Dipinti famosi di tutto il mondo nelle collezioni dei musei.
Perché sono famosi? Vi siete mai chiesti perché sono famosi?
In 10 dipinti famosi di tutto il mondo｜Conoscere i capolavori duraturi, abbiamo presentato famosi dipinti occidentali dal XV all'inizio del XX secolo.
In questo articolo presentiamo in modo più approfondito 10 famosi dipinti contemporanei provenienti da famosi musei di tutto il mondo.

(1) Salvador Dalì, L'adesione della memoria.

Salvador Dalì è un importante pittore surrealista che combina motivi impossibili per creare dipinti irrealistici.
Una delle sue opere più famose è questa 《Fissazione della memoria》.
Si tratta di un'opera relativamente precoce, pubblicata nel 1931 quando Dalì aveva 27 anni, che offre già scorci delle sue caratteristiche scene desertiche e motivi originali come orologi fusi e deformati e altri strani oggetti.
L'opera si trova oggi nella collezione del Museum of Modern Art (MoMA) di New York ed è considerata uno dei dipinti più importanti dell'arte del XX secolo.
A prima vista, i motivi possono sembrare incomprensibili, ma in realtà ogni singolo motivo del dipinto ha un significato simbolico nascosto.

Si dice che Dalì sia stato ispirato dall'immagine di un "orologio che si scioglie" quando un giorno vide sciogliersi in cucina un pezzo di formaggio Camembert non mangiato da Gala, compagna e modella di Dalì.
Normalmente, un orologio è un oggetto duro e dovrebbe segnare il tempo in modo regolare.
Poiché si scioglie e si distorce come un pezzo di formaggio, si può pensare che Dalì stia esprimendo una distorsione del tempo e dello spazio.
Einstein pubblicò la sua Teoria della relatività generale nel 1915. Si pensa che Dalì possa essere stato influenzato dall'idea che il tempo e lo spazio sono relativi e possono apparire distorti a seconda del punto di vista, che stava gradualmente diventando popolare.

Inoltre, lo strano oggetto bianco, simile a un fagottino, che giace al centro del quadro, simboleggia l'immaginario latente di Dalì. L'eccitazione fisica e sessuale e il suo declino o collasso. Si pensa che questo oggetto misterioso ne sia una forma.
E l'orologio arancione in primo piano, sulla sinistra, dove si radunano le formiche, si pensa rappresenti il concetto di "decadenza".
Ogni elemento dei dipinti di Dalì è un simbolo dei suoi desideri e del pensiero innovativo dell'epoca, ed è caratterizzato dal fatto che più si legge e si capisce, più diventa piacevole.

(2) Pierre Auguste-Renoir, Il ballo al Moulin de la Galette.

Il famoso pittore impressionista Pierre-Auguste-Renoir dipinse il quadro Il ballo al Moulin de la Galette nel 1876.
Il Moulin de la Galette era una sala da ballo all'aperto a Montmartre, una zona di Parigi in cui si riunivano personaggi della cultura.
Per inciso, "Galette" significa "mulino a vento" e il suo caratteristico mulino a vento era un punto di riferimento.
Il dipinto fu esposto alla Terza Esposizione Impressionista del 1877 ed è oggi conservato nella collezione del Museo d'Orsay di Parigi.
Questo gioioso dipinto, modellato sugli amici di Renoir, è ricco di espressioni, con il sole che filtra attraverso gli alberi e che proietta bellissimi disegni sulle persone, e la gente che balla e si ubriaca.
Il dipinto, che è una delle opere di Renoir più popolari tra gli impressionisti, è disponibile in due versioni: la versione grande (131 cm x 175 cm) mostrata qui sopra e una versione più piccola, in formato schizzo, dipinta sul posto.
La versione grande del dipinto principale è stata venduta per 78 milioni di dollari (il secondo prezzo più alto nella storia del dipinto) nel 1990, alla fine della bolla economica, a Ryoei Saito, presidente onorario della Daishowa Paper Company (ora Nippon Paper Industries) (si dice che dopo lo scoppio della bolla il dipinto sia passato nelle mani di un collezionista svizzero).

