Gli inizi dell'arte contemporanea
Negli ultimi anni l'arte contemporanea è diventata un fenomeno comune.
Non solo nei musei e nelle gallerie che espongono opere d'arte, le opere d'arte contemporanea sono visibili in vari luoghi della città.
Ma cosa significa esattamente "arte contemporanea"? Qual è il periodo "contemporaneo" a cui si riferisce il termine "arte contemporanea"?
In questo articolo risponderemo a queste domande.
Il modo migliore per capire l'arte è conoscere gli artisti specifici e le loro opere. Ecco dieci persone che possono aiutarvi a capire un po' di più l'"arte contemporanea", che spesso si dice essere poco familiare.
Artisti contemporanei di spicco del XX secolo, 1910 - anni '50
(1) Marcel Duchamp.
Fontana 1917.
Marcel Duchamp è spesso indicato come il fondatore dell'arte contemporanea, nel senso che era radicalmente diversa dall'arte precedente. Forse riconoscerete la sua Fontana, un'opera in cui ha semplicemente capovolto un orinatoio maschile e vi ha scritto sopra la sua firma.
Potreste avere l'impressione che l'arte sia qualcosa che si percepisce intuitivamente prima di pensarci, che sia bella, divertente o meravigliosa.
Tuttavia, ciò che Duchamp mostrava con La fontana era una critica di queste immagini convenzionali e la presentazione di una nuova "arte".
Duchamp classificava l'arte in senso convenzionale come "pittura retinica". La definizione di arte era che poteva essere fruita sulla retina, nel senso che era piacevole e completa solo agli stimoli visivi.
Duchamp, invece, definiva il suo lavoro come qualcosa che poteva essere "goduto con il pensiero".
L'orinatoio maschile in sé non possiede bellezza, maestria artigianale o mistero. Egli afferma che l'atto di "arte" si stabilisce solo quando qualcosa che retinotopicamente non ha alcun valore viene presentato come "opera d'arte" o "arte", e quando viene apprezzato dallo spettatore = pensiero umano.
Questo cambiamento di prospettiva implica l'abbandono dell'atteggiamento passivo secondo il quale "qualcosa di intrinsecamente bello è arte" e la domanda "che significato o sfondo ha questo? e di affrontare l'opera con un atteggiamento attivo che sonda in profondità l'opera, chiedendo "Qual è il significato e lo sfondo di questo?
Questo tipo di lavoro non è sempre piacevole e non tutti sono in grado di apprezzarlo nel modo auspicabile.
L'approccio di Duchamp consisteva nell'accettare anche questa condizione preliminare e nel considerare tutti gli elementi coinvolti nell'atto della visione - l'opera, il background dell'artista, le condizioni e il background dello spettatore in quel momento - come elementi essenziali nella formazione di un'"opera d'arte".
Duchamp riuscì a presentare in modo vivido questo atteggiamento fondamentale, il cui spirito è stato trasmesso alla maggior parte degli artisti contemporanei attivi oggi.
(ii) Pablo Picasso.
Pablo Picasso è un altro artista storico molto amato.
Un famoso aneddoto racconta che la prima parola che pronunciò fu "Lapiz", che in spagnolo significa "matita".
Sebbene Picasso si sia fatto conoscere come genio precoce, è anche noto per aver rivoluzionato l'arte occidentale.
Ha creato il movimento artistico noto come "cubismo".
Nella prospettiva, un modo di percepire lo spazio che caratterizza l'arte occidentale, esiste una regola chiara che prevede un punto di fuga sulla linea orizzontale centrata sull'occhio dell'artista e, man mano che gli oggetti si allontanano dal punto di vista, l'intero paesaggio si concentra sul punto di fuga. Questa tecnica è stata utilizzata per esprimere con precisione il fatto che gli oggetti geometrici di grandi dimensioni, come gli edifici, sembrano rimpicciolire allontanandosi dallo spettatore.
Tuttavia, anche a causa dell'influenza di Paul Cézanne e altri, Picasso si ribellò a questo modo uniforme di percepire lo spazio.
Figlie di Avignone, 1907.
