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CURATOR’s EYE

10 zeitgenössische Kunstwerke zum Erlernen des künstlerischen Denkens.

2023/01/19 TRiCERA ART

Künstlerisches Denken ist heutzutage in der Geschäftswelt ein heißes Thema. Die Idee ist, die Denkweise, mit der Künstler ihre Kunstwerke schaffen, für die Wirtschaft zu nutzen. Aber was sind die tatsächlichen Hintergründe und Motivationen, die hinter der Arbeit von hoch angesehenen Künstlern stehen?
Werfen wir einen Blick auf die verschiedenen Denkweisen über Kunst, von bekannten Künstlern bis hin zu solchen, deren Namen man in Japan nur selten hört, die aber weltweit hoch angesehen sind, und zwar im Zusammenhang mit ihren eigentlichen Werken!

Marcel Duchamp

Der Springbrunnen
Von Marcel Duchamp ( 1887 - 1968), der als Begründer der "modernen Kunst" gilt. Dieses Werk gilt als ein Meisterwerk der Ready-made-Kunst.
Indem er ein magnetisches Männerurinal mit "R. Mutt" signierte, behauptete er, dass auch Fertigprodukte als Kunstwerke bezeichnet werden könnten. Das Werk, das damals viele Anfeindungen hervorrief, wird heute oft als Ausgangspunkt für die zeitgenössische Kunst angesehen, als ein monumentales Werk, das den Begriff und das System der Kunst selbst in Frage stellt. Es kann gesagt werden, dass eine Neuinterpretation des "Kunstbegriffs" erforderlich ist, dass ein Kunstwerk nicht deshalb ein Kunstwerk ist, weil es ursprünglich ein Gemälde ist oder weil es im traditionellen Sinne schön ist.
Man kann sagen, dass künstlerisches Denken, wie es hier gesehen wird, die Möglichkeiten bestehender Konzepte erweitert , indem es sie rekonstruiert. Sie geht jedoch unweigerlich mit einer Bewertung des Werks als "minderwertig", "schmutzig" oder "anständig" im Sinne der allgemeinen Werte einher. Wie reagieren Sie darauf, oder lassen Sie die Leute eher aufstöhnen und sagen: "Hmmm, ich verstehe"? Solche Spiele sind in der zeitgenössischen Kunst an der Tagesordnung, und wenn Sie den Rahmen dieser Diskussion auf Ihren eigenen Bereich anwenden, können Sie vielleicht auf etwas stoßen, das Sie noch nie in Betracht gezogen haben.
Es ist anzumerken, dass dieses Werk zwar historisch gesehen von Duchamp stammt, die meisten von Duchamps Readymade-Werken aber nach aktuellem Forschungsstand von Elsa von Freytag-Loringhoven, einer deutschen Avantgarde- und dadaistischen Künstlerin und Dichterin (Elsa von Freytag-Loringhoven ) soll das Werk geschaffen haben.

Donald Judd.

Unbetitelt.
Donald Judd ( 1928-1994) ist berühmt als Vertreter der minimalistischen Kunstbewegung, die im 20. Jahrhundert in den USA aufblühte.
Er schuf eine Reihe von Werken mit dem Titel Ohne Titel, in denen regelmäßig Kisten aus der Wand ragen. Dieses Werk, das auf den ersten Blick nur aus einer Reihe von einfachen Kästchen besteht, beruht auf einer Reihe von Regeln. Die Boxen sind aus Aluminium gefertigt, die Seiten sind mit der Lackfarbe bemalt, mit der Harley Davidsons lackiert werden, und die Ober- und Unterseiten sind aus blankem Metall. 12 Boxen sind jeweils 9 Zoll hoch und haben einen Abstand von 9 Zoll. Außerdem waren die Objekte des Stücks selbst fabrikmäßig hergestellt, da Judd jede Spur von Handarbeit missfiel.
Diese Regeln sind nicht zwangsläufig, aber durch den Akt der asketischen Befolgung bestimmter Regeln verkörperte Judd den Formalismus der Kunst. Einige empfanden dies als visuelle Schönheit, während andere das minimalistische Gefühl des oben beschriebenen Prozesses in Worten erfrischend fanden. Indem fast alle Ornamente entfernt und durch ein Minimum an Objekten ersetzt wurden, entstand eine neue Definition von "Kunst/Kunst" aus den früheren Kunstwerken, die durch die Verwendung verschiedener Farben und Formen ein gewisses "künstlerisches" Gefühl vermittelt hatten.
Dies kann als Beispiel dafür gesehen werden, wie negative Arbeit tatsächlich zu einer neuen Schöpfung führen kann.

Andy Warhol.

