1. la Gioconda

(c. 1503-19)
L'opera d'arte più famosa del mondo, la Gioconda, attira ogni giorno migliaia di visitatori al Louvre e li affascina con il suo sguardo misterioso e il suo sorriso enigmatico.
A prima vista, il ritratto di una giovane donna che indossa un velo sottile, colori sobri e nessun gioiello, non sembra essere un'opera degna di nota. Tuttavia, ha sicuramente un effetto di perplessità sullo spettatore.
Chi ha visto il dipinto dice che è sorprendentemente piccolo.
In effetti, rispetto alle folle che si sono accalcate per vedere l'opera più famosa del mondo, sembra piuttosto piccola. Ma è altrettanto certo che l'eccezionale talento di Leonardo si manifesta nelle piccole dimensioni del dipinto.

I volti dei soggetti sono disegnati in modo morbido, mostrando la maestria di Leonardo nello sfumato (una tecnica artistica che utilizza sottili gradazioni di luce e ombra piuttosto che la linea per rappresentare la forma).
Anche il velo delicatamente dipinto, i capelli finemente intrecciati e l'attenta resa del panno piegato rivelano l'instancabile pazienza di Leonardo nel ricreare le sue osservazioni.
La realtà è ulteriormente accentuata dall'espressione un po' divertita del volto del soggetto. Lo spettatore non è sicuro se il suo sorriso sia affascinante o derisorio, poiché si tratta di una figura complessa che, come gli esseri umani, incarna contemporaneamente caratteristiche contrastanti.

2. l'Ultima Cena

(c. 1495-98)
Uno dei dipinti più famosi al mondo, L'Ultima Cena fu commissionato da Ludovico Sforza, duca di Milano, per la chiesa di Santa Maria delle Grazie, un convento domenicano.
Questa chiesa fu anche il committente della prima residenza di Leonardo a Milano.

Nel Vangelo di Matteo, dove Gesù dichiara che uno dei suoi apostoli lo tradirà e gli consegna il calice, la scena del tradimento è rappresentata come una narrazione continua in questo murale.
Leonardo, che era interessato a come il carattere di una persona si esprime nella sua postura, nelle espressioni facciali e nei gesti, raffigura le reazioni di ciascuno dei discepoli all'annuncio di Gesù in modi espressivi e gestuali diversi.
Le posture degli apostoli sembrano alzarsi e abbassarsi, allungarsi e contorcersi, intrecciarsi, sussurrare, gridare, lamentarsi e discutere, con Gesù seduto tranquillamente al centro.
A causa del metodo di pittura sperimentale, che prevede l'applicazione di due mani di tempera e olio sulla base, il paravento si è staccato subito dopo il completamento. Ora è stato restaurato e ha acquisito una robusta durata.

3. il disegno vitruviano del corpo umano

Il disegno di Leonardo "Figura vitruviana del corpo umano" è stato realizzato in uno dei tanti taccuini che Leonardo tenne con sé negli anni della maturità.
È accompagnata da note scritte in caratteri speculari sulle proporzioni ideali del corpo umano riportate dall'architetto romano Vitruvio nei suoi libri di architettura del I secolo a.C..
L'immagine mostra che Vitruvio ha insegnato che l'essere umano ideale rientra nelle forme incompatibili di un cerchio e di un quadrato.
Leonardo sovrappose quindi due figure, una di un uomo con le braccia distese in modo da rientrare in un quadrato, l'altra con le gambe distese in modo da rientrare in un cerchio.
Il lavoro mostra non solo uno sforzo di comprensione di un testo importante, ma anche la volontà di svilupparlo ulteriormente.
Sebbene Leonardo non sia stato il primo a disegnare il concetto di Vitruvio, in seguito è diventato uno dei disegni più iconici del periodo rinascimentale, in parte perché la fusione di matematica, filosofia e arte era un simbolo appropriato del Rinascimento. Il disegno si trova oggi nella collezione delle Gallerie dell'Accademia di Venezia, ma non viene abitualmente esposto ed è conservato in un archivio climatizzato.

4. autoritratto.