(iii) Jean-François Millet, Il seminatore.

Il seminatore di Jean-François Millet è un dipinto potente che celebra i contadini che seminano e sopravvivono.
Dipinto nel 1850, il quadro si trova oggi nella collezione del Museum of Fine Arts di Boston, negli Stati Uniti, ed è una delle principali attrazioni del museo.
Esposto al Salon di Parigi nel 1850, il dipinto fu oggetto di un intenso dibattito: molti lo considerarono una dichiarazione politica contro la vita miserabile dei contadini.

All'epoca, la Francia era nel mezzo di un crescente conflitto tra la classe contadina e operaia, che aveva aumentato la propria voce politica con la Rivoluzione di febbraio e il suffragio universale, e la classe borghese, che cercava di reprimere questa minaccia.
Di conseguenza, i conservatori accusarono Millet di essere lo stesso tipo di furfanti chiamati contadini, mentre gli esponenti della sinistra lo innalzarono a personificazione del popolo del nostro tempo. Gli estremi della valutazione danno un'idea della forza di fondo di quest'opera, che aveva la capacità di attrarre le varie classi di francesi dell'epoca.

In termini di tecnica, l'artista fu anche innovativo in quanto applicò spessi strati di vernice, cosa che non era vista di buon occhio nelle tecniche accademiche.
Il critico Théophile Gautier lo descrisse come "una figura dai gesti selvaggi e dal divenire terribilmente rozzo, che sembra dipinta con i colori della terra in cui si semina".
Oltre a Millet, che raffigurava realtà politiche e sociali, nello stesso periodo emersero pittori realisti come Courbet e Daumier, una rivoluzione nella storia dell'arte che segnò un allontanamento dai dipinti idealistici del periodo precedente.

(iv) Vincent van Gogh, I girasoli.

Probabilmente tutti hanno visto almeno una volta i Girasoli di Van Gogh in un libro di testo o su un poster.
In realtà, esistono in totale dieci Girasoli riconosciuti come dipinti da Van Gogh.
Ognuno di essi è chiamato "edizione 00" dal nome del museo che lo ospita, e il Girasole nell'immagine qui sopra è l'edizione della National Gallery, di proprietà della National Gallery di Londra.
È stato dipinto nel 1888.
Van Gogh si concentrò sui girasoli più volte nel corso della sua carriera, e questo quadro fu dipinto ad Arles, nel sud della Francia, una regione di calore e di bella luce.
I girasoli, disposti in modo da fuoriuscire quasi dal vaso, sono raffigurati in una composizione semplice su uno sfondo di un giallo brillante, lo stesso colore dei girasoli.
L'opera evoca il ciclo della vita, con il dinamismo teso dei girasoli che coesistono con quelli che stanno appassendo guardando verso il basso.

Tra l'altro, nell'ottobre del 2022 quest'opera è stata vittima di un lancio di lattine di pomodoro da parte di ambientalisti che partecipavano alla campagna "Just Stop Oil".
I due attivisti sono stati arrestati e l'opera è stata restituita alla galleria lo stesso giorno dopo essere stata pulita.
L'incidente ci ha fatto riflettere ancora una volta su come trattiamo e proteggiamo le opere d'arte storiche.

(5) Eugène Delacroix, La statua della libertà che guida il popolo.

Questo dipinto è basato sulla Rivoluzione di luglio, un evento che ebbe luogo nel 1830, ed è stato realizzato dal principale pittore romantico Eugène Delacroix.
La donna al centro del dipinto, che tiene una pistola nella mano sinistra e la bandiera francese nella destra, è un esempio rappresentativo della figura femminile francese simbolica nota come "Marianna", che guida il popolo.