Le figure hanno un aspetto facciale caratteristico, fortemente influenzato dalla combinazione di parti della forma fisica viste da diverse angolazioni e dalle maschere e figure di argilla presenti nell'antica arte africana.
Come percepiamo la realtà? Picasso è riuscito a rispondere a questa domanda in modo unico e vivido.
Anche quando raffigura dei nudi, l'effetto non è quello di fare appello all'erotismo come in passato, ma di attirare l'attenzione dello spettatore sullo spazio stesso, sull'atto stesso di rappresentare tre dimensioni in modo bidimensionale.
(iii) Henri Matisse.
Matisse, noto anche come il "mago del colore", è uno dei pittori più famosi del XX secolo.
Se Picasso rivoluzionò l'espressione della forma, Matisse liberò l'espressione del colore dalla realtà. Era consapevole di disegnare con il colore piuttosto che con la forma.
Armonia rossa, 1908.
Quest'opera è spesso descritta come il capolavoro di Matisse. Il colore principale è il rosso vivo e audace, mentre il motivo arabesco blu, il motivo della carta da parati e delle tovaglie, è raffigurato con una presenza maggiore rispetto al disegno.
L'effetto è che lo spazio, nel senso di profondità, viene fatto sparire, in modo che siano visibili solo i colori piatti.
Oltre ai dipinti a olio, l'artista è stato attivo anche nel campo dei ritagli e negli ultimi anni ha prodotto spesso ritagli.
Colonna - Differenze con l'arte non contemporanea.
L'arte contemporanea si distingue chiaramente dall'"arte moderna", che si riferisce alla categoria di periodo immediatamente precedente.
Il termine "moderno" si riferisce generalmente al periodo della società capitalista e civile dopo l'epoca feudale e il Medioevo, cioè all'epoca dell'"individualismo" e della "democrazia".
Il modernismo si riferisce a un atteggiamento che assume una posizione di rispetto dei diritti e delle libertà individuali nei confronti dell'autorità statale e sociale. Anche nell'arte la modernità è stata caratterizzata da un valore attribuito alla libertà e all'individualità.
Al contrario, l'arte contemporanea, che ha iniziato a emergere intorno agli anni Sessanta, si basa sulla premessa del "godimento del concetto", di cui Duchamp è stato l'artefice. Pertanto, sebbene esistano molte opere interessanti per l'occhio e piacevoli per i sensi, è probabilmente meglio pensare alle opere principali come a quelle che possono essere comprese più profondamente grazie alla conoscenza dell'artista e delle idee che costituiscono la premessa su cui l'opera è stata creata.
Nel XXI secolo, gli stili sono diventati a pieno titolo e completamente diversi da un individuo all'altro, con la maggior parte degli artisti che rifiutano di essere categorizzati nello stesso modo diretto del passato, come uno specifico movimento artistico.
Artisti contemporanei di spicco del XX secolo, anni '60 - '90.
(iv) Jackson Pollock.
Jackson Pollock è una figura di spicco dell'Espressionismo astratto e uno degli artisti più famosi dell'arte americana del dopoguerra.
È stato uno dei principali artefici dell'immagine dell'artista come "ribelle ribelle", che ha continuato a lavorare mentre era dipendente dall'alcol ed è rimasto ucciso quando l'auto che stava guidando si è schiantata contro un palo della luce nei suoi ultimi giorni di vita.
Convergenza, 1952
Pollock è noto soprattutto per aver sviluppato un nuovo metodo di produzione noto come "action painting".
Di solito le tele vengono appoggiate su un cavalletto e orientate perpendicolarmente al suolo. Tuttavia, Pollock dipingeva stendendo la tela sul pavimento e spruzzandovi sopra la pittura senza usare il pennello, una tecnica nota come "drip painting".
Si può dire che dipinse l'intero schermo con una quantità uniforme di calore = un metodo di pittura all-over. La rivoluzione di Pollock consisteva anche nel far scomparire la profondità dal piano dell'immagine, in modo che l'intera superficie del piano dell'immagine si ergesse come un "quadro".
