Van Gogh, Monet, Rembrandt und Modigliani.
Glauben Sie, dass man die Gemälde einiger der berühmtesten Künstler der westlichen Kunstgeschichte nur im Ausland oder bei Sonderausstellungen sehen kann?
Tatsächlich gibt es in den Sammlungen japanischer Museen eine ganze Reihe berühmter Gemälde.
In diesem Artikel nehmen wir Sie mit auf einen Rundgang durch die berühmten westlichen Gemälde in Japan!
Van Gogh, Sonnenblumen.
Vincent van Gogh, Sonnenblumen, 1888.
Sammlung: Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Art Museum (Shinjuku, Tokio)
Die Sonnenblumen sind das berühmteste Gemälde Van Goghs.
Von den sieben erhaltenen Gemälden befindet sich eines in einer ständigen Sammlung eines japanischen Museums.
Van Gogh entkam der Tristesse von Paris und zog nach Arles in Südfrankreich, einer Stadt mit strahlendem, schönem Sonnenlicht. Er versuchte, seine Arbeit fortzusetzen, während er mit seinem Künstlerkollegen Gauguin in Arles lebte.
Diese Sonnenblume wurde gemalt, um sein Zimmer zu schmücken, während er auf Gauguins Ankunft wartete.
Die Komposition ist seinen anderen Werken sehr ähnlich, zeigt aber, dass er im Hintergrund und auf dem Tisch, auf dem die Vase steht, regelmäßige Akzente setzte und die orangefarbene und gelbe Farbpalette subtil anpasste.
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Millet, Der Sämann.
Jean-François Millet, Der Sämann, 1850.
Kunstmuseum der Präfektur Yamanashi (Yamanashi/Kofu)
Der Sämann von Jean-François Millet ist ein Gemälde, das sich durch die Kraft auszeichnet, mit der es die Bauern feiert, die säen und überleben.
Das Gemälde wurde 1850 im Pariser Salon ausgestellt und soll eine heftige Debatte ausgelöst haben, da es von vielen als politisches Statement verstanden wurde, das gegen das elende Leben der Bauern protestierte.
Auch in technischer Hinsicht war es innovativ, da es einen dicken Farbauftrag aufwies, der in der akademischen Technik verpönt war.
Der Kritiker Théophile Gautier beschrieb es als "eine Figur mit wilden Gesten und einem furchtbar rohen Aussehen, die in den Farben des Bodens gemalt zu sein scheint, in den die Samen gesät werden".
Neben Millet, dessen Gemälde die politische und soziale Realität abbilden, entstehen zur gleichen Zeit die Maler des Réalismus wie Courbet und Daumier, eine Revolution in der Kunstgeschichte, die eine Abkehr von den idealistischen Gemälden der vorangegangenen Epoche bedeutet.
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Monet, Seerosen
Claude Monet, Seerosen, 1918.
MOA Museum für Kunst (Shizuoka/Atami)
Monet verwendete häufig die Technik des "Serialismus". Die Seerosen wurden im Laufe von Monets Leben viele Male gemalt und wurden sein Lebenswerk.
Dieses 130 x 200 cm große Werk ist eine der größten Seerosen in Japan und ein spektakuläres Werk, das sich durch seine beeindruckende Komposition, seine feinen Details und seine Abstufungen auszeichnet.
Dieses Werk, das in der Spätphase seiner Karriere entstand, ist ein interessantes Werk von abstrakter Schönheit, wobei die Linien der Zeichnung, die die Lotusblätter bilden, bewusst beibehalten wurden.
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Modigliani, Mädchen mit Zöpfen
Amedeo Modigliani, Mädchen mit Zöpfen, um 1918.
Kunstmuseum der Stadt Nagoya (Nagoya, Aichi)
Modiglianis Werke sind berühmt für ihre einzigartig deformierten Porträts.
In diesem Gemälde zeigt die Komposition ein braunhaariges Mädchen, das den Betrachter direkt anschaut.
Modigliani soll ein dekadentes, alkohol- und drogensüchtiges Leben geführt haben, doch dieses Werk scheint von einer Gelassenheit erfüllt zu sein, die an ein Gebet erinnert.
Man nimmt an, dass dieses Werk etwa ein Jahr vor dem Tod des Künstlers entstanden ist, als er nach Südfrankreich zog, um dem Chaos in Paris während des Ersten Weltkriegs zu entkommen.
Vielleicht war er sich seiner eigenen Sterblichkeit bewusst, vielleicht war er von der Reinheit des Mädchens beeindruckt, oder beides. Zumindest kann man sagen, dass das Werk von einer reinen Gelassenheit durchdrungen ist.
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Greco, Die Verkündigung
El Greco, Verkündigung, ca. 1590 - 1603.
Ohara-Kunstmuseum (Okayama/Kurashiki)
Das unverwechselbare Werk des spanischen Malers El Greco ist auf den ersten Blick zu erkennen.
Die Szene, in der die Jungfrau Maria vom Erzengel Gabriel die Ankündigung erhält, dass sie den Sohn Gottes in ihrem Bauch trägt, ist in auffälligen Farben und mit einer eindrucksvollen Szenerie dargestellt.
