Post-Impressionismus, Kubismus und Symbolismus

Die zweite Hälfte der Periode, die der modernen Kunst zugeordnet wird, Post-ImpressionismusKubismus, Kubismus und Symbolismus Kunstbewegungen entstanden.

Post-Impressionismus

Der Postimpressionismus wurde von Malern wie Van Gogh und Gauguin vertreten, die die einzigartige Ausdruckskraft der Farbe selbst nutzten.

Vor allem Van Gogh und Gauguin beeinflussten spätere Kunstströmungen wie den Fauvismus, den Expressionismus, die abstrakte Kunst und den Primitivismus.

Vincent van Gogh, Sternennacht im Mondschein, 1889, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Fauvismus.

Anfang des 20. Jahrhunderts, Henri Matisse Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy und andere revolutionierten die Kunstwelt in Paris.

Sie waren bekannt als die Fauvisme (Fauvisme), die die Farbe als eigenständige Ausdruckskraft betrachteten. Sie sahen die Farbe als besonders wichtig an, um die inneren Gefühle und Empfindungen des Menschen auszudrücken, und untersuchten die autonomen Welten, die durch die Farbe selbst entstehen.

Henri Matisse, Tanz (I), 1909, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Der Tanz (I) von Henri Matisse ist ein besonders wichtiges Werk sowohl für Matisse' eigene künstlerische Laufbahn als auch für die Entwicklung der modernen Malerei.

Das Werk soll den in der primitiven Kunst verborgenen künstlerischen Impuls der frühen Menschheit widerspiegeln.

Auf dem Gemälde sind die menschlichen Figuren in warmen Farben gehalten, die im Kontrast zu dem kalten blaugrünen Hintergrund stehen, und die nackten Frauen tanzen rhythmisch und halten sich an den Händen im Kreis. Es scheint ein Gefühl der Freiheit der Gefühle und des Hedonismus zu vermitteln, das durch nichts Bestimmtes gebunden ist.

Der Kubismus.

Die dritte Tendenz ist der Kubismus.

Der Kubismus betont kunsthistorisch gesehen die intellektuelle Komposition und Form gegenüber sinnlichen und bewegten Eindrücken Paul Cézanne. Cézannes Theorie des Ausdrucks.

Der Einfluss von Cézanne ist stark im Werk von Pablo Picasso. Pablo Picasso. Picasso sah die natürlichen Formen als eine Anhäufung von Würfeln, Kugeln und Kegeln, die er nach der Methode von Cézanne auftürmte, um das Motiv zu "komponieren", anstatt es abzubilden. Kubismus Malerei.

Das Gemälde von 1907 Die Töchter von Avignonaus dem Jahr 1907 ist eines der repräsentativsten Werke des Kubismus. Es war eine radikale Revolution gegen die abendländische Maltradition und führte primitive Kunsttechniken und eine flache, räumliche Komposition ein, die nicht durch die herkömmliche Perspektive eingeschränkt wurde.

Paul Cézanne, Berg Saint-Victoire, 1904, Musée d'Orsay.

Pablo Picasso, Die Töchter von Avignon, 1907, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Symbolismus

Letzterer entstand im 19. Jahrhundert als Reaktion auf den Realismus, der sich an der sichtbaren Welt orientierte, und den Impressionismus, der eine Erweiterung desselben war, Symbolismus Der Symbolismus ist eine Reaktion auf Van Goghs Realismus und Impressionismus.

Der Symbolismus ist ein Kunststil, der sich fast parallel zur spätimpressionistischen Bewegung von Van Gogh, Gauguin und Cézanne entwickelte.

Als Reaktion auf den Impressionismus neigten die symbolistischen Maler dazu, die intellektuelle Komposition und Form gegenüber den sinnlichen und bewegten Eindrücken ihrer eigenen inneren Welt zu betonen.

