Quando si visita una mostra etichettata come "arte contemporanea", si possono vedere tele dipinte con un solo colore ed esposte in modo dissimulato, oppure opere che sono state fatte a pezzi subito dopo essere state vendute all'asta e poi rivendute a pezzi per centinaia di milioni di yen. ......
Molte persone potrebbero sentirsi offese da queste opere apparentemente "senza senso", che sembrano voler deliberatamente ingannare lo spettatore.
In questo numero esamineremo come comportarci con l'arte contemporanea sulla base di vari esempi di arte contemporanea che spesso danno un'impressione negativa.

1. l'"arte contemporanea" senza senso, Duchamp

Il debutto di Duchamp

Marcel Duchamp (1887-1968) nasce in una colta famiglia francese.
Si avvicina alla pittura in giovane età e debutta come pittore con l'opera Donna che scende una scala n. 02, uno sviluppo dello stile cubista. In questo dipinto, la figura del corpo umano in movimento è influenzata dalla fotografia di personaggi come Edouard Muybridge e Etienne-Jules Murray, le cui opere erano all'epoca sulla bocca di tutti per le loro fotografie in serie ad alta velocità di oggetti in movimento, note come cromofotografia.

L'impatto della Fontana sul mondo

L'opera più famosa di Duchamp è probabilmente La fontana, pubblicata nel 1917. Quest'opera è considerata l'inizio dell'arte moderna, che spesso viene definita oscura.
Firmata semplicemente "R. Mutt" su un orinatoio maschile rovesciato, fu esposta alla Society of Independent Artists di New York. Nonostante il fatto che lo stesso Duchamp fosse un membro del comitato, l'esposizione fu ferocemente contestata, affermando che non si trattava di un'opera d'arte.
Questo fatto dimostra che la tacita consapevolezza che "l'arte deve essere così" era comune anche negli Stati Uniti, dove all'epoca si stava sviluppando anche l'arte astratta. Il lavoro impegnativo di Duchamp ha distrutto questa tacita concezione e ha ulteriormente ironizzato sul sistema del mondo dell'arte, secondo il quale "qualsiasi oggetto può essere definito arte, purché sia intitolato, firmato ed esposto nel posto giusto".

2. l'incidente di Banksy che ha sconvolto il mondo

Come si è svolto l'incidente di triturazione

Il 15 ottobre 2018, un'opera stampata è stata messa all'asta dalla casa d'aste mondiale Sotheby's. Quando "Girl with Balloon" è apparsa in mezzo a una serie di opere messe all'asta, è salita alle stelle, proiettando la popolarità di Banksy, e l'offerta finale è stata di 1.042.000 sterline (circa 150 milioni di yen). È stata la seconda offerta più alta di Banksy (all'epoca).
Tuttavia, nel momento in cui è stata annunciata l'offerta vincente, nella sala è suonato un allarme e il trituratore, che era stato preinstallato nella cornice, si è attivato e ha iniziato a tagliare l'opera.
In presenza di un pubblico rumoroso, le opere tagliuzzate sono state portate fuori dalla sala espositiva dal personale addetto.
L'incidente della triturazione potrebbe essere visto come un atto di terrorismo contro l'attività d'asta, ma dopo l'incidente Sotheby's ha pubblicizzato l'opera tritata come "la prima opera mai prodotta dal vivo durante un'asta" e l'offerente vincitore ha pagato il prezzo dell'offerta.
In definitiva, la critica stessa è stata incorporata nel business delle aste, portando a un aumento del valore di mercato dell'opera, nonostante le intenzioni dello stesso Banksy.

Impatto dell'incidente di frantumazione

Perché Banksy ha distrutto le sue opere?
Si dice che sia una critica al settore delle aste, dove solo il denaro viene accumulato come oggetto speculativo.
Ironicamente, però, questo incidente ha portato a un'esplosione del profilo di Banksy in Giappone.

Perché le opere di Banksy sono valutate?

L'opera di Banksy non è valutata in base al valore estetico dell'opera stessa o alla sua rarità per la sua superba tecnica. Sono piuttosto le sue capacità politiche, di presentazione, di pianificazione e di esecuzione che hanno fatto sì che Banksy, e non altri artisti, diventasse famoso.
Per quanto riguarda il modo in cui ha comunicato un'idea allo spettatore, Banksy è stato innovativo, anche se ha utilizzato il metodo illegale dei "graffiti".

Colonna : L'attenzione per l'arte è alta. Le mostre e il loro rapporto con le imprese

I libri sull'arte x il business e sull'arte come cultura sono molto popolari.

Il bestseller da 170.000 copie di Shu Yamaguchi e l'adattamento a fumetti di Perché le élite mondiali allenano il loro "senso della bellezza"? Arte e scienza nel management descrive il motivo per cui gli uomini d'affari dovrebbero studiare l'arte con l'unico scopo utilitaristico di ottenere il successo degli affari in un mondo complesso e instabile.