L'enfasi non era sul dipinto come risultato finito, ma sul processo di pittura, cioè sull'azione.
5) Andy Warhol
Inizialmente Warhol lavorò come illustratore per libri illustrati e pubblicità.
A trent'anni ha iniziato a creare opere d'arte utilizzando come motivi oggetti prodotti in serie e copiati, come le lattine di zuppa Campbell's e le banconote da un dollaro. Sebbene all'inizio sia stato aspramente criticato per il suo trattamento deliberato della cultura di massa e della società consumistica di massa, il suo lavoro è stato gradualmente riconosciuto come una nuova forma d'arte, la "pop art", e ha creato un'immagine spettacolare accanto alle pop star dell'industria musicale e cinematografica.
Warhol diceva: "Se vuoi sapere tutto, guarda la superficie". Era scrupoloso nel produrre se stesso, sia nell'aspetto che nel senso che il suo lavoro non aveva un significato più profondo ed era tutto incentrato su ciò che vedeva.
Fondò anche un proprio studio, la Factory.
Fu creato con l'intenzione di produrre il suo lavoro in modo efficiente, come una fabbrica, e anche per invitare e interagire con un'ampia gamma di persone, dalle celebrità dell'angolo e dai personaggi famosi ai vagabondi.
La Factory era nota anche come "The Silver Factory", poiché l'intero interno era ricoperto d'argento. Warhol impiegava lavoratori artistici, noti come "operai dell'arte", che producevano una serie di capolavori.
Questo processo simile a una fabbrica non è stato il primo di Warhol, ma è stato a lungo comune in Europa. Anche grandi pittori pre-moderni come Tiziano e Rubens gestivano i propri laboratori e impiegavano un gran numero di apprendisti, riducendo al minimo il proprio carico di lavoro per produrre grandi quantità di opere di alta qualità.
(vi) Cindy Sherman.
I suoi autoritratti concettuali di se stessa come soggetto sono rappresentativi del suo lavoro, noto soprattutto per 《 Untitled Film Stills 》, una serie di fotografie in cui ha vestito i panni di attrici in pose cliché tratte da scene di film popolari degli anni Cinquanta.
Da studente, Sherman ha realizzato dipinti in stile superrealista, ma è stato uno dei suoi contatti con artisti come Adrian Piper, il cui lavoro si basa sull'espressione fotografica, a portarlo a fare della fotografia il suo mezzo.
Ha iniziato a usare la fotografia come mezzo per le sue opere, come Bus Riders, una serie di fotografie in cui ha vestito i panni di vari passeggeri di un autobus, e Untitled Film Stills, una serie di fotografie pubblicitarie realizzate su set cinematografici e con contenuti che ricordano una scena di un film.
Sherman indossa abiti e parrucche d'epoca e veste i panni di varie donne. Secondo la Sherman, si è ispirata ai ruoli femminili stereotipati dei film hollywoodiani degli anni Cinquanta e Sessanta, ai film noir, ai film di serie B e ai film italiani d'avanguardia.
(vii) Joseph Beuys.
Joseph Beuys è famoso per le sue opere scultoree in grasso e feltro, per le azioni e gli incontri di dialogo, nonché per i suoi interventi su questioni politiche e ambientali.
Chiamando la sua pratica "scultura sociale", ha ampliato le sue attività al di là delle categorie tradizionali dell'arte.
Interessato alla natura e agli animali fin dall'infanzia, ha scelto di utilizzarli come materiali per le sue opere sulla base dell'esperienza di essere trattato con grasso e feltro dai tatari locali quando è stato ferito durante il servizio militare, all'età di vent'anni.
Come membro di spicco del gruppo artistico Fluxus, presenta diverse opere d'azione, tra cui una in cui Beuys, con la testa ricoperta di foglie d'oro e miele, tiene in braccio un coniglio morto e gli permette di toccare la sua pittura, e un'altra in cui Beuys viene portato in ambulanza dall'aeroporto in cui è arrivato negli Stati Uniti a una galleria con coyote, dove vive per una settimana prima di ripartire. Riparte per la Germania, criticando l'oppressione della società statunitense nei confronti delle popolazioni indigene, sottolineando solo l'azione con il coyote.
