 in seiner Heimatstadt Bordeaux mit der Anfertigung von Radierungen.
Dort entdeckte Redon die Lithografie, eine Technik, mit der er unendliche Tonabstufungen, feine Linienführung und reiche Hell-Dunkel-Schattierungen darstellen konnte.
Im Laufe seines Lebens schuf Redon fast 30 Radierungen und 200 Lithografien, meist in Schwarzweiß. Er ließ sich stark von Schriftstellern wie Edgar Allan Poe und Gustave Flaubert inspirieren und war von Flauberts 1874 veröffentlichtem Prosagedicht Die Versuchung des heiligen Antonius so bewegt, dass Redon drei Werke zu diesem Gedicht schuf, von denen eines hier abgebildet ist.

(viii) Maurice Denis.

Polyphemos.

1907 | Sammlung des Puschkin-Museums der Schönen Künste
Denis ist als zentraler symbolistischer Maler bekannt.
Seine Aufmerksamkeit für die Flächigkeit der Malerei wurde später als Ausgangspunkt des Modernismus anerkannt.
In seinem Artikel "Die Definition des neuen Traditionalismus" von 1890 heißt es
Es sollte daran erinnert werden, dass ein Gemälde im Wesentlichen eine flache Oberfläche ist, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge gesammelt wurden, bevor es ein Haudegen, eine nackte Frau oder eine Anekdote irgendeiner Art ist".
Dieser Satz ist berühmt.
Dieses Werk wurde um die Zeit seines Todes veröffentlicht und ist in einer neoklassizistischen Technik gehalten, wobei der Stil des Werks eher mythologische und mythologische Elemente enthält.

(ix) Henri Rousseau.

Traum.

1910, Museum of Modern Art (MoMA), New York
Dieses Werk ist eines von über 25 Gemälden von Rousseau zum Thema Dschungel.
Es war das letzte Werk, das Rousseau vor seinem Tod am 2. September 1910 schuf.
In das Gemälde hat Rousseau große tropische Pflanzen mit großen Blättern eingearbeitet, die er in den botanischen Gärten des Pariser Naturkundemuseums skizzierte. Der linke Arm der nackten Frau ist in Richtung der Löwen und des schwarzen Schlangenbeschwörers ausgestreckt, der in der Mitte des Bildes eine senkrecht nach vorne gerichtete Flöte spielt, die im Dschungeldunkel unter dem schwachen Licht des Vollmondes kaum zu erkennen ist.
Außerdem ist eine rosa Schlange abgebildet, die durch das Unterholz gleitet.
Dem Gemälde wurde ein Gedicht mit dem Titel "Widmung an 'Traum'" beigefügt.

Jadwiga in ihrem schönen Traum

Friedlich schlafend

Gespielt von einem orthodoxen Zauberer

Ich hörte den Klang einer senkrechten Flöte

Die Blumen und die grünen Bäume

Der Mond schien auf die Blumen und die üppigen Bäume

Die Tiere und Schlangen

lauschten der Musik der senkrechten Flöte.

(10) Edvard Munch.

Der Schrei.

1893, Museum der Schönen Künste, Oslo
Dieses Ölgemälde ist ein Synonym für Munch.
Tatsächlich gibt es den Schrei auch in anderen Materialien wie Pastell, Lithographie und Tempera, so dass es insgesamt fünf Schrei-Gemälde gibt.
Die Figuren sind extrem deformiert und unverwechselbar gemalt, der abendliche Blick auf den blutroten Fjord und seine unheimlichen Formen, der dunkle Hintergrund, der mit dem roten Himmel kontrastiert, und die hervorragende Komposition mit Betonung der Perspektive.
Als Munch das Gemälde veröffentlichte, wurde es von den Kritikern seiner Zeit heftig kritisiert, später jedoch umgedreht und hoch gelobt.
1978 stellte der amerikanische Kunsthistoriker Robert Rosenblum die Theorie auf, dass eine peruanische Mumie, die im Museum für Menschheitsgeschichte in Paris ausgestellt ist, das Modell für die Hauptfigur in Der Schrei war.
In der Tat hat die Mumie viele Gemeinsamkeiten mit der Figur in Der Schrei: runde, eingesunkene Augen, ein offener Mund, Hände auf den Wangen und ein ausgemergelter Körper.
Im Jahr 2004 spekulierte ein italienischer Anthropologe, dass die Mumie einer im Naturhistorischen Museum in Florenz ausgestellten Figur nachempfunden sei. Diese Mumie weist weitere Ähnlichkeiten mit dem Gemälde auf, aber auch dieser Abschnitt ist umstritten, da Munch Florenz erst nach der Entstehung von Der Schrei besucht haben soll.



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