Berühmte Gemälde aus aller Welt in Museumssammlungen.
Warum sind sie berühmt? Haben Sie sich jemals gefragt, warum sie berühmt sind?
In 10 berühmte Gemälde aus aller Welt｜Kennen Sie die bleibenden Meisterwerke haben wir berühmte westliche Gemälde vom 15. bis zum frühen 20.
In diesem Artikel stellen wir 10 berühmte zeitgenössische Gemälde aus berühmten Museen auf der ganzen Welt ausführlicher vor.

(1) Salvador Dali, Die Anhaftung der Erinnerung.

Salvador Dali ist ein führender surrealistischer Maler, der unmögliche Motive zu unrealistischen Gemälden kombiniert.
Eines seiner berühmtesten Werke ist die 《Fixierung der Erinnerung》.
Es handelt sich um ein relativ frühes Werk, das 1931 im Alter von 27 Jahren veröffentlicht wurde und bereits Einblicke in seine charakteristischen Wüstenszenen und originellen Motive wie geschmolzene und verformte Uhren und andere seltsame Gegenstände bietet.
Das Werk befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA) in New York und gilt als eines der wichtigsten Gemälde der Kunst des 20. Jahrhunderts.
Jahrhunderts. Auf den ersten Blick mögen die Motive unverständlich erscheinen, doch tatsächlich hat jedes einzelne Motiv des Gemäldes eine versteckte symbolische Bedeutung.

Es heißt, dass Dali von dem Bild einer "schmelzenden Uhr" inspiriert wurde, als er eines Tages ein Stück Camembert-Käse, das Gala, Dalis Partnerin und Modell, nicht gegessen hatte, in der Küche schmelzen sah.
Normalerweise ist eine Uhr ein harter Gegenstand, der die Zeit regelmäßig anzeigen soll.
Da sie schmilzt und sich wie ein Stück Käse verformt, kann man annehmen, dass Dali damit eine Verzerrung von Zeit und Raum zum Ausdruck bringt.
Einstein veröffentlichte seine Allgemeine Relativitätstheorie im Jahr 1915. Es wird vermutet, dass Dali von der Idee beeinflusst wurde, dass Zeit und Raum relativ sind und je nach Blickwinkel verzerrt erscheinen können, was allmählich populär wurde.

Darüber hinaus symbolisiert das seltsame weiße, knödelhautartige Objekt in der Mitte des Bildes Dalis latente Bildsprache. Körperliche und sexuelle Erregung und deren Verfall oder Zusammenbruch. Es wird angenommen, dass dieses mysteriöse Objekt eine Form davon ist.
Und die orangefarbene Uhr im Vordergrund links, wo sich Ameisen versammeln, soll das Konzept des "Verfalls" darstellen.
Jedes der Elemente in Dalis Gemälden ist ein Symbol für seine eigenen Wünsche und das innovative Denken seiner Zeit und zeichnet sich dadurch aus, dass es umso unterhaltsamer wird, je mehr man liest und versteht.

(2) Pierre Auguste-Renoir, Der Ball in der Moulin de la Galette.

Der berühmte impressionistische Maler Pierre-Auguste-Renoir malte das Gemälde Der Ball in der Moulin de la Galette im Jahr 1876.
Die Moulin de la Galette war ein Tanzsaal unter freiem Himmel in Montmartre, einem Viertel von Paris, in dem sich kulturelle Persönlichkeiten trafen.
Galette" bedeutet übrigens "Windmühle", und die charakteristische Windmühle war ein Wahrzeichen.
Das Gemälde wurde auf der Dritten Impressionistenausstellung 1877 ausgestellt und befindet sich heute im Musée d'Orsay in Paris.
Dieses fröhliche Gemälde, das Renoirs Freunden nachempfunden ist, ist sehr ausdrucksstark. Die Sonne bricht durch die Bäume und wirft schöne Muster auf die Menschen und ihre beschwipsten Gesichter, die tanzen und sich amüsieren.
Das Gemälde, das unter den Impressionisten zu den beliebtesten Werken Renoirs zählt, ist in zwei Versionen erhältlich: die oben gezeigte große Version (131 cm x 175 cm) und eine kleinere, vor Ort gemalte Version in Skizzengröße.
Die große Version des Hauptgemäldes wurde 1990, am Ende der Wirtschaftsblase, für 78 Millionen Dollar (den zweithöchsten Preis in der Geschichte des Gemäldes) an Ryoei Saito, den Ehrenvorsitzenden der Daishowa Paper Company (heute Nippon Paper Industries), verkauft (es heißt, dass das Gemälde nach dem Platzen der Blase in die Hände eines Schweizer Sammlers gelangte).

