Geschichte der Entstehung der zeitgenössischen Kunst

Die zeitgenössische Kunst wird oft als "schwierig" oder "unverständlich" bezeichnet.
Viele Menschen wissen nicht, wo sie anfangen sollen.
Tatsächlich ist die Kunst eine der ältesten menschlichen Tätigkeiten, die länger überlebt hat als die geschriebene Geschichte.
In diesem Artikel wollen wir die Geschichte nachzeichnen und den Weg zur zeitgenössischen Kunst betrachten.

Die Vorgeschichte.

Als die Schrift noch nicht erfunden war, hinterließen die Menschen Tierzeichnungen an Höhlenwänden.
Die berühmten Höhlenmalereien von Altamira und Lascaux sind bekannt.
Es ist noch nicht klar, welche Funktion die Höhlenmalereien damals hatten... ob sie als eine Art Bibel dienten, um den Glauben in kleinen Gemeinschaften zu stützen, oder ob es sich eher um lustige Handspiele handelte.

Im Zusammenhang mit Sprache und Schrift ist es jedoch plausibel, dass Wandmalereien dazu dienten, Geschichten zu erzählen, da die Menschen seit prähistorischen Zeiten ein gewisses Maß an Lese- und Schreibfähigkeit erreicht haben.

Antike - Mittelalter - Renaissance

Von vor 1000 n. Chr. bis zum Mittelalter ist der Großteil der erhaltenen Kunstwerke christliche Kunst, da viele nichtchristliche Religionen die Vergötterung göttlicher Wesen verboten oder durch Rituale ersetzt haben.
In der mittelalterlichen Ikonenmalerei lag der Schwerpunkt eher auf der Heiligkeit, die geraden Linien und menschenähnlichen Formen verliehen wurde, als auf realistischen Darstellungen.


Im antiken Griechenland ist eine sehr gut proportionierte Gruppe von Skulpturen erhalten geblieben.
Wahrscheinlich wurden auch Gemälde angefertigt, aber das damalige Medium (z. B. Holz oder Stein für Skulpturen oder Malerei für Bildhauerei) ist nicht bekannt. Von allen für die Bildhauerei verwendeten Medien (Holz und Stein für die Bildhauerei, Leinwand und Farbe für die Malerei) war Marmor das haltbarste und hat sich bis heute erhalten.



Im 14. und 15. Jahrhundert, zur Zeit der Renaissance, traten große Künstler wie Dürer, Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raphael auf.
Zu dieser Zeit wurde die "Perspektive" formuliert, die bis dahin irgendwie erfasst worden war und es ermöglichte, die Landschaft, wie sie vom menschlichen Auge gesehen wird, und ihre perspektivisch bedingten Verzerrungen genau zu erfassen.

19. Jahrhundert.

Im 19. Jahrhundert führten der Neoklassizismus und andere Bewegungen zur Entstehung einer Reihe von Gemälden, die auf den ersten Blick als schön empfunden wurden. In dieser Zeit wurden die idealisierten Vorstellungen von Schönheit auf die Spitze getrieben.


Der Impressionismus hielt dem entgegen, indem er versuchte, Phänomene wie die Übergänge von Licht und Luft, die im Augenblick sichtbar sind, einzufangen. Dazu brauchte man Farbe in Tuben. Bis dahin konnten Ölfarben, die in Schweineblasen aufbewahrt wurden und nur sehr begrenzt haltbar waren, nur im Atelier verwendet werden. Daher wurden auch Landschaften nur auf dem Feld skizziert und die Farben erst nach der Rückkehr ins Atelier verwendet.
Die Maler des Impressionismus hingegen nutzten die Farbtuben optimal und schufen einen Stil der Ölmalerei direkt im Freien. Auf diese Weise erneuerten sie unsere Vorstellung davon, wie Landschaften für unsere Augen aussehen und was eine realistische Szene ist.

