1. die Mona Lisa

(c. 1503-19)
Das berühmteste Kunstwerk der Welt, die Mona Lisa, lockt täglich Tausende von Besuchern in den Louvre und fesselt sie mit ihrem geheimnisvollen Blick und ihrem rätselhaften Lächeln.
Auf den ersten Blick erscheint das Porträt einer jungen Frau mit dünnem Schleier, schlichten Farben und ohne Schmuck unscheinbar. Gleichzeitig hat sie aber auch eine verwirrende Wirkung auf den Betrachter.
Leute, die das Gemälde gesehen haben, sagen, dass es überraschend klein ist.
Verglichen mit den Menschenmassen, die das berühmteste Werk der Welt besichtigen wollten, wirkt es sogar recht klein. Aber auch in der geringen Größe des Gemäldes kann man das außergewöhnliche Talent Leonardos erkennen.

Die Gesichter der Porträtierten sind weich gezeichnet und zeigen Leonardos Beherrschung des Sfumato (eine künstlerische Technik, die subtile Abstufungen von Licht und Schatten anstelle von Linien zur Darstellung von Formen verwendet).
Der zart gemalte Schleier, das fein geflochtene Haar und die sorgfältige Wiedergabe des gefalteten Tuchs verraten auch Leonardos unermüdliche Geduld bei der Wiedergabe seiner Beobachtungen.
Die Realität wird durch den leicht verwirrten Gesichtsausdruck der Person noch verstärkt. Der Betrachter ist sich nicht sicher, ob ihr Lächeln charmant oder spöttisch ist, denn sie ist eine komplexe Figur, die wie der Mensch gleichzeitig widersprüchliche Eigenschaften verkörpert.

2. das letzte Abendmahl

(c. 1495-98)
Eines der berühmtesten Gemälde der Welt, Das letzte Abendmahl, wurde von Ludovico Sforza, Herzog von Mailand, für die Kirche Santa Maria delle Grazie, ein Dominikanerkloster, in Auftrag gegeben.
Diese Kirche war auch das Patronat von Leonardos erstem Wohnsitz in Mailand.

Im Matthäus-Evangelium, wo Jesus erklärt, dass einer seiner Apostel ihn verraten wird und ihm den Kelch übergibt, ist die Szene des Verrats als fortlaufende Erzählung auf diesem Wandbild dargestellt.
Leonardo, der sich dafür interessierte, wie der Charakter eines Menschen in seiner Haltung, Mimik und Gestik zum Ausdruck kommt, stellt die Reaktionen der Jünger auf die Verkündigung Jesu in unterschiedlicher Mimik und Gestik dar.
Die Haltungen der Apostel scheinen sich zu heben und zu senken, sich zu strecken und zu verrenken, sich zu verflechten, zu flüstern, zu schreien, zu klagen und zu streiten, während Jesus ruhig in der Mitte sitzt.
Aufgrund der experimentellen Malmethode, bei der zwei Schichten Tempera- und Ölfarbe auf den Untergrund aufgetragen wurden, löste sich die Leinwand bald nach der Fertigstellung ab. Es wurde nun restauriert und hat eine robuste Haltbarkeit erlangt.

3. die vitruvianische Zeichnung des menschlichen Körpers

Leonardos Zeichnung "Vitruvianische Figur des menschlichen Körpers" wurde in einem der vielen Notizbücher angefertigt, die er in seinen reifen Jahren mit sich führte.
Dazu gibt es in Spiegelschrift verfasste Notizen über die idealen Proportionen des menschlichen Körpers, wie sie der römische Architekt Vitruv in seinen Büchern über Architektur im 1.
Das Bild zeigt, dass Vitruv lehrte, dass der ideale Mensch in die unvereinbaren Formen eines Kreises und eines Quadrats passt.
Leonardo hat daher zwei Figuren übereinander gelegt, die eine mit ausgestreckten Armen, so dass sie in ein Quadrat passt, die andere mit ausgestreckten Beinen, so dass sie in einen Kreis passt.
Die Arbeit zeigt nicht nur das Bemühen, einen wichtigen Text zu verstehen, sondern auch den Willen, ihn weiterzuentwickeln.
Obwohl Leonardo nicht der erste war, der das Konzept von Vitruv zeichnete, wurde es später zu einer der ikonischsten Zeichnungen der Renaissancezeit, auch weil die Verschmelzung von Mathematik, Philosophie und Kunst ein passendes Symbol der Renaissance war. Die Zeichnung befindet sich heute in der Sammlung der Gallerie dell'Accademia in Venedig, wird aber normalerweise nicht ausgestellt, sondern in einem klimatisierten Archiv aufbewahrt.