El Grecos Figuren sind sehr groß und oft dramatisch inszeniert, mit dunklen, nächtlichen Räumen und Blitzen. Hervorragend ist auch die intensive Betonung der Schattierungen, z. B. in den Falten der Kleidung, die den Gemälden einen einzigartigen Reiz verleihen, der sich von den realistischen Gegenstücken unterscheidet.
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Rembrandt, Mann mit breitkrempigem Hut
Rembrandt van Rijn, Mann mit breitkrempigem Hut, 1635.
Kawamura Memorial DIC-Kunstmuseum (Chiba/Sakura)
Rembrandt, einer der führenden niederländischen Maler des 17. Jahrhunderts, ist bekannt für seine barocke Hell-Dunkel-Technik und seine gekonnte psychologische Porträtmalerei, die auch Themen und Porträts aus der Mythologie und der Bibel umfasst.
Es ist bekannt, dass dieses Porträt ursprünglich ein Paar mit einem Porträt der Frau des Modells war. Die beiden Gemälde, die im Haus des Auftraggeberpaares nebeneinander ausgestellt waren, wurden wahrscheinlich im Zuge der Erbschaft des Modells getrennt.
Aufgrund seiner Kleidung und anderer Merkmale ist davon auszugehen, dass das männliche Modell ein wohlhabender Bürger war. Das Gesicht des Modells wird von links beleuchtet und sein lebhafter Ausdruck ist in reicher Schattierung dargestellt, und die Details seiner Haut, seines Bartes, seiner Haare, seines Spitzenkragens und seiner schwarzen Gewänder sind realistisch wiedergegeben.
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Renoir, Die zwei Lesenden.
Pierre-Auguste Renoir, Das lesende Ehepaar, 1877.
Das Museum für Moderne Kunst, Gunma (Takasaki, Gunma)
Zu dieser Zeit hat Renoir die Schatten, die den Spitzengrund und die glatte Haut bilden, durch eine Anhäufung feiner Striche dargestellt.
Die Haut des Mädchens, rosa und voller Blut, und die Sanftheit des Mannes, der sie bewacht, werden mit einem freundlichen Blick dargestellt. Bei dem Mädchen handelt es sich um Margot, die Renoir bei zahlreichen Gelegenheiten Modell stand, und um seinen Bruder Edmond.
Renoir, der immer wieder sich selbst und seine enge Familie und Freunde darstellte, ist einer der beliebtesten Maler Japans.
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Manet, Selbstporträt
Edouard Manet, Selbstbildnis, 1878-79.
Artison-Museum (Kyobashi, Tokio)
Manet ist vor allem für seine Darstellungen des Pariser Lebens in der modernen Stadt bekannt, aber er war auch ein Meister des Porträts. So sind nur zwei Öl-Selbstporträts von Manet erhalten (das andere befindet sich in einer Privatsammlung).
Es ist sehr wertvoll, dass eines der beiden Gemälde, die weltweit zu sehen sind, sich in Japan befindet.
Der dunkle, schlichte Hintergrund dieses Werks zeigt den Einfluss der spanischen Malerei, die zu dieser Zeit in Paris sehr beliebt war.
Der Ausdruck des Malers ist sorgfältig und mit feinem Strich ausgeführt, während der Hintergrund und die Gliedmaßen sehr vereinfacht sind.
Manets Meisterschaft in der Vereinfachung vermittelt einen Eindruck von der neuen Kunst des Mannes, der auch als Vater des Impressionismus bezeichnet wird.
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Ensor, Selbstbildnis in einer Maske.
James Ensor, Selbstbildnis in einer Maske, 1899.
Kunstmuseum Menard (Aichi, Komaki)
Der belgische Maler James Ensor verwendete Masken und Skelette als Motive für seine eigenwillige Fantasie. Dieses Selbstporträt, das an seinen großen Vorgänger Rubens erinnert, wurde gemalt, als Ensor 39 Jahre alt war.
Umgeben von Karnevalsmasken, die Bosheit und Täuschung verraten, blickt uns der Maler an.
Der Gesamteindruck des Werks ist durch die verstreuten Blumendekorationen etwas festlich, aber die Masken, die das Bild füllen, haben eine bizarre Atmosphäre, als ob sie auf uns zustürmen würden.
Es ist eine seltene Gelegenheit, ein Meisterwerk zu sehen, das Ansor auf dem Höhepunkt seiner Karriere repräsentiert und in Japan dauerhaft ausgestellt ist.
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Rubens, Zwei schlafende Kinder
Pieter Paul Rubens, Zwei schlafende Kinder, ca. 1612-13.
Nationalmuseum für westliche Kunst (Tokio/Ueno)
Rubens war einer der führenden flämischen und Barockmaler des 17.
Jahrhunderts. Bei diesen Kindern mit unschuldigen schlafenden Gesichtern handelt es sich vermutlich um die Kinder des Bruders des Künstlers, Clara (rechts) und Philippe (links).
Bei diesem mit schnellen Pinselstrichen ausgeführten Werk handelt es sich vermutlich um eine Studie vor dem Hauptwerk.
Technisch gesehen ist es ein gutes Beispiel für Rubens' Technik des farbenfrohen Realismus, bei der er das Thema durch die Verwendung von transparenten und opaken Farben, hellen und dunklen Tönen und Unterschieden in der Dicke der Farbe gekonnt darstellt.
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