Parigi, la capitale delle arti.
Tra i musei parigini di fama mondiale, il Museo d'Orsay vanta una delle collezioni più belle e impressionanti, anche per gli intenditori.
Si caratterizza per la sua collezione di opere del periodo impressionista e post-impressionista, che sono note come "arte moderna".
I visitatori possono ammirare opere di grandi pittori come i famosi Monet e Van Gogh.

In questo articolo vi presenteremo il Museo d'Orsay, dalle sue attrazioni alle indicazioni specifiche su come arrivarci!

Cos'è il Museo d'Orsay?

Un museo che riutilizza una stazione ferroviaria

Quando si entra al Museo d'Orsay, la prima cosa che colpisce è la maestosa atmosfera europea dell'edificio.
Questo perché il Museo d'Orsay è stato originariamente costruito per l'Expo di Parigi del 1900 e riutilizzato come stazione ferroviaria di Orsay, inaugurata nel 1986.
Gli spazi lunghi e i soffitti rotondi caratteristici dell'edificio della stazione permettono alla luce naturale di cadere sulle sculture, rendendolo uno dei musei più belli del mondo.

Differenze con il Louvre

Parigi ospita anche il Louvre, il più grande museo del mondo.
È anche famoso per ospitare il dipinto più famoso del mondo, la Monna Lisa, ma qual è la differenza tra il Louvre e l'Orsay?

La risposta è la differenza di età delle opere presenti nelle collezioni.
Il Louvre è un museo la cui collezione è costituita principalmente da opere risalenti al 1848, mentre il Museo d'Orsay espone opere che vanno dal 1848 al 1914, l'inizio della Prima Guerra Mondiale. Questo fu un periodo di fermento dopo la Rivoluzione francese, la fine della monarchia e l'avvento dell'età del popolo in Francia. In questo periodo Parigi era al centro della cultura e dell'arte mondiale e il Museo d'Orsay espone molte delle opere che hanno costituito la base dell'Impressionismo, del Postimpressionismo e dell'arte moderna e che hanno avuto una grande influenza sull'arte contemporanea.

Opere da vedere al Museo d'Orsay

Ecco dieci opere imperdibili della collezione d'Orsay che dovete assolutamente vedere se visitate il museo.

(1) "Il conte caduto".

Jean-François Millet, 1857
Il dipinto La spigolatura della spiga caduta raffigura tre contadini che raccolgono le spighe cadute dopo la mietitura: dietro di loro, un gran numero di persone è impegnato nella mietitura, il grano raccolto è ammucchiato e viene raffigurato un contadino a cavallo.
Lontano dal trambusto della mietitura, tre contadine raccolgono in silenzio le spighe cadute.
La prospettiva delle contadine e del contadino alle loro spalle è espressa attraverso una prospettiva aerea e l'opera trasmette un senso di dignità degli esseri umani che lottano per sopravvivere in mezzo alla natura del cielo e della terra.

(ii) Autoritratto (Van Gogh).

Vincent van Gogh, 1889.
Van Gogh ha lasciato un segno importante nella storia dell'arte. È famoso anche per il numero di autoritratti che ha dipinto.
Si dice infatti che il motivo per cui dipinse così tanti autoritratti fosse l'impossibilità di assumere modelli per motivi economici.
Nei suoi numerosi autoritratti, Van Gogh li utilizzò come piattaforma per sperimentare le tecniche pittoriche che aveva incontrato e adottato, come l'impressionismo e le tecniche ukiyo-e.

(iii) "Notte stellata al chiaro di luna sul Rodano".

Vincent van Gogh, 1888
Un altro famoso paesaggio notturno di Van Gogh, intitolato "Notte stellata al chiaro di luna", questo "Notte stellata al chiaro di luna sul Rodano" fu dipinto nella città di Arles, nel sud della Francia. Lo studio che Van Gogh allestì ad Arles, noto come la Casa Gialla, fu il luogo in cui lui e Gauguin vissero insieme per tre mesi e sperimentarono il loro esaurimento.
Van Gogh, conosciuto anche come il "pittore dei colori", è noto per l'uso ingegnoso delle scene notturne.
Egli cerca di catturare sia le stelle del cielo notturno, che brillano da tempo immemorabile, sia la luce artificiale delle lampade a gas, nate e diffusesi in questo periodo.