(c. 1490/1515-16)
Il dipinto in gesso rosso di un vecchio con lunghi capelli ondulati e barba è stato a lungo considerato un autoritratto e molti pensano a questo dipinto quando pensano a Leonardo.
Tuttavia, alcuni studiosi hanno sostenuto che con il suo volto scosceso, la fronte aggrottata e gli occhi obliqui, la figura sembra molto più vecchia di quanto Leonardo fosse quando morì all'età di 67 anni.
Essi suggeriscono che questo ritratto possa essere uno degli schizzi grotteschi della figura che l'artista disegnava sempre nei suoi taccuini.
Comunque sia, questo ritratto si distingue da altri bellissimi dipinti di Leonardo e sembra evocare la nobiltà e la saggezza dell'età matura dell'artista.

5. la Vergine delle Grotte

(c. 1483-86)
Molti studiosi ritengono che la Madonna delle Rocce del Louvre sia uno dei due dipinti che raffigurano la leggenda apocalittica dell'incontro tra la Sacra Famiglia e Giovanni Battista, fuggito dalla "strage degli innocenti" di Erode in Egitto.
A seguito di una lunga battaglia legale con la Chiesa dell'Immacolata Concezione, che aveva commissionato l'opera, Leonardo ne dipinse un'altra versione intorno al 1508, oggi conservata nella collezione della National Gallery di Londra.

Si dice che questo primo dipinto preannunci l'arrivo dell'età dell'oro del Rinascimento di Leonardo.
I dipinti di questo periodo solitamente raffigurano figure disposte in modo lineare, separate l'una dall'altra e con forme rigide.
Ne La Vergine delle Rocce, invece, la Vergine Maria, il Bambino Gesù, il Bambino Giovanni e l'Arcangelo sono disposti a piramide, non solo occupando lo spazio, ma anche gesticolando e guardandosi l'un l'altro.
La giovane Maria è seduta sul mistico terreno roccioso, piuttosto che su un trono come raffigurato in molti dipinti del primo Rinascimento.
Il suo corpo sembra ondeggiare mentre inclina la testa per proteggere il bambino Giovanni, che si inginocchia e prega sulla sinistra, come se volesse spingerlo verso il Cristo bambino sulla destra.
L'arcangelo indica Giovanni in una posa complessa, guardando verso lo spettatore, mentre Gesù benedice Giovanni. Leonardo ha anche eliminato i tradizionali simboli sacri dell'aureola per Maria e Cristo e del bastone per Giovanni, in modo che la Sacra Famiglia appaia meno divina e più umana.

6. testa femminile.

1500-10
Si tratta di una piccola opera di pittura.
Raffigura una giovane donna con la testa inclinata all'indietro e gli occhi bassi. La figura ricorda la Vergine Maria della Madonna delle Rocce di Leonardo e si pensa che la modella possa essere stata la stessa donna.
Il soprannome del dipinto, "La scapigliata", si traduce con "la scapigliata" e si riferisce ai capelli scompigliati della giovane donna.
Sebbene i capelli a crocchia e le spalle siano disegnati in modo poco preciso, il volto è altamente rifinito, modellando delicatamente i tratti delicati della donna, dalle palpebre pesanti alle labbra morbide.
L'opera rivela la maestria di Leonardo nel modellare i contorni con pennellate espressive e nel definire i dettagli con una resa accuratamente controllata.

7. signora che tiene in mano una martora

(c. 1489 - 1491)
Molti storici dell'arte ritengono che la giovane donna raffigurata ne La dama con il baijiao sia Cecilia Gallerani, amante del mecenate di Leonardo, il duca Ludovico Sforza di Milano.
La martora bianca è stata spesso utilizzata come stemma del duca.
La donna è rivolta verso destra, con gli occhi lucidi apparentemente rivolti a qualcosa di esterno all'inquadratura.
Sebbene questo dipinto sia stato sottoposto a notevoli interventi di pennello, tra cui lo scurimento dello sfondo, mostra ancora la conoscenza di Leonardo dell'anatomia e la sua capacità di esprimere la figura in termini di postura ed espressione.
Il volto reticente, lo sguardo attento e l'abbraccio gentile dell'imponente e vigile martora con la testa inclinata all'indietro mostrano la giovinezza e la bonarietà della nobildonna.
Le sue mani sottili mostrano l'intricato scheletro sotto la pelle, mentre la testa dell'ocotillo sembra dare un'idea del cranio sotto la pelliccia elaborata.