Il dipinto è allegorico, con Marianna stessa che simboleggia la "libertà" e un seno esposto che simboleggia la "maternità".
Le composizioni dinamiche e commoventi e i temi teatrali dei dipinti sono considerati un vero e proprio simbolo del movimento artistico romantico.
Dalla sua acquisizione nel 1874, il dipinto è stato il fulcro della collezione del Louvre e ha attirato l'attenzione di persone di tutto il mondo.
Delacroix realizzò anche altri dipinti drammatici su eventi storici, come Il massacro dell'isola di Chio.
Opera di riferimento: Il massacro dell'isola di Chio (1823-24, Louvre).

(vi) Francisco de Goya, Saturno che divora mio figlio.

Saturno che divora il proprio figlio è un dipinto dell'artista spagnolo Francisco de Goya, appartenente alla serie delle Pitture nere.
Il suo soggetto scioccante, il titolo diretto e le immagini che esprimono direttamente il suo contenuto ne fanno un'opera indimenticabile a prima vista.
L'opera è stata dipinta tra il 1819 e il 1823 ed è oggi conservata nella collezione del Museo del Prado di Madrid, in Spagna.

Il dipinto è basato su un tema mitologico.
Rappresenta la leggenda di Saturno (l'equivalente di Crono nella mitologia greca), il dio romano della fertilità agricola che, temendo una profezia secondo cui in futuro sarebbe stato ucciso dai suoi stessi figli, inghiottì uno dopo l'altro i suoi cinque figli.
In origine Saturnus era il re del Monte Olimpo, la dimora degli dei, ma in vecchiaia Saturnus divenne ossessionato dalla follia per paura della propria fine.
Il suo atto omicida di mordere e divorare i propri figli dalla testa in giù è rappresentato con realismo.
Molti spettatori sono disgustati dal realismo grottesco della rappresentazione.
Allo stesso tempo, però, la schiettezza della rappresentazione ne ha fatto un raro capolavoro nella storia dell'arte.
Questo quadro è rappresentativo della serie dei Quadri neri, una serie che Goya dipinse negli ultimi anni di vita. Per una spiegazione dettagliata, leggete l'articolo qui sotto.

Che cos'è Saturno che divora il figlio? Una spiegazione del capolavoro di Goya!

(vii) Pablo Picasso, Le figlie di Avignone.

Pablo Picasso, uno dei pittori più famosi al mondo, dipinse Le figlie di Avignone all'età di 26 anni, nel 1907, all'inizio della sua carriera.
L'ispirazione per questo dipinto venne dalla "Avenue d'Avignon" di Barcellona, in Spagna, una strada fiancheggiata da bordelli.
I profili femminili sul lato sinistro del dipinto mostrano l'antica scultura egizia, i due volti al centro mostrano l'antica scultura spagnola, mentre i volti distorti più caratteristici sulla destra mostrano chiare influenze della scultura africana.
Quest'opera fu il punto di partenza del movimento artistico noto come "cubismo", guidato da Picasso e Georges Braque.
Il cubismo non era realistico in termini di prospettiva o di ombreggiatura realistica, ma mirava a una nuova forma di espressione unica per la pittura, in cui le cose venivano decostruite e poi ricostruite.
Quest'opera è oggi conservata nella collezione del Museum of Modern Art (MoMA) di New York.

(viii) Piet Mondrian, Composizione in rosso, blu e giallo.

I dipinti astratti di Mondrian sono senza tempo e la sua semplicità e astrazione modernista hanno influenzato gli artisti contemporanei.
La capacità di evocare emozioni e sensazioni con linee, forme e colori semplici era l'obiettivo di Mondrian.
Mondrian, che si immerse anche nella ricerca sulle connessioni universali ed emotive e sulla teosofia, dipinse in modo figurativo nei suoi primi anni.
Influenzato dal cubismo e da altre influenze, passò gradualmente a uno stile espressivo minimalista.
Quest'opera, che raggiunge il massimo del minimalismo, fu realizzata nel 1930.