Campbell's-Suppendosen
Andy Warhol, der berühmte Meister der Pop Art, schuf dieses Werk zwischen 1961 und 1962. Das Werk, das mit einer als Siebdruck bekannten Drucktechnik hergestellt wurde, besteht aus einer Serie von 32 oberflächlich identischen Dosen Campbell's Tomatensuppe (ein damals beliebtes kommerzielles Lebensmittelprodukt) auf Leinwand. Mit diesem Ansatz machte Warhol eine vernichtende Aussage über die Populärkultur und die Massenkonsumgesellschaft der USA zu jener Zeit. Er wollte vielleicht nicht unbedingt die Gesellschaft kritisieren. In der Kunstgeschichte werden Warhols Errungenschaften oft auf den künstlerischen Wert der Druckgrafik und die Popularisierung der Kunst zurückgeführt, aber vielleicht ist eine persönlichere Motivation - "Ich will ein Popstar sein" - wichtiger. Es ist nicht übertrieben zu sagen, dass die Grundlage für das gängige Verständnis, dass "berühmte zeitgenössische Künstler" auch Mitstreiter sind, selbst wenn sie nicht Mitglieder von Rockbands oder Schauspieler sind, mit der explosiven Popularität von Warhol entstand.

Christo & Jeanne-Claude.

Voller Reichstag｜1995 Foto: Reinhard Krause/Reuters
Das Paar ist berühmt für seine groß angelegten Kunstprojekte, die man als "Verpackungskunst " bezeichnen könnte - eine Idee, die 1958 mit der Verpackung von Alltagsgegenständen begann und sich nach und nach auf große Gebäude (den Reichstag in Berlin, Deutschland), die Natur und ganze Parklandschaften ausweitete. Die Idee wurde im Rahmen der "Land Art" eingeführt. Der Künstler wird oft im Rahmen der "Land Art" präsentiert, was er jedoch bestreitet. Das Paar, das sagt, dass seine Arbeit "wie ein Traum erscheint, wie ein Traum verschwindet und nur im Publikum bleibt", lässt seine verpackten Strukturen nie unberührt, und ihre Arbeit ist nur durch dokumentarische Fotografie zu sehen. Die enormen Kosten für jedes Projekt wurden durch den Verkauf von Original-Kunstwerken von Christo gedeckt, darunter Zeichnungen und Collagen, die die Fertigstellung des Projekts vorwegnahmen, ohne jegliche Unterstützung von Museen, Behörden oder Unternehmen. Nach dem Tod des Ehepaars realisierte die Stiftung, die ihrem Wunsch gefolgt war, die Verpackung des Triumphbogens in Paris und erregte damit großes Aufsehen.
Das Projekt wurde wiederholt von Anwohnern und anderen Personen angefochten, die fragten: "Ist das Kunst?" Jedes Projekt benötigte von seiner Konzeption in den 1960er Jahren an mehrere Jahre oder Jahrzehnte zur Realisierung.

Pierre Huyg.

'Nach dem Leben ist vor dem Leben'
Die Werke von Pierre Huigues ( 1962 - ) präsentieren eine Weltsicht, die an Science-Fiction erinnert. Science Fiction ist zwar auch Science Fiction, aber sie ist auch als spekulative Fiktion konzipiert. Die Werke verhalten sich wie intelligente Lebensformen, die lernen, sich selbst korrigieren und sich weiterentwickeln. Durch die Einbeziehung verschiedener Disziplinen und Techniken, nicht nur der Kunst, wird eine "Umgebung", die noch niemand zuvor gesehen hat, als Kunst präsentiert.
Das künstlerische Denken, das hier zu beobachten ist, beschränkt sich nicht mehr auf Wortspiele wie die Analyse und Neudefinition bestehender Begriffe. Vielmehr ist es ein Werk, das uns daran erinnert, dass unsere Welt von nicht-menschlichen Dingen umgeben ist und dass diese "nicht-menschlichen Dinge" mit Hilfe einer Reihe von zeitgenössischen Forschungen und Fähigkeiten geschaffen werden.

Marina Abramovic.

《Rhythmus 0》.
Marina Abramovic ( 1946 - ), bekannt für ihre radikale performative Kunst, präsentierte 1974 in einer New Yorker Galerie eine Performance mit dem Titel 《Rhythm 0》. Die Künstlerin selbst spielte eine völlig passive Rolle, und auf einem Schreibtisch neben ihr lagen 72 verschiedene Gegenstände mit der Maßgabe, dass "es dem Betrachter freisteht, diese Werkzeuge gegen die Künstlerin einzusetzen", die sechs Stunden lang als Objekt im Raum agierte. Anfangs schenkten die Besucher Abramović zum Beispiel Rosen. Aber auch gefährliche Werkzeuge wie Scheren, Messer, eine Pistole und eine einzelne Kugel wurden platziert, und die allmählich eskalierende Performance endete, als ein Besucher den extremen Punkt erreichte, eine gefüllte Pistole auf einen unbewaffneten Künstler zu richten.
In dieser Ausstellung, die einem sozialen Experiment ähnelt, wollte der Künstler nach eigenen Angaben "testen, inwieweit Menschen in einem Raum brutal sein können, ohne dass dies soziale Folgen hat".
Ihre Arbeit, die ein starkes soziales und politisches Element innerhalb der performativen Kunst aufweist, ist nicht radikal um der Radikalität willen, sondern als notwendige Strategie, um das Wesen der menschlichen Natur aufzuspüren.