8. Salvador Mundi.

(c. 1500)
Nel 2017, un ritratto del Salvator Mundi (1500 circa, "Salvatore del mondo") ha fatto notizia quando è stato venduto all'asta per un prezzo record di 405,3 milioni di dollari.
Il prezzo elevato era tanto più sorprendente se si considera che il Salvator Mundi era in cattive condizioni, la sua autenticità era dubbia e la sua autenticità era oggetto di dibattito tra gli studiosi e i critici.
Molti opinionisti hanno sottolineato la scarsa tecnica utilizzata per rappresentare il volto di Gesù, la postura rigida ben diversa dalla posa sinuosa caratteristica dei maestri rinascimentali, la rappresentazione poco convincente della palla di vetro e i trucchi ottici che Leonardo avrebbe conosciuto, che, se rigida, avrebbe distorto il riflesso del suo proprietario.
Tuttavia, Christie's, che ha esposto l'opera, ha respinto queste critiche, affermando che la scarsa lavorazione era il risultato dei grandi restauri del secolo precedente e che il morbido modellato della mano destra di Gesù e la delicatezza dei riccioli stretti erano simili alla tecnica di Leonardo.
Il conservatore ha anche affermato di aver confermato che il dipinto è stato realizzato con gli stessi materiali di Leonardo, in particolare con l'ultramarino, un pigmento blu costoso e di alta qualità utilizzato solo dai maestri.
A prescindere dalla sua autenticità, l'interesse per l'opera e l'alta offerta all'asta avrebbero certamente attestato la fama immortale di Leonardo e la sua potente posizione nella storia dell'arte nei cinque secoli successivi alla sua morte.

9. ritratto di Ginevra de Benci

(c. 1474/78)
Il Ritratto di Ginevra de Benci, esposto alla National Gallery of Art di Washington, è l'unico dipinto di Leonardo in mostra permanente nell'emisfero occidentale.
Si tratta di un'opera precoce, completata da Leonardo poco più che ventenne, e offre un assaggio dei metodi non convenzionali che avrebbe utilizzato nel corso della sua carriera.
Influenzato dai pittori scandinavi, Leonardo ruppe con la tradizione raffigurando la maestosa giovane donna in una posa di tre quarti anziché di profilo, e si pensa che sia stato il primo italiano a dipingere una simile composizione.
La vista di tre quarti fu successivamente adottata per tutti i ritratti, compresa la Gioconda, e divenne lo standard per la ritrattistica, ed è ancora oggi utilizzata come prassi.
È stato anche ipotizzato che Leonardo possa aver dipinto con le dita quando la vernice era ancora dura, poiché le impronte digitali rimangono sulla superficie della vernice.

Al rovescio, una corona di alloro e palme circonda un ramoscello di ginepro (Ginepro in italiano), con un cartiglio latino che recita "La bellezza adorna la virtù" intrecciato intorno a ciascuna pianta.
Il dritto è troncato e si pensa che la parte inferiore del dipinto possa essere stata tagliata a causa di danni causati dall'acqua o da un incendio.
Alcuni studiosi hanno ipotizzato che il ritratto sul dritto potesse raffigurare le mani di Ginevra, ed è possibile che lo studio di braccia e mani in punta d'argento conservato nella collezione del Castello di Windsor sia stato utilizzato come disegno preparatorio.

10. la Vergine con il Bambino e Sant'Anna

(c. 1503-19)
La Madonna col Bambino e Sant'Anna è ritenuta l'ultima opera di Leonardo.
È solitamente considerata l'ultima opera di Leonardo a raffigurare la Sacra Famiglia di tre generazioni - Sant'Anna, sua figlia, la Vergine Maria e il Bambino - nello stile canonico da lui stabilito.
In piedi all'apice della composizione piramidale, Anna guarda Maria, seduta sulle ginocchia, mentre la Vergine trattiene dolcemente Cristo che cavalca l'agnello.
In contrasto con il Leonardo bambino consapevole raffigurato ne La Vergine delle Rocce, la figura di Cristo ne La Vergine e il Bambino con Anna mostra un'infanzia innocente e giocosa, e sembra avere un'espressione fiduciosa quando incontra lo sguardo della madre.
Le interazioni intime tra le figure mostrano la capacità di Leonardo di esprimere relazioni umane convincenti.

Mostra anche l'impegno di Leonardo nell'esprimere lo spazio tridimensionale in due dimensioni.
Come in molte sue opere, le figure sono inserite in paesaggi fantastici. Nel suo Trattato di pittura, utilizza la tecnica della "prospettiva aerea" per esprimere un senso di distanza, facendo apparire le montagne rocciose sullo sfondo più chiare del paesaggio in primo piano.
Questa tecnica è stata utilizzata in molti paesaggi delle sue prime opere, come La Gioconda e La Vergine delle Rocce.