Pittori come Van Gogh e Gauguin sono costantemente esposti in tutto il Giappone.
Si tratta infatti dei pittori "post-impressionisti", noti come "post-impressionisti".
In questo articolo spiegheremo i pittori e gli sfondi di 10 delle opere post-impressioniste più famose.

(1) Vincent van Gogh.

La notte stellata al chiaro di luna.

1889, Museum of Modern Art (MoMA), New York.
Vincent van Gogh era famoso per il suo genio e per la sua morte prematura, ma era anche noto per aver sofferto di malattie mentali.
Nel 1888, Van Gogh viveva con il pittore Gauguin ad Arles, in Francia, quando i loro vari litigi e insoddisfazioni esplosero, sfociando nel famoso incidente dell'orecchio tagliato.
Dopo l'incidente dell'orecchio tagliato, Van Gogh decise di farsi ricoverare nell'ospedale psichiatrico Saint-Paul-de-Mausole, dove gli fu diagnosticata una "mania acuta con delirio generalizzato".
Fortunatamente per lui, durante il ricovero riuscì a continuare il suo lavoro creativo. Trascorreva le giornate guardando dalla finestra con le sbarre di ferro il panorama sottostante. È qui che completò la sua opera più famosa, Notte di luna stellata.
La Notte stellata e lunare è dipinta in diversi momenti della giornata. L'alba, il sorgere della luna, i giorni di sole, i giorni nuvolosi, i giorni di vento, i giorni di pioggia: l'artista osservava i cambiamenti di luce e di tempo e dipingeva fedelmente di conseguenza.
Sebbene quest'opera sia riconosciuta come un capolavoro, Van Gogh non ne fu mai soddisfatto e si dice che abbia detto che considerava un fallimento qualsiasi altra cosa avesse completato mentre era in ospedale.

(ii) Paul Gauguin.

Da dove veniamo, chi siamo, dove andiamo.

1897, Museum of Fine Arts di Boston.
Mentre lavorava a Da dove veniamo, Gauguin fu colpito da una serie di eventi importanti che gli cambiarono la vita.
L'opera fu realizzata mentre era lontano da Parigi, in Francia, a Tahiti, allora dipartimento francese d'oltremare, dove Gauguin non era abituato all'ambiente tropicale e soffriva di dermatiti ed eczemi, oltre che di sifilide e congiuntivite.
Inoltre, la sua situazione finanziaria si deteriorò rapidamente e cominciò ad accumulare debiti.
Inoltre, quando la famiglia a Copenaghen lo informa della morte della figlia, Gauguin è sconvolto.
Nell'autunno del 1897, dopo aver terminato Da dove veniamo, Gauguin fu colpito dalla morte della figlia. La morte dell'amata figlia fu uno shock particolare per Gauguin, la cui famiglia era emigrata a Copenaghen proprio in quel periodo e che aveva fatto quello che voleva senza curarsi della famiglia.
Il tema della vita che nasce e della vita che si perde è espresso anche in questo dipinto.

(iii) Paul Cézanne.

Monte Sainte-Victoire e Château Noir.

1904 - 2006, Musée d'Artizon
Cézanne cercò di andare oltre i dipinti impressionisti, che cercavano di catturare sulla tela il fugace barlume dell'occhio, per passare a dipinti con un robusto senso del volume che sarebbe rimasto abbastanza forte da resistere all'infinito.
Cercare di contenere gli opposti nello stesso piano pittorico era un compito estremamente difficile e per l'artista fu un continuo processo di tentativi ed errori.
Per raggiungere questo obiettivo, Cézanne scelse di lavorare in solitudine e di prendere le distanze dai suoi colleghi impressionisti, puntando sulla ripetizione di pochi soggetti fissi.
Alla fine degli anni Ottanta del XIX secolo, Cézanne iniziò a dipingere una serie di quadri del Monte Sainte-Victoire, una montagna calcarea che si erge a est della natia Aix-en-Provence, nel sud della Francia.
Alla fine le immagini divennero opere d'arte molto raffinate, con un senso di dinamismo e vibrazione aggiunto alla superficie solida, sostenuta da colori vivaci. Quest'opera è uno dei culmini della sua sperimentazione.