Inoltre, il libro di Koho Suenaga, intitolato Art Thinking from the Age of 13: Finding Your Own Answers" di Yukiho Suenaga. è un bestseller che spiega il "pensiero artistico", che si dice generi "nuove domande", a un vasto pubblico.


Si può quindi affermare che vi è un notevole interesse da parte del pubblico per il modo in cui la comprensione dell'arte contemporanea può essere utile negli affari e per il "pensiero artistico" come modo di pensare al pari del pensiero logico.

Anche il numero di visitatori dei vari servizi d'arte per i collezionisti e delle mostre d'arte contemporanea è in aumento. Grazie a un'abile attività di marketing, nel 2019 è stato registrato un totale di 670.000 visitatori per Chiharu Shiota: The Soul Waves al Mori Art Museum.
Si tratta di una cifra notevole per una mostra d'arte contemporanea che si occupa di artisti attivi, rispetto a una che attira un pubblico fisso, come un museo.

3. gli inizi dell'arte astratta. La pittura quadrata di Malevich.

Kazimir Malevich, che ha presentato quest'opera, era un pittore sovietico nel 1920.
Malevich stava creando le scenografie per le produzioni liriche futuriste. Futurismo era il nome di un gruppo artistico d'avanguardia le cui opere erano molto avanguardistiche, composte da parole senza senso, trame sconnesse e musica di sottofondo dissonante.
Malevich, che all'epoca riteneva che "la nuova arte deve essere non oggettiva", sosteneva anche che il valore assoluto di questa arte di scena fosse astratto e geometrico, piuttosto che raffigurare scenari o figure particolari. Malevich la chiamava "assolutismo = suprematismo" e produceva dipinti con gli elementi ridotti al limite massimo.
Il semplice "quadrato nero" non rappresenta nulla, ma esiste solo come "quadrato nero". L'assolutezza del dipinto è legata all'assolutezza iconica della Chiesa ortodossa russa, che è legata alla posizione della sala in cui l'opera è stata esposta per la prima volta, un angolo del soffitto.
L'estrema semplicità del dipinto si sposava con la tradizione ortodossa, che aborriva l'idolatria, e si sposava anche con il periodo della storia dell'arte in cui l'astrazione faceva la sua comparsa in modo appropriato. È in questo contesto che Malevich fu apprezzato.

4. Anche la moglie di John Lennon, Yoko Ono, era un'artista contemporanea.

Yoko Ono è stata una degli artisti considerati parte del movimento artistico d'avanguardia noto come Fluxus. Forse è conosciuta soprattutto come moglie di John Lennon, ma lei stessa ha attirato l'attenzione per il suo lavoro d'avanguardia, in particolare per la performance artistica.
Nel 1964 è stata pubblicata una monografia intitolata Grapefruit Juice, un curioso libro composto da imperativi surrealisti. Si tratta di una forma particolare di opera d'arte in cui atti astratti o molto concreti si completano solo quando si usa l'immaginazione del lettore.
Da allora la risposta al suo lavoro è stata spesso "non capisco", ma secondo le sue stesse parole, l'ispirazione per il suo lavoro è "l'atto di confrontarsi con se stessi".
In un'opera, una grande scaletta è collocata al centro della galleria e, salendovi e guardando in alto con una lente d'ingrandimento, si può leggere la parola "YES" scritta in caratteri molto piccoli su un dipinto del soffitto.
Questa è anche la prima opera di Yoko Ono che John Lennon ha visto, ed è caratterizzata da un messaggio molto positivo e ottimista e da una presentazione innovativa che va oltre il lavoro pittorico convenzionale.

5. la controversa sedia di Joseph Kosuth

One and Three Chairs di Joseph Kosuth, un'opera in cui sono esposte insieme "una sedia, una fotografia della sedia e una voce ingrandita del dizionario per 'sedia'", è stata esposta per la prima volta nel 1965.
L'idea di "sedia" (un concetto secondo l'antico filosofo greco Platone) è stata portata alla luce dandole forma in tre modi diversi.
In altre parole, si può dire che l'opera presenta l'idea di un oggetto, che di solito è catturato solo da immagini visive, per mezzo di linguaggio, immagini (fotografie) e materiali, intrecciati con la semiotica e la semantica.
Si può dire che il lavoro di Kosuth era in grado di sollevare questioni intellettuali in un modo che non è il tipo di pittura che si potrebbe immaginare dalla cosiddetta "arte".

Quali sono i criteri per giudicare il valore dell'arte?

I criteri di valore per l'arte contemporanea, che spesso si pensa siano in qualche modo difficili o volutamente sconosciuti.
In questo caso, ciò che può sembrare pedanteria è in realtà il pensiero sincero dell'artista stesso e si nascondono questioni serie sulla storia e sugli esseri umani.
Alcuni lo presentano così com'è, altri lo avvolgono in qualche altro elemento e lo presentano.
A volte, dal punto di vista più esterno, sembrano tutti uguali o semplicemente difficili, ma se li si osserva con interesse, ad esempio leggendo attentamente la descrizione del museo, spesso hanno un messaggio sorprendentemente semplice.



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