Der Symbolismus findet sich in ganz Europa, in den USA und in Russland, Gustave Moreau. Odilon Redon und die britischen Präraffaeliten ,, Gustav Klimt ,, Arnold Becklin ,, Edvard Munch und Edvard Munch gehören zu den führenden Malern.

Was die Einflüsse auf spätere Generationen betrifft, so ist der Symbolismus unter anderem durch folgende Künstler vertreten Wassily Kandinsky und Piet Mondrian ,, Russische Avantgarde (Kunstbewegung) ,, Surrealismus(Kunstrichtung).

Odilon Redon, Zyklopen (1898 - 1914), ein Hauptwerk des Symbolismus, Kröller-Müller Museum.

Hauptwerk des Surrealismus, Salvador Dalí, Die Fixierung der Erinnerung, 1931, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Andere Kunstströmungen

Neben den oben genannten Kunstrichtungen gibt es noch die als Primitivismus" und naive Kunst" bekannten Strömungen.

Bei der naiven Schule handelt es sich um Werke von Künstlern, die keine formale Kunstausbildung genossen haben und Autodidakten sind, die sich durch ihre Einfachheit und Originalität auszeichnen.

Der Sonntagsmaler Henri Rousseau ist ein repräsentativer Künstler.

In den meisten Fällen waren die Künstler der Naiven Kunst Autodidakten in Technik und Komposition und arbeiteten zum persönlichen Vergnügen, während sie ihren Lebensunterhalt in anderen Berufen verdienten.

Diese spontane Strömung (die von Kunsthistorikern zu einem späteren Zeitpunkt und nicht nach den Absichten des Künstlers kategorisiert wurde) wird daher der Einfachheit halber mit dem Begriff "Schule" im Gegensatz zu "˜ismus" bezeichnet, obwohl sie nicht genau als Kategorie der Kunstbewegung definiert ist.

Henri Rousseau, Kind mit einer Puppe, 1908

Zusammenfassung der künstlerischen Bewegungen, die die moderne Kunst ausmachen

Werfen wir noch einmal einen Blick zurück auf die künstlerischen Bewegungen, die die moderne Kunst geprägt haben.

Die erste Hälfte der modernen Kunst:

Romantik, Realismus, Impressionismus

Zweite Hälfte der modernen Kunst:

Post-Impressionismus, Kubismus, Fauvismus, Symbolismus, Rustikalismus.

Diese führten zu späteren Kunstbewegungen. Obwohl die Meinungen selbst unter Fachleuten auseinandergehen, wurde der Impressionismus zur Quelle des Abstrakten Expressionismus, auf den der Postimpressionismus und eine Mischung aus Wiener Sezession und Jugendstil folgten, die hier nicht vorgestellt werden, und dann der deutsche Expressionismus, und so weiter, und das Entstehen und Verschwinden von Kunstbewegungen. Keine einzige Kunstrichtung bleibt über Jahrhunderte hinweg bestehen, da das Leben der Künstler begrenzt ist, aber sie beeinflusst weiterhin zeitgenössische Künstler, Kritiker und Kunsthistoriker, indem sie entdeckt wird oder umgekehrt so allgegenwärtig wird, dass sie unbemerkt bleibt.

Anhang: Der Vorabend der Geburt der modernen Kunst

Es wird zwischen moderner und zeitgenössischer Kunst unterschieden. Hinsichtlich des Ausmaßes des Einflusses der modernen Kunst kann man jedoch sagen, dass die moderne Kunst in gewissem Sinne bis in die Gegenwart des 21. Jahrhunderts reicht. Wie zu Beginn dieses Artikels kurz erwähnt, wollen wir uns die Entstehung der "modernen" Kunst in Bezug auf die Vormoderne genauer ansehen.

Industrielle Revolution

Die Geburt der modernen Kunst lässt sich auf die industrielle Revolution des 18. und 19. Jahrhunderts zurückführen, die in Westeuropa und Nordamerika bedeutende technologische Neuerungen in Produktion und Transport mit sich brachte und die wirtschaftlichen, sozialen und kulturellen Strukturen revolutionierte.

