Paris, die Hauptstadt der Künste.
Unter den weltberühmten Pariser Museen verfügt das Musée d'Orsay über eine der schönsten und beeindruckendsten Sammlungen, selbst für Kenner.
Es zeichnet sich durch seine Sammlung von Werken aus der Zeit des Impressionismus und Postimpressionismus aus, die als "moderne Kunst" bezeichnet werden.
Zu sehen sind Werke von großen Malern wie den berühmten Monet und Van Gogh.

In diesem Artikel stellen wir Ihnen das Musée d'Orsay vor, von seinen Attraktionen bis hin zur genauen Wegbeschreibung!

Was ist das Musée d'Orsay?

Ein Museum, das einen Bahnhof umnutzt

Wenn Sie das Musée d'Orsay betreten, fällt Ihnen als erstes die majestätische europäische Atmosphäre des Gebäudes auf.
Das liegt daran, dass das Musée d'Orsay ursprünglich für die Pariser Weltausstellung von 1900 erbaut und als Bahnhof von Orsay umgenutzt wurde, der 1986 eröffnet wurde.
Die langen Räume und die runden Decken, die für das Bahnhofsgebäude charakteristisch sind, lassen weiches natürliches Licht auf die Skulpturen fallen und machen es zu einem der schönsten Museen der Welt.

Unterschiede zum Louvre

In Paris befindet sich auch der Louvre, das größte Museum der Welt.
Es ist auch berühmt für das berühmteste Gemälde der Welt, die Mona Lisa, aber was ist der Unterschied zwischen dem Louvre und dem Orsay?

Die Antwort ist das unterschiedliche Alter der Werke in den Sammlungen.
Der Louvre ist ein Museum, dessen Sammlung hauptsächlich aus Werken aus dem Jahr 1848 besteht, während das Musée d'Orsay Werke von 1848 bis 1914, dem Beginn des Ersten Weltkriegs, ausstellt. Dies war eine Zeit des Aufruhrs nach der Französischen Revolution, dem Ende der Monarchie und dem Einzug des Zeitalters des Volkes in Frankreich. Das Museum d'Orsay stellt zahlreiche Werke aus, die die Grundlage für den Impressionismus, den Postimpressionismus und die moderne Kunst bildeten und einen großen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst hatten.

Sehenswerte Werke im Musée d'Orsay

Hier sind zehn Werke aus der Orsay-Sammlung, die man unbedingt gesehen haben muss.

(1) "Der gefallene Graf".

Jean-François Millet, 1857
Das Gemälde Die Ernte der gefallenen Ähre zeigt drei Bauern, die nach der Ernte die abgefallenen Ähren auflesen: Hinter ihnen sind zahlreiche Menschen mit der Ernte beschäftigt, der geerntete Weizen ist aufgetürmt, und ein Bauer zu Pferd ist abgebildet.
Fernab des Erntetrubels heben drei Bäuerinnen schweigend die abgefallenen Ähren auf.
Die Perspektive der Bäuerinnen und des Bauern hinter ihnen wird durch die Luftperspektive ausgedrückt, und das Werk vermittelt ein Gefühl für die Würde der Menschen, die inmitten der Natur des Himmels und der Erde ums Überleben kämpfen.

(ii) Selbstporträt (Van Gogh).

Vincent van Gogh, 1889.
Van Gogh hat die Kunstgeschichte entscheidend geprägt. Berühmt ist er auch für die vielen Selbstporträts, die er malte.
Es heißt sogar, dass er deshalb so viele Selbstporträts malte, weil er aus finanziellen Gründen keine Modelle engagieren konnte.
In seinen zahlreichen Selbstporträts nutzte Van Gogh die Gelegenheit, mit den Techniken der Malerei zu experimentieren, die er kennengelernt und übernommen hatte, wie z. B. den Impressionismus und die Ukiyo-e-Technik.

(iii) "Sternenklare Mondscheinnacht an der Rhone".

Vincent van Gogh, 1888
Eine weitere berühmte Nachtlandschaft von Van Gogh mit dem Titel "Sternennacht im Mondschein", die "Sternennacht im Mondschein an der Rhone", wurde in der südfranzösischen Stadt Arles gemalt. Das Atelier, das Van Gogh in Arles einrichtete, das so genannte Gelbe Haus, war der Ort, an dem er und Gauguin später drei Monate lang zusammenlebten und ihren Zusammenbruch erlebten.
Van Gogh, der auch als "Maler der Farben" bekannt ist, ist für seine einfallsreichen Darstellungen von Nachtszenen bekannt.
Er versucht, sowohl die Sterne am Nachthimmel einzufangen, die seit Urzeiten leuchten, als auch das künstliche Licht der Gaslampen, die in dieser Zeit geboren und verbreitet wurden.

4) "Äpfel und Orangen".

