L'arte contemporanea "senza senso" è un tema molto sentito.
Certo, ci sono banane attaccate al muro con lo scotch, o pois dipinti sul muro...
Per prima cosa, prendiamo in considerazione alcune delle opere d'arte più spesso individuate e valutiamo il significato che si cela dietro di esse.

(i) La "banana" da 16 milioni di yen di Maurizio Cattelan, Comedian.

Comedian, un'opera di Maurizio Cattelan, esposta ad Art Basel Miami nel 2019. Si tratta di una vera e propria opera d'arte contemporanea in cui delle vere banane sono semplicemente attaccate al muro con dello scotch grigio.
Cattelan ha avuto l'idea dell'opera per circa un anno, e ogni volta che viaggiava portava con sé le banane e le esponeva nella sua stanza d'albergo. All'inizio aveva pensato a una scultura a forma di banana, ma dopo aver realizzato diversi modelli in resina e bronzo, ha deciso di utilizzare una banana vera come opera d'arte.

Il primo giorno della fiera, due edizioni dell'opera sono state acquistate da collezionisti privati al prezzo di 120 000 dollari (circa 13 milioni di dollari).
Una terza edizione è stata riservata per l'acquisto da parte del museo al prezzo di 150 000 dollari (circa 16 milioni di JPY).
L'acquisto dell'opera è accompagnato da un certificato e da un manuale di installazione di Cattelan.
Emmanuel Perrotin, proprietario della Galleria Perrotin, che ha fornito lo stand espositivo, ha affermato che l'"acquisto" è solo una parte dell'opera e che "senza il certificato, l'opera è solo una rappresentazione materiale. Il fatto che qualcuno l'abbia acquistata la rende un'opera d'arte".

Tuttavia, il giorno prima dell'ultimo giorno della fiera, si è verificato un incidente scioccante.
L'artista newyorkese David Datuna ha strappato una banana da un muro e l'ha mangiata.
Dopo l'incidente, Datuna ha definito l'atto una performance "Hungry Artist" e ha pubblicato una serie di video su Instagram. Amo il lavoro di Maurizio Cattelan e le sue installazioni. Molto delizioso".
Datuna non è stato denunciato, ma l'opera di Cattelan è stata rimossa l'ultimo giorno della fiera. La decisione è stata presa per la preoccupazione di non poter controllare l'ingresso dei visitatori, che erano divisi da entrambi gli schieramenti.
La serie di incidenti, che si è conclusa con una sorta di commedia, come suggerisce il titolo, con l'opera che alla fine è stata mangiata, mostra veramente le caratteristiche dell'arte contemporanea, che è costruita su una struttura molto fragile.

(ii) Solo una tela con incisioni? Lucio Fontana, Concetti spaziali.

Fontana è stato un artista italo-argentino attivo nel XX secolo.
Pretende che lo spettatore percepisca la tela stessa come un oggetto, su cui ancora oggi vengono dipinti i quadri di molti artisti. Sviluppa la sua produzione "Manifesto spazialista" praticando tagli netti e fori sulla tela.
Si tratta di una mossa che nasce dopo aver cercato di guardare in modo più critico a ciò che i pittori occidentali avevano cercato di ottenere dipingendo qualcosa che non fosse più una forma su una tela.
Vale a dire, riprodurre uno spazio tridimensionale su un piano bidimensionale. Cercare di conservare per sempre attraverso la pittura le immagini sfuggenti di vari paesaggi e movimenti che vediamo nella realtà.
Si può ritenere che Fontana abbia tagliato lo spazio virtuale tridimensionale creato all'interno della tela, squarciandolo. Così facendo, ha portato a molti la prospettiva di "un'espressione pittorica confinata nel tessuto bidimensionale" e di "evadere da esso e sviluppare l'opera nello spazio tridimensionale reale".
Fontana ha fatto la seguente dichiarazione.

Come pittore, quando faccio un buco nella tela, non sto cercando di produrre un dipinto.

Voglio aprire uno spazio che si espanda all'infinito oltre lo spazio chiuso del quadro, creando una nuova dimensione dell'arte e collegandola all'universo".