In dieser Zeit veränderte ein neues Transportmittel, die Dampfmaschine, die Art und Weise, wie die Menschen leben und arbeiten. Das Reisen wurde möglich, und es wurde einfacher, ins Ausland zu reisen, vor allem in das eingeschlossene Europa, wodurch sich die Welt der Stadtbewohner erweiterte und der wirtschaftliche, kulturelle und ideologische Austausch beschleunigt wurde. Mit dem Aufschwung der städtischen Zentren strömten die Arbeiter in die Städte, um in industrieintensiven Unternehmen zu arbeiten, und die Stadtbevölkerung wuchs rasch. Während der Kapitalismus durch wissenschaftliche und technische Fortschritte und die industrielle Revolution hoch entwickelt wurde, kann man sagen, dass er zu einem Rückgang des Glaubens und zur allmählichen Schwächung und Säkularisierung der christlichen sozialen Autorität geführt hat.

Eröffnung der Stockton and Darlington Railway, 1825.

Veränderungen der ästhetischen Vorstellungen angesichts des gesellschaftlichen Wandels

Die Veränderungen in der abendländischen Kunst sind ebenfalls eng mit diesen sozialen Veränderungen verbunden. Parallel zur oben erwähnten Förderung der physischen Mobilität durch die Eisenbahn vollzog sich in der Kunst ein Wandel hin zum Individualismus und eine Abkehr von traditionellen Werten, die das klassische Schönheitsideal als absolute Norm ansahen, hin zu modernen Werten, die die Schönheit als subjektiv relativierten.

In seinem Text "Über die Spielarten der Schönheit" (1857) vertrat der romantische Maler Delacroix die Ansicht, dass Schönheit nicht nur in der griechischen Antike zu finden ist, sondern dass verschiedene Zeiten und Regionen unterschiedliche Schönheiten aufweisen und dass große Dichter und Künstler Schönheit aufgrund ihrer Individualität und Einzigartigkeit schaffen. Dieser Wandel in der Definition von Schönheit ist eine grundlegende Abkehr von der vormodernen Auffassung von Kunst.

In der zeitgenössischen Kunst des 21. Jahrhunderts und in der so genannten Kunstwelt gibt es nach wie vor einen zeitgenössischen Kunstmarkt, der von der Populärkultur beeinflusst ist, und ein grundlegendes Verständnis relativer ästhetischer Konzepte hat sich bis in die heutige Zeit erhalten.

Bewertungssysteme für ästhetische Werte

Es ist nicht zu übersehen, dass sich ein Wandel der Kunstwerte in der Rezeption von Kunstwerken vollzog: Ab dem Ende des 19. Jahrhunderts verlagerte sich die Einstufung ästhetischer Werte vom traditionellen "akademischen" zum "kritischen System". Für diesen Kommentar wollen wir die Entstehung des modernen Individualismus noch einmal Revue passieren lassen.

Vor der Moderne fertigten die Künstler in der Regel Werke im Auftrag wohlhabender privater Mäzene und Kirchen an. Die meisten dieser Kunstwerke gehörten zur Gattung der Historienmalerei, die biblische oder mythologische Szenen darstellte und dem Betrachter ihren Inhalt vermittelte.

In der Neuzeit, mit der Entwicklung des Kapitalismus und des Bürgertums, wurden nicht mehr Könige, Aristokraten und religiöse Mächte, sondern Bürger aus der Mittelschicht das neue Publikum für die Malerei. Dieser Wandel des Publikums wirkte sich stark auf die Kunstwerke selbst aus: An die Stelle von Historien-, Porträt- und religiöser Malerei traten vermehrt leicht zugängliche und zugängliche Landschafts- und Genrebilder.