Paul Cezanne, 1899.
Ich will Paris mit Äpfeln überraschen" war Cézannes Gewohnheit.
Ein kleiner schräg gestellter Holztisch scheint mit einem weißen Tuch bedeckt zu sein, auf dem wahllos einige Früchte liegen.
Auf den ersten Blick sieht das Gemälde ganz gewöhnlich aus, doch bei näherer Betrachtung ist die Kanne gekippt, der Teller ist ebenfalls gekippt und das Obst droht herunterzurollen, und die Ecken des Tisches, die durch das weiße Tuch verdeckt werden, sind nicht miteinander verbunden.
Cézannes unverwechselbarer Stil, der auch mit dem Kubismus verwandt ist, bei dem ein einziger Gegenstand aus verschiedenen Blickwinkeln dargestellt wird, wurde durch seine Politik unterstützt, "die Szene aus dem Blickwinkel zu komponieren und darzustellen, aus dem der Gegenstand am schönsten ist".

(5) Frau in Tahiti (am Strand).

Paul Gauguin, 1891
Gauguin arbeitete ursprünglich als Börsenmakler in Paris und begann als Hobby mit der Ölmalerei, die er später zu seinem Beruf machte. Er verkehrte zunächst mit den führenden Vertretern des Impressionismus wie Pissarro, wurde aber allmählich der hektischen Pariser Atmosphäre überdrüssig und zog auf den damaligen französischen Inselstaat Tahiti in Ozeanien.
Das vorliegende Werk stammt aus dem Jahr 1891, dem Jahr, in dem er auf der Suche nach Freiheit und unberührter Schönheit nach Tahiti ging.
Die Frau auf der linken Seite hat die Augen geschlossen, als würde sie über etwas nachdenken, und die andere Frau hält ein Blatt in der Hand und hat einen Ausdruck von Ennui im Gesicht. Diese geheimnisvolle Atmosphäre war genau das, was Gauguin in dem ungezähmten Land Tahiti suchte.

(vi) "Olympia".

Edouard Manet, 1863.
Zunächst einmal ist bemerkenswert, dass das weibliche Modell nackt dargestellt ist. Zu dieser Zeit war es in der Kunstwelt üblich, Frauen nackt darzustellen, aber das Modell in Olympia ist zwar nackt, blickt den Betrachter aber mit einem egozentrischen Blick an. Dies ist eine innovative Darstellung, in der die Frau nicht als unterwürfiges Objekt, sondern als selbstbewusstes Subjekt gezeigt wird.
Bemerkenswert ist auch die Darstellung des Körpers des Modells. In der konventionellen Kunst strebt der weibliche Körper eher nach einer idealisierten Schönheit, während das Modell in Olympia einen realistischen Körperausdruck hat. Dies vermittelt dem Betrachter einen realistischen Eindruck und gibt dem Werk darüber hinaus einen Sinn für seine Zeit.
Ein weiterer reizvoller Aspekt des Gemäldes ist die akribische Darstellung der Vorhänge im Hintergrund und der schwarzen Katze an der Seite des Modells. Auch in diesen Details zeigt sich Manets kreative Ausdruckskraft, die die Vollständigkeit des Werks als Ganzes unterstreicht.

(vii) Der Ball in der Moulin de la Galette.

Pierre-Auguste Renoir, 1863
Die lebendige Atmosphäre, die das Gemälde durchzieht, ist eines seiner attraktivsten Merkmale. In dieser Darstellung eines Balls tanzen, trinken und essen mehrere Personen. Jede Person vergnügt sich auf ihre eigene Art und Weise, so dass der Betrachter das Gefühl hat, mitten unter ihnen zu sein. In der rechten oberen Ecke des Gemäldes befindet sich ein Ausschnitt, der den Blick von einem Aussichtspunkt aus auf den Ballsaal freigibt und dem Betrachter ein Gefühl für die Weite des Raums vermittelt.

Darüber hinaus sind die Gesichtsausdrücke und Posen der Figuren auf dem Gemälde faszinierend dargestellt. Renoir bringt die Persönlichkeiten und Emotionen der Figuren in seinen detaillierten Darstellungen zum Ausdruck. Das Paar in der Mitte des Gemäldes, ein Mann und eine Frau, sind beispielsweise als intimes Liebespaar dargestellt, und ihre Gefühle lassen sich aus ihrem Gesichtsausdruck und ihren Handbewegungen ablesen.

(viii) Blaue Seerosen.

Claude Monet, 1916
Der Reiz dieses Werks liegt in der Darstellung des Lichts, das sich auf der Oberfläche des Teichs mit den blauen Seerosen und der Wasseroberfläche spiegelt. Monet war äußerst sensibel für subtile Veränderungen des Lichts und den Ausdruck von Licht und Schatten, und das Licht auf der Wasseroberfläche und die blaue Färbung sind in schöner Harmonie. Der Teich mit seinen blauen Seerosentönen stellt einen ruhigen und friedlichen Ort dar, der dem Betrachter ein Gefühl der Heilung vermittelt. Monet hat auch die Bildebene schräg gestellt, um die blauen Seerosen größer und dreidimensionaler erscheinen zu lassen.