(iv) Georges Seurat.

Domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte.

1884-86, Istituto d'Arte di Chicago
Georges Seurat, uno dei pittori post-impressionisti noti come neoimpressionisti, è famoso per aver sviluppato la tecnica puntinista.
Il puntinismo è una tecnica che utilizza un insieme di punti o di tocchi molto brevi piuttosto che di linee, ed è stata concepita in riferimento al modo in cui la luce viene catturata sulla retina, come rivelato dalle ricerche sull'ottica dell'epoca.
Questa tecnica diede l'impulso definitivo al metodo di "creazione di colori d'ombra brillanti senza mescolare la pittura" sviluppato dagli impressionisti e ampliò la gamma dei metodi espressivi della pittura.

(5) Henri de Toulouse-Lautrec.

Moulin Rouge.

1892 - 1895
In questo dipinto a olio raffigurante persone che ballano al cabaret del Moulin Rouge, l'autoritratto di Lautrec è dipinto in un angolo dello sfondo.
Al centro del quadro, un gruppo di tre uomini e due donne circondano un tavolo sul pavimento del cabaret.
Da destra a sinistra, lo scrittore Edouard Dujardin, la ballerina La Macarona, il fotografo Paul Secaux, il fotografo Maurice Guibert e, di fronte, Jane Abril, i cui capelli rosso-arancio la identificano come la figura centrale del gruppo.
In primo piano a destra, parte del volto della danzatrice britannica May Milton, che sembra seduta a un altro tavolo, con le labbra dipinte di rosso e il viso illuminato da una particolare luce e ombra verdastra.
Sul lato destro dello sfondo, la ballerina del Moulin Rouge La Grue e un'altra donna le sistemano i capelli. Sullo sfondo al centro-sinistra, di fronte e accanto alla dottoressa Gabrielle Tapier de Sélérand, c'è lo stesso Toulouse-Lautrec, un uomo di bassa statura la cui crescita fu bloccata da una gamba rotta da bambino.

6) Paul Signac.

Ritratto di Félix Fénéon.

1890, Museo d'Arte Moderna (MoMA), New York
Félix Fénéon era un editore, traduttore, mercante d'arte, attivista anarchico e critico che alla fine degli anni Ottanta del XIX secolo utilizzò il termine neoimpressionismo per descrivere l'opera di Signac e Seurat.
In questo ritratto, Signac raffigura Féneon di profilo sinistro.
Il rapporto tra Féneon e la decorazione dello sfondo è considerato simbolico.
Nel 1887, Féneon scrisse in difesa dei neoimpressionisti contro la critica che il loro puntinismo assomigliava a mosaici e arazzi.
'Fate qualche passo indietro e la tecnica scompare. La tecnica scompare e l'occhio è attratto da nient'altro che l'essenza del dipinto".
Ma qual era l'essenza della pittura in questo periodo?
Era un mezzo per trasmettere all'osservatore la transitorietà della natura o una tecnica per mettere la pittura sulla tela? In questo ritratto, la risposta è entrambe e nessuna.
L'idea di pittura di Fénéon era quella di creare una realtà superiore, purificata, infusa della personalità dell'artista.

(vii) Odilon Redon.

L'occhio = palloncino.