(iii) "Scarabocchi di bambini", Cy Twombly, Senza titolo (NYC).

Quest'opera, che sembra un semplice scarabocchio su una lavagna, è stata venduta all'asta di Sotheby's a New York nel 2015 per 70 milioni di dollari (circa 8,4 miliardi di dollari in valuta all'epoca).
Ha prodotto anche altre opere che sembrano dichiarazioni poetiche scarabocchiate selvaggiamente o un accumulo di scarabocchi fini.
I suoi dipinti, che a prima vista sembrano incomprensibili, sono in realtà sue reinterpretazioni di vari miti e storie come risorse. Ad esempio, si dice che l'opera qui sotto raffiguri Achille che si lamenta della morte di Patroclo.
Il suo stile, in cui disegna lettere ma poi le annega grossolanamente, o lascia sulla tela tracce delle proprie azioni fisiche e della loro instabilità, può essere paragonato al nostro, che siamo quotidianamente esposti a informazioni incerte e dobbiamo prendere decisioni soggettive in ogni occasione.
I gesti di Twombly, che sembrano indecisi e poveri, possono essere un riflesso dei nostri gesti.

(iv) Solo un quadrato? Malevich, Il quadrato nero.

Kazimir Malevich, che ha presentato quest'opera, era un pittore sovietico nel 1920.
Malevich stava creando le scenografie per le produzioni liriche futuriste. Il Futurismo era il nome di un gruppo artistico d'avanguardia le cui opere erano molto avanguardistiche, composte da parole senza senso, trame sconnesse e musica di sottofondo dissonante.
Malevich, che all'epoca riteneva che "la nuova arte deve essere non oggettiva", sosteneva anche che il valore assoluto di questa arte di scena fosse astratto e geometrico, piuttosto che raffigurare scenari o figure particolari. Malevich la chiamava "assolutismo = suprematismo" e produceva dipinti con gli elementi ridotti al limite massimo.
Il semplice "quadrato nero" non rappresenta nulla, ma esiste solo come "quadrato nero". L'assolutezza del dipinto è legata all'assolutezza iconica della Chiesa ortodossa russa, che è legata alla posizione della sala in cui l'opera è stata esposta per la prima volta, un angolo del soffitto.
L'estrema semplicità del dipinto si sposava con la tradizione ortodossa, che aborriva l'idolatria, e si sposava anche con il periodo della storia dell'arte in cui l'astrazione faceva la sua comparsa in modo appropriato. È in questo contesto che Malevich fu apprezzato.

(5) Solo un calendario? On Kawahara, Pittura con data.

I dipinti della serie Date Painting di On Kawahara sembrano non essere altro che date.
Kawahara era un artista che viaggiava in tutto il mondo e creava in modo completamente diverso dalle forme d'arte precedenti.
La serie si basa su una semplice regola: Kawahara, che cambiava ogni giorno la sua base operativa e soggiornava in diversi Paesi, dipingeva la data del giorno nella lingua del luogo in cui si trovava in quel momento con colori acrilici su tela e la collocava all'interno di una scatola da imballaggio con all'interno il giornale del giorno acquistato in quel luogo. Le regole includevano una nota in cui si diceva che ci sarebbe stato sempre un inizio e una fine della giornata e che se l'opera non fosse stata terminata dopo la mezzanotte, sarebbe stata distrutta.
In questo modo, nell'arco di quasi 40 anni, furono completati circa 3.000 Date Paintings.
Altri messaggi venivano inviati agli amici tramite telegramma con la scritta "Sono ancora vivo", oppure "Mi sono alzato alle...". (Mi sono alzato alle 00:00)" agli amici per posta, che lui chiamava il suo "lavoro" e che ha continuato a fare per decenni.
Si tratta di una motivazione che la gente comune non può facilmente comprendere, ma ciò che accomuna questi atti unici è il concetto di "tempo". A differenza di Lucio Fontana, che, per coincidenza, mirava a espandere il "concetto di spazio", Kawahara ha perseguito un significato che va oltre quello di una singola opera piatta, un oggetto che occupa un certo spazio, attraverso il tempo che rappresenta, la portata del tempo e l'eternità del tempo.




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