(iii) Jean-François Millet, Der Sämann.

Der Sämann von Jean-François Millet ist ein kraftvolles Gemälde, das die Bauern feiert, die säen und überleben.
Das 1850 entstandene Gemälde befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Fine Arts, Boston, USA, und ist eine der Hauptattraktionen des Museums.
Das Gemälde, das 1850 im Pariser Salon ausgestellt wurde, soll heftige Diskussionen ausgelöst haben, da es von vielen als politisches Statement verstanden wurde, das gegen das miserable Leben der Bauern protestierte.

Frankreich befindet sich zu dieser Zeit in einem wachsenden Konflikt zwischen der Bauern- und Arbeiterklasse, die mit der Februarrevolution und dem allgemeinen Wahlrecht an politischem Gewicht gewonnen hat, und der Bourgeoisie, die versucht, diese Bedrohung zu unterdrücken.
Infolgedessen beschuldigten die Konservativen Millet, dieselbe Art von Schurken zu sein, die man Bauern nennt, während die Linken ihn als Personifizierung des Volkes unserer Zeit hochhielten. Die Gegensätze in der Bewertung lassen die Kraft dieses Werks erahnen, das die verschiedenen Schichten der Franzosen seiner Zeit anzusprechen vermochte.

Auch technisch war er innovativ, da er dicke Farbschichten auftrug, was in der akademischen Technik verpönt war.
Der Kritiker Théophile Gautier beschrieb es als "eine Figur mit wilden Gesten und einem furchtbar rohen Aussehen, die in den Farben des Bodens gemalt zu sein scheint, in den die Saat gesät wird".
Neben Millet, der die politische und soziale Realität darstellte, traten zur gleichen Zeit die Maler des Realismus wie Courbet und Daumier auf, eine Revolution in der Kunstgeschichte, die eine Abkehr von der idealistischen Malerei der vorangegangenen Epoche bedeutete.

(iv) Vincent van Gogh, Sonnenblumen.

Wahrscheinlich hat jeder schon einmal Van Goghs Sonnenblumen in einem Lehrbuch oder auf einem Plakat gesehen.
Tatsächlich gibt es insgesamt zehn existierende Sonnenblumen, die als von Van Gogh gemalt anerkannt sind.
Jede von ihnen wird nach dem Museum, das sie beherbergt, als "00-Ausgabe" bezeichnet. Bei den Sonnenblumen auf dem Bild oben handelt es sich um die Ausgabe der National Gallery, die sich im Besitz der National Gallery in London befindet.
Es wurde 1888 gemalt.
Van Gogh konzentrierte sich im Laufe seiner Karriere mehrmals auf Sonnenblumen, und dieses Bild wurde in Arles in Südfrankreich gemalt, einer Region mit viel Wärme und schönem Licht.
Die Sonnenblumen, die so angeordnet sind, dass sie fast aus der Vase herausquellen, sind in einer einfachen Komposition vor einem Hintergrund in leuchtendem Gelb dargestellt, der gleichen Farbe wie die Sonnenblumen.
Das Werk erinnert an den Kreislauf des Lebens, wobei die straffe Dynamik der Sonnenblumen mit denjenigen koexistiert, die verwelken, während sie nach unten schauen.

Dieses Kunstwerk wurde übrigens im Oktober 2022 von Umweltschützern, die sich für "Just Stop Oil" einsetzten, mit einer Tomatendose beworfen.
Die beiden Aktivisten wurden verhaftet, und das Werk wurde noch am selben Tag gereinigt an die Galerie zurückgegeben.
Der Vorfall hat uns erneut zum Nachdenken darüber gebracht, wie wir mit historischen Kunstwerken umgehen und sie schützen.

(5) Eugène Delacroix, Die Freiheitsstatue, die das Volk anführt.