4) "Mele e arance".

Paul Cezanne, 1899.
Voglio sorprendere Parigi con le mele" era l'abitudine di Cézanne.
Un tavolino di legno disposto ad angolo sembra avere un panno bianco gettato in modo disordinato e della frutta adagiata in modo disordinato su di esso.
A prima vista, il dipinto sembra abbastanza ordinario, ma a un esame più attento, la brocca è inclinata, il piatto è anch'esso inclinato e la frutta sta per rotolare via, e gli angoli del tavolo, nascosti dal panno bianco, non sono collegati.
Lo stile caratteristico di Cézanne, legato anche al cubismo, in cui un singolo oggetto è rappresentato da diverse angolazioni, era sostenuto dalla sua politica di "comporre e raffigurare la scena vista dall'angolo in cui l'oggetto è più bello".

(5) Donna a Tahiti (sulla spiaggia).

Paul Gauguin, 1891
Gauguin lavorava inizialmente come agente di cambio a Parigi e iniziò a dipingere a olio come hobby, che in seguito divenne la sua fonte di sostentamento professionale. Inizialmente fu associato a importanti impressionisti come Pissarro, ma gradualmente si stancò della frenetica atmosfera parigina e si trasferì nell'allora isola francese di Tahiti, in Oceania.
Quest'opera risale al 1891, anno in cui si recò a Tahiti in cerca di libertà e bellezza incontaminata.
La donna a sinistra ha gli occhi chiusi come se stesse contemplando qualcosa, mentre l'altra donna ha un'espressione di noia sul volto mentre tiene in mano una foglia. Questa atmosfera misteriosa era esattamente ciò che Gauguin cercava nella terra selvaggia di Tahiti.

(vi) "Olympia".

Edouard Manet, 1863.
Innanzitutto, è degno di nota il fatto che la modella sia raffigurata nuda. All'epoca era prassi comune nel mondo dell'arte raffigurare le donne nude, ma la modella di Olympia, pur essendo nuda, fissa lo spettatore con uno sguardo egocentrico. Si tratta di una rappresentazione innovativa in cui la donna non è raffigurata come un oggetto sottomesso, ma come un soggetto che si afferma da solo.
Degna di nota è anche la rappresentazione del corpo della modella. Nell'arte convenzionale, il corpo femminile tende a perseguire una bellezza idealizzata, mentre la modella di Olympia ha un'espressione fisica realistica. Questo dà all'osservatore un'impressione realistica e conferisce all'opera un senso del suo periodo.
Un altro aspetto interessante del dipinto è la rappresentazione meticolosa delle tende sullo sfondo e del gatto nero al fianco della modella. L'espressività creativa di Manet si manifesta anche in questi dettagli, che esaltano la completezza dell'opera nel suo complesso.

(vii) Il ballo al Moulin de la Galette.

Pierre-Auguste Renoir, 1863
L'atmosfera vivace che si respira in tutto il dipinto è una delle sue caratteristiche più attraenti. In questa rappresentazione di un ballo, diverse figure ballano, bevono e mangiano. Ciascuna figura si diverte a modo suo, dando allo spettatore la sensazione di essere in mezzo a loro. C'è anche una sezione nell'angolo superiore destro del dipinto che raffigura una veduta da un punto panoramico da cui si può vedere la sala da ballo, dando all'osservatore un senso di ampiezza dello spazio.

Inoltre, le espressioni facciali e le pose delle figure nel dipinto sono rappresentate in modo affascinante. Renoir esprime la personalità e le emozioni delle figure nelle sue rappresentazioni dettagliate. Ad esempio, la coppia al centro del dipinto, un uomo e una donna, sono raffigurati come amanti intimi e le loro emozioni possono essere dedotte dalle espressioni del viso e dai movimenti delle mani.

(viii) Ninfee blu.