1882, Museo d'Arte Moderna (MoMA), New York
Odilon Redon era un individualista che credeva nel primato dell'immaginazione sull'osservazione della natura, rifiutando il realismo e l'impressionismo dei suoi contemporanei a favore di una visione più personale dell'arte.
Studiò pittura accademica a Parigi, ma rimase deluso dall'accademismo e iniziò a produrre stampe su rame nella sua città natale, Bordeaux, nel 1864.
Fu lì che Redon scoprì la litografia, una tecnica che ritenne capace di rappresentare infinite gradazioni tonali, delicati tratti e ricche sfumature di chiaro-scuro.
Durante la sua vita, Redon produsse quasi 30 acqueforti e 200 litografie, per lo più in monocromia. Fu molto ispirato da scrittori come Edgar Allan Poe e Gustave Flaubert e fu talmente colpito dal poema in prosa di Flaubert La tentazione di Sant'Antonio, pubblicato nel 1874, che Redon realizzò tre opere su questo poema, una delle quali è qui riportata.

(viii) Maurice Denis.

Polifemo.

1907 | Collezione del Museo Pushkin di Belle Arti
Denis è famoso come pittore simbolista centrale.
La sua attenzione alla piattezza della pittura è stata in seguito riconosciuta come il punto di partenza del modernismo.
Nel suo articolo del 1890 "Definizione del nuovo tradizionalismo",
'Va ricordato che un quadro è essenzialmente una superficie piatta ricoperta di colori raccolti in un certo ordine, prima di essere un cavallo da guerra, una donna nuda o un aneddoto di qualche tipo'.
Ha detto notoriamente.
Quest'opera fu pubblicata intorno alla sua morte e presenta una tecnica neoclassica, con un elemento più mitologico e mitologico nello stile dell'opera.

(ix) Henri Rousseau.

Sogno.

1910, Museo d'Arte Moderna (MoMA), New York
Quest'opera è uno degli oltre 25 dipinti di Rousseau sul tema della giungla.
È l'ultima opera realizzata da Rousseau prima della sua morte, avvenuta il 2 settembre 1910.
Rousseau ha incorporato nel dipinto grandi piante tropicali con grandi foglie, che aveva schizzato nel giardino botanico del Museo di Storia Naturale di Parigi. Il braccio sinistro della donna nuda è teso verso i leoni e l'incantatore di serpenti neri, che suona un flauto verticale rivolto in avanti al centro del quadro, appena visibile nella penombra della giungla sotto la luce fioca della luna piena.
Anche un serpente rosa è raffigurato mentre scivola nel sottobosco.
Il dipinto era accompagnato da una poesia intitolata "Dedica al sogno".

Jadwiga nel suo bel sogno

Dorme serenamente

Interpretato da un mago ortodosso

Ho sentito il suono di un flauto verticale

I fiori e gli alberi verdeggianti

La luna splendeva sui fiori e sugli alberi rigogliosi

Le bestie e i serpenti

ascoltavano la musica del flauto verticale.

(10) Edvard Munch.

L'urlo.

1893, Museo di Belle Arti di Oslo
Questo dipinto a olio è sinonimo di Munch.
In realtà, l'Urlo è stato dipinto anche in altri materiali come il pastello, la litografia e la tempera, per un totale di cinque dipinti dell'Urlo.
Le figure sono dipinte con un tocco estremamente deformato e caratteristico, la vista serale del fiordo rosso sangue e le sue forme inquietanti, lo sfondo scuro che contrasta con il cielo rosso e l'eccellente composizione con enfasi sulla prospettiva.
Quando Munch pubblicò il dipinto, fu pesantemente criticato dalla critica dell'epoca, ma in seguito fu rivalutato e apprezzato.
Nel 1978, lo storico dell'arte americano Robert Rosenblum teorizzò che una mummia peruviana esposta al Museo di Storia Umana di Parigi, in Francia, fosse il modello della figura centrale dell'Urlo.
In effetti, la mummia ha molti elementi in comune con la figura dell'Urlo, tra cui gli occhi rotondi e infossati, la bocca aperta, le mani sulle guance e il corpo magro.
Nel 2004, un antropologo italiano ha ipotizzato che la mummia sia stata modellata su quella del Museo di Storia Naturale di Firenze. Questa mummia presenta ulteriori somiglianze con il dipinto, ma anche questa sezione è stata contestata, poiché Munch avrebbe visitato Firenze solo dopo aver dipinto L'urlo.



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