Dieses Gemälde des bedeutenden romantischen Malers Eugène Delacroix basiert auf der Julirevolution, die 1830 stattfand.
Die Frau in der Mitte des Gemäldes, die in der linken Hand ein Gewehr und in der rechten Hand die französische Flagge hält, ist ein repräsentatives Beispiel für die symbolische französische Frauengestalt, die als "Marianne" bekannt ist und das Volk anführt.

Das Gemälde ist allegorisch, wobei Marianne selbst die "Freiheit" und eine entblößte Brust die "Mutterschaft" symbolisiert.
Die dynamischen, bewegten Kompositionen und die theatralischen Themen des Gemäldes gelten als typisch für die romantische Kunstbewegung.
Seit seinem Erwerb im Jahr 1874 ist es das Herzstück der Sammlung des Louvre und zieht die Aufmerksamkeit von Menschen aus aller Welt auf sich.
Delacroix schuf auch andere dramatische Gemälde zu historischen Ereignissen, wie z. B. Das Massaker auf der Insel Chios.
Referenzwerk: Das Massaker auf der Insel Chios (1823-24, Louvre).

(vi) Francisco de Goya, Saturn verschlingt meinen Sohn.

Saturn verschlingt seinen eigenen Sohn ist ein Gemälde des spanischen Künstlers Francisco de Goya, das zu der Serie der Schwarzen Gemälde gehört.
Die schockierende Thematik, der direkte Titel und die Bilder, die den Inhalt unmittelbar zum Ausdruck bringen, machen es auf den ersten Blick zu einem unvergesslichen Werk.
Das Werk wurde vermutlich zwischen 1819 und 1823 gemalt und befindet sich heute in der Sammlung des Museo del Prado in Madrid, Spanien.

Das Gemälde basiert auf einem mythologischen Thema.
Es stellt die Legende von Saturnus (das Äquivalent zu Kronus in der griechischen Mythologie) dar, dem römischen Gott der landwirtschaftlichen Fruchtbarkeit, der aus Angst vor einer Prophezeiung, dass er in Zukunft von seinen eigenen Kindern getötet werden würde, seine fünf Kinder nacheinander verschlang.
Ursprünglich war Saturnus König des Olymps, der Heimat der Götter, doch in seinem hohen Alter verfiel Saturnus aus Angst vor seinem eigenen Untergang dem Wahnsinn.
Sein mörderischer Akt, bei dem er seine eigenen Kinder vom Kopf abwärts beißt und verschlingt, wird mit Realismus dargestellt.
Viele Betrachter sind angewidert von dem grotesken Realismus der Darstellung.
Gleichzeitig macht die Unmittelbarkeit der Darstellung sie jedoch zu einem seltenen Meisterwerk der Kunstgeschichte.
Dieses Gemälde ist repräsentativ für die Serie der Schwarzen Gemälde, die Goya in seinen späteren Jahren malte. Eine ausführliche Erklärung finden Sie in dem folgenden Artikel.

Was ist Saturn, der seinen Sohn verschlingt? Eine Erklärung von Goyas Meisterwerk!

(vii) Pablo Picasso, Die Töchter von Avignon.

Pablo Picasso, einer der berühmtesten Maler der Welt, malte "Die Töchter von Avignon" im Alter von 26 Jahren, im Jahr 1907, zu Beginn seiner Karriere.
Die Inspiration für dieses Gemälde kam von der "Avenue d'Avignon" in Barcelona, Spanien, einer von Bordellen gesäumten Straße.
Die weiblichen Profile auf der linken Seite des Gemäldes erinnern an die altägyptische Skulptur, die beiden Gesichter in der Mitte an die altspanische Skulptur, und die charakteristisch verzerrten Gesichter auf der rechten Seite zeigen deutliche Einflüsse der afrikanischen Skulptur.
Dieses Werk war der Ausgangspunkt für die als "Kubismus" bekannte Kunstbewegung, die von Picasso und Georges Braque angeführt wurde.
Der Kubismus war weder perspektivisch noch schattentechnisch realistisch, sondern strebte eine neue, der Malerei eigene Ausdrucksform an, in der die Dinge dekonstruiert und anschließend rekonstruiert wurden.
Dieses Werk befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA), New York.