Claude Monet, 1916
Il fascino di quest'opera risiede nella rappresentazione della luce che si riflette sulla superficie dello stagno con ninfee blu e sulla superficie dell'acqua. Monet era estremamente sensibile ai sottili cambiamenti di luce e all'espressione di luci e ombre, e la luce sulla superficie dell'acqua e la colorazione blu sono in splendida armonia. Lo stagno, con i toni blu delle ninfee, rappresenta uno spazio tranquillo e pacifico, che dà all'osservatore un senso di guarigione. Monet ha anche posizionato il quadro in un angolo per far apparire le ninfee blu più grandi e tridimensionali.

Inoltre, la destrezza tecnica di Monet è uno degli aspetti più affascinanti di quest'opera. Monet ha utilizzato una moltitudine di colori per esprimere la luce, con una varietà di toni all'interno dei blu e dei viola. L'artista ha anche un tocco molto libero con il pennello e ritrae oggetti naturali come erba, fiori e foglie con una sensibilità unica.

(ix) "Studio del pittore".

Gustave Courbet, 1849
Quest'opera è nota anche come uno degli esempi rappresentativi della ricerca di ciò che Courbet chiamava "realismo". Il realismo mirava a rappresentare realisticamente la realtà della società nell'arte e Courbet fu uno degli artisti che più aderirono a questa idea. Lo studio del pittore è un'opera che incarna i principi del realismo, e uno degli aspetti interessanti di quest'opera è che raffigura aspetti della società e della cultura dell'epoca nel paesaggio che l'artista stesso ritrae.
Courbet dipinse anche un'altra opera sconvolgente, L'origine del mondo, che raffigura solo i genitali femminili e che si trova anch'essa nella collezione d'Orsay.

(10) Disposizione n. 1 in grigio e nero - Ritratto della madre.

James McNeill Whistler, 1871
L'attrattiva principale di quest'opera è che il ritratto della madre è presentato in una disposizione artistica diversa da quella di un ritratto realistico. In particolare, l'abbigliamento, la posa e lo sfondo della madre sono rappresentati in uno stile astratto ed estetico, dando l'impressione a prima vista che non si tratti di un ritratto. Inoltre, l'uso di una gradazione di colori - grigio chiaro e nero - dà l'impressione di semplicità e bellezza.
Inoltre, l'opera contiene domande sul rapporto tra arte e realtà. Heussler metteva in discussione la riproduzione completa della realtà nei suoi dipinti e insisteva sull'espressione artistica di elementi estratti dalla realtà. Anche quest'opera incarna questa idea: pur essendo un ritratto della madre, è stata sistemata artisticamente per perseguire il suo valore estetico come dipinto.
Tale idea si riflette nel titolo, che in quest'opera si chiama anche "Arrangiamento".

Come arrivare al Museo d'Orsay e biglietti d'ingresso

Accesso.

Il Museo d'Orsay si trova nel cuore di Parigi, sulle rive della Senna. È anche vicino al Museo del Louvre, a meno di 15 minuti a piedi dall'altra parte della Senna.
Con i mezzi pubblici, la stazione più vicina è Gare Musée d'Orsay sulla linea C della RER (Ferrovia Suburbana di Parigi ).
La stazione della metropolitana più vicina è Solférino (linea 12), a meno di cinque minuti a piedi da Solférino.

Orari di apertura e festività

Orari di apertura: 9:30-18:00 (fino alle 21:45 il giovedì).
Ultimo ingresso: 17:00 (fino alle 21:00 il giovedì).
Chiusura: lunedì, 1° maggio e 25 dicembre.

Durata approssimativa della visita.

Se si visita a ritmo abbastanza sostenuto, ci vorranno circa 2 ore; a ritmo normale ci vorranno circa 3 ore.
Se si vogliono vedere le sculture e gli altri oggetti, potrebbero essere necessarie quattro o cinque ore. Assicuratevi di avere tempo a sufficienza.

Ingresso.

Ci sono quattro ingressi, da A a C.
Il giorno della visita, per accedere all'ingresso si possono acquistare i biglietti presso il punto A. Se avete acquistato i biglietti in anticipo dal sito ufficiale, entrate dall'ingresso C.
Spesso all'ingresso A c'è una lunga coda, quindi si consiglia di acquistare i biglietti in anticipo.

(Riferimento) Sito web ufficiale del Museo d'Orsay

Sito ufficiale del Museo d'Orsay

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