4. Selbstporträt.

(c. 1490/1515-16)
Das Rötelgemälde eines alten Mannes mit langem, gewelltem Haar und Bart gilt seit langem als Selbstporträt, und viele Menschen denken daran, wenn sie an Leonardo denken.
Einige Gelehrte sind jedoch der Meinung, dass die Figur mit ihrem zerklüfteten Gesicht, den zerfurchten Augenbrauen und den schrägen Augen viel älter aussieht als Leonardo bei seinem Tod im Alter von 67 Jahren war.
Sie lassen vermuten, dass es sich bei diesem Porträt um eine der grotesken Skizzen der Figur handelt, die er immer wieder in seinen Notizbüchern zeichnete.
Dennoch hebt sich dieses Porträt von anderen schönen Gemälden Leonardos ab und scheint den Adel und die Weisheit der reifen Jahre des Künstlers zum Ausdruck zu bringen.

5. die Jungfrau der Grotten

(c. 1483-86)
Viele Wissenschaftler glauben, dass die Felsenmadonna im Louvre eines von zwei Gemälden ist, die die Legende der Apokalypse von der Begegnung zwischen der Heiligen Familie und Johannes dem Täufer darstellen, der vor Herodes' "Massaker an den Unschuldigen" in Ägypten geflohen ist.
Nach einem langwierigen Rechtsstreit mit der Kirche der Unbefleckten Empfängnis, die das Werk in Auftrag gegeben hatte, malte Leonardo um 1508 eine weitere Version, die sich heute in der Sammlung der National Gallery in London befindet.

Dieses erste Gemälde soll die Ankunft von Leonardos Goldenem Zeitalter der Renaissance einläuten.
In den Gemälden dieser Zeit sind die Figuren in der Regel linear angeordnet, voneinander getrennt und mit starren Formen.
In der Felsenmadonna hingegen sind die Jungfrau Maria, das Christuskind, das Johanneskind und der Erzengel pyramidenförmig angeordnet, wobei sie nicht nur den Raum einnehmen, sondern auch gestikulieren und sich gegenseitig anschauen.
Die junge Maria sitzt auf dem mystischen Felsen und nicht auf einem Thron, wie es auf vielen Gemälden der Frührenaissance dargestellt ist.
Ihr Körper scheint zu schwanken, während sie ihren Kopf neigt, um das links kniende und betende Johanneskind zu schützen, als wolle sie es zum Christuskind auf der rechten Seite schieben.
Der Erzengel zeigt in einer komplexen Pose auf Johannes und blickt dabei zum Betrachter, während Jesus Johannes segnet. Leonardo hat auch die traditionellen heiligen Symbole des Heiligenscheins für Maria und Christus und des Stabes für Johannes entfernt, so dass die Heilige Familie weniger göttlich und mehr menschlich erscheint.

6. weiblicher Kopf.

1500-10
Dies ist ein kleines Werk der Malerei.
Es zeigt eine junge Frau mit zurückgelegtem Kopf und gesenktem Blick. Die Figur erinnert an die Jungfrau Maria in Leonardos Felsenmadonna, und es wird vermutet, dass dieselbe Frau Modell gestanden haben könnte.
Der Spitzname des Gemäldes, "La scapigliata", bedeutet übersetzt "die Zerzauste" und bezieht sich auf die zerzausten Haarbüschel der jungen Frau.
Obwohl die Haarbüschel und die Schultern locker gezeichnet sind, ist das Gesicht sehr gut ausgearbeitet und modelliert sanft die zarten Züge der Frau, von ihren schweren Augenlidern bis zu ihren weichen Lippen.
Das Werk offenbart Leonardos Meisterschaft in der Gestaltung von Konturen mit ausdrucksstarken Strichen und Details mit sorgfältig kontrollierter Wiedergabe.

7. Dame hält einen Marder

(c. 1489 - 1491)
Viele Kunsthistoriker glauben, dass es sich bei der jungen Frau in Die Dame mit dem Baijiao um Cecilia Gallerani handelt, die Geliebte von Leonardos Mäzen, Herzog Ludovico Sforza von Mailand.
Der weiße Marder wurde oft als Wappen des Herzogs verwendet.
Die Frau blickt nach rechts, ihre leuchtenden Augen scheinen auf etwas außerhalb des Rahmens gerichtet zu sein.
Auch wenn dieses Gemälde mit erheblichen Pinselstrichen versehen wurde, einschließlich der Verdunkelung des Hintergrunds, zeigt es doch Leonardos Kenntnisse der Anatomie und seine Fähigkeit, die Figur in Bezug auf Haltung und Ausdruck auszudrücken.
Das zurückhaltende Gesicht, der wachsame Blick und die sanfte Umarmung des imposanten, aufmerksamen Marders mit zurückgelegtem Kopf zeigen die Jugendlichkeit und Gutmütigkeit der Adeligen.
Ihre schlanken Hände zeigen das filigrane Skelett unter der Haut, und auch der Kopf des Ocotillo scheint den Schädel unter dem kunstvoll bemalten Fell erahnen zu lassen.

8. salvador mundi.