Darüber hinaus ist Monets technisches Geschick einer der faszinierendsten Aspekte dieses Werks. Monet verwendet eine Vielzahl von Farben, um das Licht auszudrücken, darunter eine Vielzahl von Tönen innerhalb der Blau- und Violetttöne. Er hat auch einen sehr freien Umgang mit seinem Pinsel und stellt natürliche Objekte wie Gras, Blumen und Blätter mit einer einzigartigen Sensibilität dar.

(ix) "Das Atelier des Malers".

Gustave Courbet, 1849
Dieses Werk ist auch als eines der repräsentativen Beispiele für Courbets Streben nach dem, was er "Realismus" nannte, bekannt. Der Realismus zielte darauf ab, die Realität der Gesellschaft in der Kunst realistisch darzustellen, und Courbet war einer der Künstler, die dieser Idee am meisten anhingen. Das Atelier des Malers ist ein Werk, das die Grundsätze des Realismus verkörpert, und einer der reizvollen Aspekte dieses Werks besteht darin, dass es Aspekte der Gesellschaft und der Kultur der damaligen Zeit in der Landschaft darstellt, die der Künstler selbst malt.
Courbet malte auch ein anderes schockierendes Werk, Der Ursprung der Welt, das nur weibliche Genitalien darstellt und sich ebenfalls in der Orsay-Sammlung befindet.

(10) 《Arrangement Nr.1 in Grau und Schwarz - Porträt der Mutter》.

James McNeill Whistler, 1871
Die Hauptattraktion dieses Werks besteht darin, dass das Porträt der Mutter in einer künstlerischen Anordnung präsentiert wird, die sich von einem realistischen Porträt unterscheidet. Insbesondere die Kleidung, die Pose und der Hintergrund der Mutter sind in einem abstrakten, ästhetischen Stil dargestellt, so dass auf den ersten Blick der Eindruck entsteht, dass es sich nicht um ein Porträt handelt. Darüber hinaus vermittelt die Verwendung einer Farbabstufung - blasses Grau und Schwarz - den Eindruck von Einfachheit und Schönheit.
Darüber hinaus enthält das Werk Fragen über das Verhältnis zwischen Kunst und Wirklichkeit. Heussler stellte die vollständige Wiedergabe der Realität in seinen Gemälden in Frage und bestand auf dem künstlerischen Ausdruck von Elementen, die der Realität entnommen wurden. Auch dieses Werk verkörpert diesen Gedanken: Obwohl es sich um ein Porträt seiner Mutter handelt, wurde es künstlerisch bearbeitet, um seinen ästhetischen Wert als Gemälde zu verfolgen.
Dieser Gedanke spiegelt sich im Titel wider, der bei diesem Werk auch "Arrangement" heißt.

Wegbeschreibung zum Musée d'Orsay und Eintrittspreise

Zugang.

Das Musée d'Orsay befindet sich im Herzen von Paris am Ufer der Seine. Es befindet sich auch in der Nähe des Louvre-Museums, weniger als 15 Minuten zu Fuß über die Seine.
Der nächstgelegene Bahnhof ist Gare Musée d'Orsay an der Linie C der RER (Pariser Vorortbahn ).
Die nächstgelegene Metrostation ist Solférino (Linie 12), weniger als fünf Minuten Fußweg vom Solférino entfernt.

Öffnungszeiten und Feiertage

Öffnungszeiten: 9:30-18:00 Uhr (donnerstags bis 21:45 Uhr).
Letzter Einlass 17:00 Uhr (donnerstags bis 21:00 Uhr).
Geschlossen: Montags, 1. Mai und 25. Dezember.

Ungefähre Dauer der Besichtigung.

Bei zügigem Tempo dauert die Besichtigung etwa 2 Stunden, bei normalem Tempo etwa 3 Stunden.
Wenn Sie die Skulpturen und anderen Objekte besichtigen möchten, kann die Führung vier bis fünf Stunden dauern. Planen Sie also genügend Zeit ein.

Eingang.

Es gibt vier Eingänge, A bis C.
Am Tag des Besuchs können Sie an Eingang A Eintrittskarten kaufen, um den Eingang zu betreten. Wenn Sie die Eintrittskarten im Voraus auf der offiziellen Website gekauft haben, nehmen Sie Eingang C.
Da sich am Eingang A oft eine lange Schlange bildet, empfiehlt es sich, die Eintrittskarten im Voraus zu kaufen.

(Referenz) Offizielle Website des Musée d'Orsay

Offizielle Website des Musée d'Orsay

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