Dies machte es für die Künstler weniger zwingend, sich in der akademischen Welt durchzusetzen. Courbet, Manet und die Maler des Impressionismus distanzierten sich vom französischen akademischen System und hatten Erfolg, indem sie vom Bürgertum, insbesondere in den USA, über den Kunsthandel akzeptiert wurden. Damit verlagerte sich das System der Bewertung ästhetischer Werte vom Akademismus zu den Akteuren von Kritikern und Kunsthändlern: Ein solches "kritisches System", das Ende des 19. Jahrhunderts entstand, bildete einen neuen Rahmen für die Rezeption der Malerei und funktioniert bis heute in der Kunstwelt.

Kahnweiler (Daniel Henry Kahnweiler, 1884 - 1979), ein prominenter kubistischer Kunsthändler, der unter anderem Pablo Picasso und Georges Braque vermittelte, gilt als Pionier unter den Galeristen der zeitgenössischen Kunst und schuf ein neues Kunstmarktsystem.

Der Crosby-Garrett-Helm bei der Versteigerung bei Christie's, London, am 7. Oktober 2010.

Populäre Kunst

Das 19. Jahrhundert war auch durch die Entwicklung der populären Künste wie der Druckgrafik, des Kunstgewerbes und des Grafikdesigns gekennzeichnet, die im Gegensatz zu den traditionellen bildenden Künsten wie Malerei, Bildhauerei und Architektur standen, Lautrec. Alphonse Mucha und andere populäre Illustratoren.

Henri de Toulouse-Lautrec Moulin Rouge, La Goulue, 1891

Alphonse Mucha F. Champenois Imprimeur-Éditeur, 1897, Lithographie

Mit der Entwicklung des Bürgertums blühten Tapeten, Möbel, Buchillustrationen und -einbände, Glasmalereien und Wandteppiche, Mosaike und die Keramikindustrie auf, und in Europa verbreitete sich eine hochkünstlerische dekorative Kunst, die sich von der bloßen Dekoration absetzte. Die Präraffaeliten und die Arts-and-Crafts-Bewegung von William Morris sind die besten Beispiele dafür; der Jugendstil, der Ende des 19. Jahrhunderts populär wurde, kann als Höhepunkt der Kunstgewerbebewegung des 19.

Wandteppich von William Morris, 1885.

Der Aufstieg der populären Kunst im 19. Jahrhundert teilt sich heute im 21. Jahrhundert insofern, als die Straßenkunst mit Mitteln wie Sprühkunst auf Stadtmauern, Aufklebern, Schablonen und Schildermanipulationen neben der bildenden Kunst zu vermarkten beginnt.

Banksy Anarchistische Ratte, fotografiert von Shermozle

Das neue Medium der Fotografie

Es sind neue Medien aufgetaucht, die als Kunst auf Augenhöhe mit der Malerei angesehen werden können.

Ein typisches Beispiel dafür ist die "Fotografie": Seit der Erfindung der Daguerreotypie, des ersten fotografischen Verfahrens, im Jahr 1839 hat sich die Kunst der Fotografie weiterentwickelt und die Fähigkeit zur realistischen Darstellung erlangt, wodurch der Status der realistischen Malerei bedroht wurde.

Die Maler mussten daher andere Ausdrucksmöglichkeiten als die Fotografie finden, und es entwickelten sich der Impressionismus und die Romantik, die eher das wiedergaben, was der Maler subjektiv empfand, als die Realität, wie sie war.

Andererseits hat die Fotografie auch Alfred Stieglitz. und andere begannen, sich von der Wiedergabe der Wirklichkeit, wie sie ist, wegzubewegen und zur "Kunst" wie die Malerei zu werden.

Das Aufkommen des bewegten Bildes (1859) hatte ebenfalls einen großen Einfluss auf die Malerei. Man kann sagen, dass die Erfindung des bewegten Bildes die Bedeutung der narrativen Darstellung in der Malerei verringerte und die Künstler dazu motivierte, Merkmale zu verfolgen, die der Malerei eigen waren.