Importanti artisti contemporanei ancora in vita.
(viii) Anish Kapoor.
Kapoor è un artista contemporaneo britannico nato a Mumbai, in India.
È acclamato a livello internazionale per le sue opere filosofiche e tattili che ci fanno riflettere in modo intuitivo su colore, luce, percezione e spazio.
Dipinta con la vernice "Benta Black", la sostanza più nera del mondo, quest'opera tridimensionale non presenta alcun rigonfiamento o concavità visibile. Un'opera in cui lo spettatore e il paesaggio alle sue spalle sono proiettati su un gigantesco specchio concavo in modo stranamente distorto. Un'opera in cui grotteschi grumi rossi che sembrano interiora o carne e sangue vengono sparati con un cannone in una stanza vuota.
Ogni opera è a prima vista avvolta nel mistero, ma i lavori installativi, che utilizzano l'intero spazio per intervenire sull'esperienza visiva umana e sulle basi dei sensi, esprimono simbolicamente il suo punto di vista unico.
(ix) Yayoi Kusama.
Negli ultimi anni, Yayoi Kusama è diventata l'artista femminile più venduta al mondo.
Nel 2019, le sue opere hanno rappresentato il 25% del mercato in termini di vendite all'asta di opere d'arte create da donne.
L'innovazione di Kusama sta nel suo fare arte in modo paranoico e nella sua capacità di trascendere i media per includere performance e intere stanze come opere d'arte.
I suoi iconici motivi a zucca e a pois sono diventati popolari nella vita di tutti i giorni in una varietà di design. Tuttavia, in origine erano una collezione di semplici puntinismi, con l'espressione impressionante di un essere umano affetto da tendenze psicopatiche.
Il suo lavoro è simile a quello di Pollock in un certo senso, in quanto tutto il valore non è concentrato nell'opera finale in sé, ma piuttosto nel processo; i dipinti e le performance sono riconosciuti come espressione dell'umanità unica di Yayoi Kusama, che non aveva altra scelta che dipingerli.
10) Bruce Nauman.
Bruce Nauman è uno dei principali artisti concettuali americani.
Ha prodotto una serie di attività che invitano alla contemplazione filosofica, indipendentemente dal mezzo, tra cui opere che presentano un linguaggio radicale attraverso tubi al neon, opere video che si formano tagliando, incollando e ripetendo il movimento umano e opere in cui le voci intersecano la stanza attraverso altoparlanti che leggono frasi poetiche ad alta voce.
Nel 2009, Nauman ha rappresentato il suo Paese alla Biennale di Venezia, l'esposizione internazionale conosciuta come l'Olimpiade del mondo dell'arte, nel padiglione degli Stati Uniti d'America, dove ha ricevuto il Leone d'Oro (il premio più prestigioso).
L'opera di Nauman è fortemente influenzata dal lavoro di Ludwig Wittgenstein, uno dei principali filosofi del XX secolo, nelle sue Indagini filosofiche.
In quest'opera, egli definisce la comunicazione globale attraverso il linguaggio che operiamo quotidianamente un "gioco linguistico" e i suoi scritti frammentari e proverbiali sono incentrati sul concetto che solo il linguaggio, cioè il modo in cui il gioco viene gestito, determina le sue regole = il significato delle parole.
Nauman si discosta da questo modo di operare quotidiano ritagliando, ingrandendo, ripetendo ed enfatizzando frammenti di movimento umano e di linguaggio. A noi spettatori viene chiesto di considerare nuovi significati dell'azione e del linguaggio che vengono creati per la prima volta da ciò che Nauman ha fatto (lo spettatore potrebbe pensare).
Conclusioni.
Cosa ne pensate? Una cosa è certa: il campo sconosciuto ed esoterico dell'"arte contemporanea" è un'opera d'arte collettiva, composta da singoli artisti e dalle loro opere.
È impossibile comprendere l'intero campo in una sola volta, ma cercando di interpretare ogni singola opera a modo proprio, si potrà ottenere una migliore comprensione dell'arte.
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