L'artista ha lasciato le seguenti parole.

Costruisco combinazioni di linee e colori su una superficie piatta. È con la massima concentrazione che esprimo la bellezza universale. La natura (o ciò che vedo) mi ispira e mi spinge a creare qualcosa. Ma voglio avvicinarmi il più possibile alla verità ed estrarre tutti gli elementi da essa. E voglio raggiungere i fondamenti che ne sono alla base... anche se sono ancora superficiali.

Se traccio linee orizzontali e verticali con una volontà chiara, ma con un'intuizione elevata, non calcolata, penso che sia possibile portare armonia e ritmo. La forza e la santità di queste linee è che sono arte".

(ix) Paul Cezanne, Mele e arance.

In questa natura morta del 1899, vediamo distorsioni cariche di tensione.
La coabitazione di motivi visti da angolazioni diverse sullo stesso piano del quadro ha come effetto, ad esempio, la discrepanza tra le creste del tavolo. Questo aspetto è stato successivamente apprezzato e sviluppato dal Cubismo.
Gustave Geoffroy, un importante critico d'arte del XIX secolo, ricordava che Cézanne diceva spesso di voler "sorprendere Parigi con le mele".
Con quest'opera, Cézanne distrusse radicalmente i metodi tradizionali di prospettiva e rappresentazione.
I "motivi" come motivo di "bella pittura".
Cézanne e Picasso, che seguì le sue orme, svilupparono a fondo questa visione, che è rimasta l'approccio di base alla pittura fino ai giorni nostri.

(10) Leonardo da Vinci, Madonna delle Grotte.

Quest'opera gigantesca, che misura 2 metri di altezza, si trova nella collezione del Louvre di Parigi.
In realtà, esiste anche un'altra opera con la stessa composizione, che si trova nella collezione della National Gallery di Londra.
In questo dipinto, la Vergine Maria, il Cristo bambino, il giovane Giovanni Battista e un angelo sono raffigurati sullo sfondo di una grotta rocciosa.
La tecnica dello "sfumato", caratteristica della pittura leonardesca, è in piena evidenza per mostrare la complessità e la profondità dello spazio e le forme morbide delle singole figure e dei loro abiti.
Si pensa che sia stato realizzato tra il 1483 e il 1486 e le ricerche hanno dimostrato che in origine era uno dei tre gruppi di dipinti centrali della pala d'altare della chiesa.
Raffigura Cristo dolcemente sorretto dalla Vergine Maria e Giovanni Battista seduto con gli angeli in una luce soffusa.
Con la sua atmosfera delicata, condivisa anche dalla Gioconda, e il suo senso dello spazio meticolosamente dipinto ma unitario, non è esagerato dire che si tratta di uno dei più bei dipinti del Rinascimento italiano, un periodo ricco di capolavori.




Leggi anche.
L'arte contemporanea ha molto da offrire! Una spiegazione dell'arte contemporanea per genere

Che cos'è l'arte contemporanea? Più ne sai, più è interessante!

Chi è Mondrian? Una spiegazione facile da capire del fascino del fondatore della pittura astratta!

Che cos'è l'arte astratta? Una spiegazione facile da capire della sua storia e dei suoi artisti famosi!

Presenta dieci famosi pittori internazionali che fanno tendenza in questo momento! Arte contemporanea.

Scoprite le ultime opere di TRiCERA ART.

I membri di TRiCERA ART ricevono una serie di offerte speciali e priorità.

- Vendite segrete riservate ai soci, coupon e altri sconti.
- Create la vostra collezione personale registrando i vostri artisti preferiti.
- Ricevere nuove informazioni su artisti, mostre ed eventi popolari.
- Ricevere una newsletter settimanale con opere d'arte selezionate.
- Scoprite che tipo di arte vi piace con la nostra valutazione personale.

Registrati gratuitamente come membro e ricevi le ultime informazioni.

Registrazione gratuita