Olafur Eliasson.

Das Wetter-Projekt
Olafur Eliasson ( 1967 - ) ist ein Künstler, der häufig ortsspezifische Installationen schafft. Er interessiert sich sehr für Naturphänomene und Architektur und benutzt manchmal Maschinen und andere Objekte, um Räume zu schaffen, die an Naturphänomene erinnern, mit dem Ziel, die Sicht und Wahrnehmung des Betrachters zu erschüttern. In diesem Werk wird eine riesige orangefarbene Lichtquelle, wie ein Sonnenuntergang, im Museum nachgebildet.
Die raue Natur seines Heimatlandes Island hat einen großen Einfluss auf seine Kunst. Dort sind die schönen und spektakulären Vorgänge auf der Erde - Gletscher, Kontinentalquerschnitte und kalte Meere - präsent, aber es ist auch ein Gebiet, in dem die Auswirkungen der globalen Erwärmung immer deutlicher zu spüren sind. Eliasson verbindet das künstlerische Denken mit der Gesellschaft, indem er durch seine Kunstwerke, die Licht- und Wasserphänomene nachbilden, Fragen auf eine Weise aufwirft, wie es nur die Kunst kann.

Hito Steyer.

Factory of the Sun｜2015, Mit freundlicher Genehmigung der Andrew Kreps Gallery, New York
Hito Steyer ist ein Filmemacher und Künstler, dessen Arbeit im Bereich des essayistischen Dokumentarfilms innovativ ist. Er interessiert sich für Technologie, die globale Verbreitung von Bildern und insbesondere für die Auswirkungen von Bildern auf die Gesellschaft. Sie ist vor allem für ihre Videoarbeiten bekannt und eine anerkannte Künstlerin, die die Grenzen des Kinos erweitert und sich mit konzeptionellen, aber wichtigen zeitgenössischen Themen auseinandersetzt.
In seiner Arbeit mischt er Fiktion und Fakten, Computergrafiken und Dokumentarfilme. Themen wie Militarismus, das Aufkommen von Überwachungsgesellschaften und alternative Wirtschaftsformen sind aktuelle Themen, die jeder als seine eigenen betrachten kann. Es wird jedoch mit einer Kombination aus Pop und Humor präsentiert, ohne dabei steif und belehrend zu wirken.
Egal, wie schwer das Thema ist, die Kunst braucht eine gewisse Leichtigkeit. Eine solche Leichtigkeit des Blicks und eine Vermischung von Fähigkeiten sollte durch kritisches Denken unterstützt werden, das Ihnen in anderen Bereichen gute Dienste leisten wird.

Mark Bradford.

BLACK VENUS, 2005 © Mark Bradford (mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Hauser & Wirth) Foto: Bruce White
Mark Bradford ist ein zeitgenössischer Künstler, der hauptsächlich mit abstrakter Malerei arbeitet. Er ist bekannt für seine großformatigen, rasterartigen Werke, die Farbe und Collage kombinieren und sich durch die Einbeziehung von Alltagsgegenständen wie Plakatresten und Visitenkarten auszeichnen. In seiner Arbeit befasst sich Bradford mit sozialen und politischen Themen wie der Ausgrenzung von Gemeinschaften und gefährdeten Gruppen durch die Machthaber. Er beschreibt seinen Stil als "soziale Abstraktion".
Wie kann er die zeitgenössische Gesellschaft durchdringen und gleichzeitig an den traditionellen Formen der Malerei festhalten? Diese Herausforderung hat einen Denkrahmen, der den heutigen Geschäftsleuten gemeinsam ist, die ihre eigenen Stärken nutzen , um ihr Denken weiterzuentwickeln und dabei auch das Umfeld mit einzubeziehen.

Banksy.

Banksy, ein Straßenkünstler, der in den letzten Jahren in Japan sehr populär geworden ist, hat einen Stil, bei dem er mit auffälligen Illustrationen und Texten Botschaften an die Gesellschaft an die Wände der Stadt schreibt. Bei dieser Technik, die als Schablonieren bekannt ist, wird im Voraus eine Form mit Löchern in der gewünschten Form hergestellt, die dann an die Wand gehalten und besprüht wird, so dass man schnell ein Graffiti hinterlassen kann, bevor die Polizei es findet. Der Grund, warum er es wagt, eine Methode anzuwenden, die oft eher als illegal denn als Kunst eingestuft wird, ist, dass die Menschen, denen er seine Botschaft vermitteln will, und die Art und Weise, wie er sie vermitteln will, wir sind, die Menschen auf der Straße.
Sie können Ihren eigenen "richtigen" Weg finden, indem Sie die Menschen in Ihrem Umfeld mit einbeziehen, selbst wenn es sich um einen scheinbar stark kritisierten Weg handelt. Das ist eine gefährliche Methode, aber es gibt viele Punkte, die wir daraus lernen können, wenn auch nur teilweise.