Alfred Stieglitz, Fräulein S.R., 1905.

Kontakt mit anderen Kulturen - das Zeitalter der Weltausstellungen

Die Veränderung der Kunst des 19. Jahrhunderts durch den Kontakt mit anderen Kulturen, wie Orientalismus, Japonismus und Primitivismus, sollte nicht vergessen werden: Es ist nicht übertrieben zu sagen, dass das 19. Jahrhundert das Zeitalter der Weltausstellungen war.

Dieses Thema steht in engem Zusammenhang mit der zunehmenden Kolonisierung durch die westlichen Mächte im 19. Der territoriale Ehrgeiz der Westmächte, ihren Einflussbereich auf die ganze Welt auszudehnen, verringerte schnell die Distanz zwischen dem Westen und der Außenwelt, was dazu führte, dass ein breites Spektrum an Kultur und Kunst nach Europa importiert wurde.

Dies war die Geburtsstunde der Weltausstellungen. Vor allem die Pariser Weltausstellungen, die zwischen 1855 und 1900 fünfmal stattfanden, hatten einen großen Einfluss auf die Künstler. Der Japonisme setzte sich in der westlichen Kunst übrigens erst 1867 durch, als Japan zum ersten Mal offiziell an der Pariser Weltausstellung teilnahm.

Pariser Weltausstellung von 1900

Außenseiterkunst

Heute. Outsider-Kunst steht in der Tradition der Rustic School und des Primitivismus, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts populär waren. Jahrhunderts populär waren. Kunsthistoriker zögern oft, die Künstler, die in diese Kategorie fallen, zu kontextualisieren, weil sie etwas Besonderes sind und sich nicht bewusst sind, dass sie innerhalb der Strömung der Outsider-Kunst arbeiten, aber ihre Originalität und Innovation sind es wert, erwähnt zu werden. Das gilt auch für, Henry Darger. und andere, sind oft Gegenstand interessanter Betrachtungen aus der im 20. Jahrhundert entwickelten psychoanalytischen Perspektive, da diese Künstler oft psychisch krank oder sozial schwer gestört waren.

Henry Darger |In den Gefilden des Unwirklichen

Sozialer Aktivismus.

Jede Aktivität, die eine soziale oder politische Botschaft oder Aggression enthält, Vandalismus und Artivismus und werden oft als "Artivismus" bezeichnet.

Experten sind sich uneinig darüber, ob diese unter die Kategorie Kunst fallen. Vandalismus in der Kunst bezieht sich insbesondere auf Vandalismus, Graffiti und Beschädigungen von Kunstwerken, die je nach Perspektive des Betrachters sehr unterschiedlich bewertet werden können.

Giving to the Poor, eine Schablone des amerikanischen Straßenkünstlers Above, die das Problem der Obdachlosigkeit thematisiert. Lissabon, Portugal, 2008. von Hdepot - Eigenes Werk, CC BY-SA 3 .0

Kant sagte einmal, dass "die Moderne von innen heraus kritisiert", aber was mit dem Vormarsch von Vandalismus und Artivismus kommen könnte, ist "die Selbstzerstörung der modernen Kunst durch die moderne Kunst". Diese Selbstzerstörung kann in einer anderen Form auftreten, da sich die wirtschaftlichen Ungleichheiten in der kapitalistischen Gesellschaft und die ideologischen Kämpfe um die Umwelt verstärken. In diesem Fall ist es nicht unbedingt die moderne Kunst selbst, die zerstört wird, sondern Personen, die behaupten, dass andere Probleme durch ihre Auswirkungen verschärft werden. -Im Jahr 2022 führen Umweltaktivisten in Museen auf der ganzen Welt zeitgleich Aktionen durch, bei denen sie Tomatendosen auf historisch berühmte Gemälde werfen.

Umweltaktivisten werfen Tomatensuppe auf Van Gogh, Sonnenblumen, in der National Gallery, London, Oktober 2022.

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