(viii) Piet Mondrian, Komposition in Rot, Blau und Gelb.

Mondrians abstrakte Gemälde sind zeitlos und seine Einfachheit und modernistische Abstraktion haben zeitgenössische Künstler beeinflusst.
Mondrians Ziel war es, mit einfachen Linien, Formen und Farben Gefühle und Empfindungen hervorzurufen.
Mondrian, der sich auch mit der Erforschung universeller und emotionaler Zusammenhänge und der Theosophie beschäftigte, malte in seinen frühen Jahren figurativ.
Beeinflusst durch den Kubismus und andere Einflüsse, ging er allmählich zu einem minimalistischen Ausdrucksstil über.
Dieses Werk, das den Höhepunkt des Minimalismus darstellt, entstand 1930.

Er hinterließ die folgenden Worte.

Ich baue Kombinationen aus Linien und Farben auf einer flachen Oberfläche. Mit höchster Konzentration bringe ich die universelle Schönheit zum Ausdruck. Die Natur (oder was ich sehe) inspiriert mich und gibt mir den Drang, etwas zu schaffen. Aber ich möchte so nah wie möglich an die Wahrheit herankommen und alle Elemente daraus extrahieren. Und ich möchte die Grundlagen erreichen, die dem Ganzen zugrunde liegen... auch wenn sie noch so oberflächlich sind.

Wenn ich horizontale und vertikale Linien mit einem klaren Willen zeichne, aber mit einer erhabenen Intuition, nicht mit einer berechnenden, dann glaube ich, dass es möglich ist, Harmonie und Rhythmus zu schaffen. Die Stärke und Heiligkeit dieser Linien besteht darin, dass sie Kunst sind."

(ix) Paul Cezanne, Äpfel und Orangen.

In diesem Stillleben aus dem Jahr 1899 sind spannungsreiche Verzerrungen zu sehen.
Durch das Zusammenleben von Motiven, die aus verschiedenen Blickwinkeln auf derselben Bildebene zu sehen sind, lässt sich der Effekt beispielsweise an der Diskrepanz zwischen den Rillen des Tisches erkennen. Dies wurde später vom Kubismus aufgegriffen und weiterentwickelt.
Gustave Geoffroy, ein bedeutender Kunstkritiker des 19. Jahrhunderts, erinnerte sich daran, dass Cézanne oft sagte, er wolle "Paris mit Äpfeln überraschen".
Mit diesem Werk zerstörte Cézanne radikal die traditionellen Methoden der Perspektive und der Darstellung.
Motive" als Motiv für "schöne Malerei".
Cézanne und Picasso, der in seine Fußstapfen trat, entwickelten einen solchen Ansatz gründlich weiter, der bis heute die Grundlage der Malerei geblieben ist.

(10) Leonardo da Vinci, Madonna in den Grotten.

Dieses gigantische Werk mit einer Höhe von 2 m befindet sich in der Sammlung des Louvre in Paris.
Es gibt noch ein weiteres Werk mit genau derselben Komposition, das sich in der Sammlung der National Gallery in London befindet.
Auf diesem Gemälde sind die Jungfrau Maria, das Christuskind, der junge Johannes der Täufer und ein Engel vor einer Felsgrotte abgebildet.
Die für Leonardos Malerei charakteristische "Sfumato"-Technik kommt hier voll zur Geltung, um die Komplexität und Tiefe des Raums sowie die weichen Formen der einzelnen Figuren und ihrer Kleidung zu zeigen.
Man nimmt an, dass es zwischen 1483 und 1486 entstanden ist, und Untersuchungen haben ergeben, dass es ursprünglich eines der drei zentralen Gemälde des Kirchenaltars war.
Es zeigt Christus, der sanft von der Jungfrau Maria gehalten wird, und Johannes den Täufer, der mit Engeln in sanftem Licht sitzt.
Mit seiner sanften Atmosphäre, die auch die Mona Lisa ausstrahlt, und seinem sorgfältig gemalten und doch einheitlichen Raum ist es keine Übertreibung zu sagen, dass es sich um eines der schönsten Gemälde der italienischen Renaissance handelt, einer Epoche voller Meisterwerke.




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