(c. 1500)
Im Jahr 2017 sorgte ein Porträt des Salvator Mundi (um 1500, "Heiland der Welt") für Schlagzeilen, als es für den Rekordpreis von 405,3 Millionen US-Dollar versteigert wurde.
Der hohe Preis war umso überraschender, als der Salvator Mundi in schlechtem Zustand war, seine Echtheit angezweifelt wurde und seine Authentizität unter Gelehrten und Kritikern umstritten war.
Viele Kritiker haben auf die schlechte Technik hingewiesen, mit der das Gesicht Jesu dargestellt wurde, auf die steife Haltung, die sich von der für die Meister der Renaissance charakteristischen drehenden Pose unterscheidet, auf die wenig überzeugende Darstellung der Glaskugel und auf die optischen Tricks, die Leonardo gekannt haben muss, die, wenn sie steif ist, das Spiegelbild ihres Besitzers verzerrt hätte.
Christie's, die das Werk ausstellten, wischten diese Kritik jedoch beiseite und erklärten, dass die schlechte Ausführung das Ergebnis der großen Restaurierungen des letzten Jahrhunderts sei und dass die weiche Formung der rechten Hand Jesu und die Feinheit der engen Locken der Technik Leonardos ähnelten.
Der Restaurator behauptete auch, er habe bestätigt, dass das Gemälde mit denselben Materialien wie Leonardo gemalt wurde, insbesondere mit Ultramarin, einem teuren, hochwertigen blauen Pigment, das nur von Meistern verwendet wurde.
Unabhängig von der Echtheit des Werks zeugten das Interesse an ihm und die hohen Gebote bei der Auktion sicherlich von Leonardos unsterblichem Ruf und seiner einflussreichen Stellung in der Kunstgeschichte in den fünf Jahrhunderten nach seinem Tod.

9. Porträt von Ginevra de Benci

(c. 1474/78)
Das Porträt von Ginevra de Benci, das in der National Gallery of Art in Washington, D.C., ausgestellt ist, ist das einzige Gemälde von Leonardo, das in der westlichen Hemisphäre dauerhaft ausgestellt ist.
Es handelt sich um ein frühes Werk, das Leonardo in seinen frühen Zwanzigern vollendete und das einen Vorgeschmack auf die unkonventionellen Methoden gibt, die er im Laufe seiner Karriere anwenden sollte.
Beeinflusst von skandinavischen Malern brach Leonardo mit der Tradition, indem er die majestätische junge Frau in einer Dreiviertel-Pose statt im üblichen Profil darstellte, und man nimmt an, dass er der erste Italiener war, der eine solche Komposition malte.
Die Dreiviertelansicht wurde in der Folge für alle Porträts, einschließlich der Mona Lisa, übernommen und wurde zum Standard für Porträts, der auch heute noch selbstverständlich verwendet wird.
Es wurde auch vermutet, dass Leonardo mit seinen Fingern gemalt haben könnte, als die Farbe noch hart war, da Fingerabdrücke auf der Oberfläche der Farbe zurückbleiben.

Auf der Rückseite umgibt ein Lorbeer- und Palmenkranz einen Wacholderzweig (italienisch Ginepro), um den sich eine lateinische Schriftrolle mit der Aufschrift Schönheit schmückt Tugend" rankt.
Die Vorderseite ist abgeschnitten, und es wird vermutet, dass der untere Teil des Gemäldes aufgrund von Wasser- oder Brandschäden abgeschnitten wurde.
Einige Gelehrte haben spekuliert, dass das Porträt auf der Vorderseite Ginevras Hände dargestellt haben könnte, und es ist möglich, dass die Silberstift-Arm- und Handstudie in der Sammlung von Schloss Windsor als Vorzeichnung diente.

10. die Jungfrau mit Kind und die heilige Anna

(c. 1503-19)
Die Madonna mit dem Kind und der heiligen Anna gilt als das letzte Werk Leonardos.
Es wird gewöhnlich als Leonardos letztes Werk angesehen, das die Heilige Familie aus drei Generationen - die Heilige Anna, ihre Tochter, die Jungfrau Maria und das Kind - in dem von ihm eingeführten kanonischen Stil darstellt.
An der Spitze der pyramidenförmigen Komposition stehend, blickt Anne auf Maria, die auf ihren Knien sitzt, während die Jungfrau Christus sanft zurückhält, während er auf dem Lamm reitet.
Im Gegensatz zu dem wissenden Kleinkind, das Leonardo in der Felsenmadonna darstellt, zeigt die Christusfigur in der Jungfrau mit Kind und Anna eine unschuldige, spielerische Kindheit und scheint einen vertrauensvollen Ausdruck zu haben, wenn er dem Blick seiner Mutter begegnet.
Die intimen Interaktionen zwischen den Figuren zeigen Leonardos Fähigkeit, überzeugende menschliche Beziehungen auszudrücken.

Es zeigt auch Leonardos lebenslanges Engagement, den dreidimensionalen Raum in zwei Dimensionen auszudrücken.
Wie in vielen seiner Werke sind auch hier die Figuren in fantastische Landschaften eingebettet. In seiner Abhandlung über die Malerei verwendet er die Technik der "Luftperspektive", um ein Gefühl der Entfernung auszudrücken, indem er die felsigen Berge im Hintergrund blasser erscheinen lässt als die Landschaft im Vordergrund.
Er verwendete diese Technik bei vielen Landschaften in seinen frühen Werken, wie Die Mona Lisa und Die Jungfrau von den Felsen.