20. Jahrhundert.

Im weiteren Verlauf des 20. Jahrhunderts entwickelte sich eine Haltung, die der "Malerei" an sich einen höheren Stellenwert einräumte.
Der Begriff "Kunst" wurde von verschiedenen Kunstbewegungen wie dem Abstrakten Expressionismus, dem Kubismus, dem Dadaismus und dem Mono-Ha ständig erneuert und aktualisiert.
Der größte Wendepunkt unter ihnen war der große Perspektivwechsel, den Marcel Duchamp in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts vollzog, als er das "Denken" und nicht das "Sehen" in den Mittelpunkt der künstlerischen Tätigkeit stellte.
Jahrhunderts, als er das "Denken" und nicht das "Sehen" in den Mittelpunkt der künstlerischen Tätigkeit stellte. Dies war vielleicht die bedeutendste Revolution in der Geschichte der Kunst seit der Antike, abgesehen von den Veränderungen, die durch Einflüsse außerhalb des rein künstlerischen Bereichs, wie Naturphänomene und technologische Entwicklungen, verursacht wurden.

Was ist zeitgenössische Kunst?

Was war letztlich die zeitgenössische Kunst?
Ein Kunstwerk hat einen Inhalt, der auf verschiedenen Konzepten, Hintergründen und Erzählungen beruht. Und es kann in jeder Form ausgedrückt werden.
Es mag ein Kunstwerk geben, bei dem jeder zugeben möchte, dass es ein zeitgenössisches Kunstwerk ist, obwohl es nichts Greifbares zu sehen gibt.
Man kann sagen, dass der kreative Akt im Kopf des Betrachters, der durch das Werk ausgelöst wird, es zu einem Kunstwerk macht, wie eine Rückkopplungsschleife.

Ein weiterer wichtiger Punkt ist, dass die Geschichte der Kunst nicht immer darin besteht, die Treppe Schritt für Schritt nach oben zu bauen.
Natürlich gibt es hochgradig abstrakte Bereiche wie die Konzeptkunst nur aufgrund der visuellen Künste, die vorher existierten.
Das bedeutet jedoch nicht zwangsläufig, dass Kunstwerke, die vollständig konzeptionell sind, "besser", "neuer" oder "wertvoller" sind.
Es gibt Wertesysteme in der Kunst, die Kunst aus verschiedenen Epochen gleichwertig behandeln können, wie z. B. die Kunst der antiken Höhlenmalereien und die zeitgenössische Medienkunst.

Wie man zeitgenössische Kunst genießen kann

Das Konzept eines Kunstwerks verstehen

Die Kunstwelt, die früher Wert auf schöne Farben und exzellente Verarbeitung legte, hat sich seit Duchamp auf Konzepte konzentriert.

Es ist schwierig, ein Kunstwerk nur mit den Informationen zu verstehen, die dem Auge zur Verfügung stehen. Daher ist es notwendig, den politischen, religiösen und sozialen Hintergrund des Werks zu verstehen, um sein Konzept zu erfassen.

In Joseph Kosuths Werk One and Three Chairs (1965) stehen ein gewöhnlicher Stuhl vor einer Wand, eine Fotografie desselben Stuhls und eine schriftliche Definition des Wortes "Stuhl" aus dem Wörterbuch an der Wand.
Was haben - ausgehend von dem bekannten Motiv des Stuhls - der in der Sprache gesprochene Stuhl", der vermeintlich vor uns sichtbare Stuhl" und der fotografierte Stuhl" gemeinsam? Dieses Werk scheint solche Fragen zu stellen.
Es ist ein Werk, das dem Betrachter Fragen stellt, die wir in unserem täglichen Leben als selbstverständlich ansehen und nicht einmal hinterfragen. Es ist ein konzeptionelles Werk, das ein echtes Symbol der zeitgenössischen Kunst ist.

Empfohlene Werke von TRiCERA

TRiCERA ART verfügt auch über eine große Anzahl zeitgenössischer Kunstwerke, die hauptsächlich auf dem Medium der Malerei basieren, aber auch auf tiefgreifenden Konzepten beruhen. In dieser Ausgabe möchten wir Ihnen drei sorgfältig ausgewählte Werke aus diesem Kreis vorstellen.


c von Yang, Woon-Chul
B 53,00cm x H 45,00cm / ¥256.200


DW_04 von Chizuko Ninomiya
B 91,00 cm x H 91,00 cm / ¥150.000


Sorairo no Ma #24 von Kazunori Fuji
B 65,20cm x H 80,30cm / ¥120.000

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