Georgia O'Keefe, nota soprattutto per i suoi dipinti floreali, i quadri di città di New York e i paesaggi montani del Nuovo Messico, è stata un'attiva artista americana del XX secolo.
All'inizio del XX secolo, O'Keefe era all'avanguardia del Modernismo americano come artista donna, una rarità per l'epoca, e fu descritta come una figura di spicco del movimento.
È nota per i suoi dipinti di fiori, in cui i fiori colorati sono ingranditi per creare un'apparenza di astrazione, e per i suoi paesaggi del Nuovo Messico, a cui lavorò negli ultimi anni.
In questo numero analizziamo la vita della O'Keeffe e la grande influenza che ha avuto sull'arte contemporanea.

Red Canna, 1924.

Informazioni di base su Georgia O'Keeffe

Nato: 15 novembre 1887 - 6 marzo 1986 (morto a 98 anni)
Nata: Wisconsin, USA
Movimenti artistici: modernismo americano, precisionismo
Formazione: scuola d'arte affiliata all'Art Institute of Chicago, Art Students League of New York, Columbia University
Personaggi associati: marito, Alfred Stieglitz, importante fotografo e mercante d'arte americano

La vita di Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe nacque nel 1887 in una famiglia di agricoltori a Sun Prairie, una città vicina al lago Michigan, uno dei Grandi Laghi degli Stati Uniti.
La famiglia O'Keefe aveva sette fratelli e Georgia era la secondogenita.
O'Keeffe era nota per aver dimostrato un talento artistico estremamente precoce e decise di diventare pittrice alla tenera età di 10 anni. Insieme alle sorelle Ida e Anita, iniziò a studiare con un'acquarellista locale di nome Sarah Mann.

Iscrizione all'Istituto d'arte di Chicago, Art Students League

Nel 1905, all'età di otto anni, si iscrisse all'Art Institute of Chicago. Lì si classificò costantemente ai primi posti della sua classe.
La febbre tifoidea lo costrinse a prendere un congedo nel 1906-7 e nel 1907 si iscrisse all'Art Students League di Manhattan, New York.
Nel 1908 vince il premio per la natura morta all'Art Students League con il dipinto Coniglio morto con vaso di rame.
Come premio per la vittoria di questo premio, compie un viaggio a New York, compresa una visita alla galleria d'arte "291", di cui era co-proprietario il futuro marito Alfred Stieglitz.

Coniglio morto e vaso di rame, 1908.

Diventa illustratrice e poi insegnante d'arte

Quando le disgrazie economiche e di salute dei genitori non gli permisero di continuare gli studi all'Università delle Arti, O'Keeffe lasciò la scuola nel 1908 e iniziò a lavorare come illustratore professionista.
Lavora fino al 1910, dopodiché si trasferisce con la famiglia a Charlottesville, in Virginia, nello stesso anno, nonostante abbia contratto il morbillo e altre malattie.
In quel periodo smise di dipingere a olio per circa quattro anni e si dice che in seguito disse che l'odore dell'olio di trementina lo faceva ammalare.
Fu qui che O'Keeffe frequentò una scuola estiva per corsi d'arte presso l'Università della Virginia, dove fu esposto allo stile di un pittore chiamato Arthur Wesley Dow e rimase colpito dalla sua freschezza.
Il suo stile è fortemente orientato al design, influenzato dall'arte giapponese che dominava il mondo dell'arte parigino in quel periodo, e O'Keeffe inizia a sperimentare composizioni più bidimensionali rispetto al tradizionale realismo dei suoi lavori precedenti.
Tra il 1912-14 tiene corsi d'arte e lavora come insegnante ad Amarillo, in Texas.

Senza titolo (Rotonda dell'Università della Virginia), 1912-1914.

Disegni astratti del periodo della Columbia

Nel 1915, O'Keeffe tiene un corso d'arte alla Columbia University.
I disegni a carboncino a cui lavorava in quel periodo davano forma ai suoi sentimenti interiori e iniziavano a mostrare la sua espressione creativa.
I disegni furono inviati a un amico di O'Keeffe e alla fine attirarono l'attenzione di Stieglitz alla 291 Gallery.
Stieglitz lodò il lavoro di O'Keeffe come "la cosa più pura, bella e sincera che abbia visto alla 291 da un po' di tempo a questa parte" e nell'aprile del 1916 dieci disegni di O'Keeffe furono esposti alla 291 Gallery.

Disegno 13, 1915, nella collezione del Metropolitan Museum of Art.

L'originalità di essere un dipinto astratto e un paesaggio allo stesso tempo

Dopo aver terminato il suo lavoro a Columbia, si trasferì in Texas.
O'Keeffe amava i tramonti e le albe e iniziò a dipingere i paesaggi che vedeva durante le sue passeggiate. Questa è la serie di dipinti del Palo Duro Canyon. Quando il sole sorge e tramonta si creano contrasti drammatici.
I colori del paesaggio nell'oscurità e la luce del sole splendente sono espressi in colori brillanti in questa serie di opere eccellenti.
O'Keeffe non fece molti schizzi prima di iniziare a dipingere i tableaux. Piuttosto, era interessata a improvvisare il suo lavoro mentre dipingeva.

Paesaggio rosso, 1916-1917, Panhandle Historical Museum.


L'originalità del suo lavoro sta nel fatto che è "un'astrazione e un paesaggio allo stesso tempo".
A partire dalla serie di dipinti del Palo Duro Canyon, O'Keeffe esplorò il modo in cui poteva esprimere il suo lato emotivo attraverso la semplicità dei suoi paesaggi.
Quando dipinse la serie di acquerelli intitolata Light Rising on the Horizon, era convinta di aver raggiunto l'espressione più semplice di ciò che voleva esprimere.
Questa fusione di astrazione e figurazione divenne il tratto più distintivo di O'Keeffe, ma la crescente relazione con Stieglitz la incoraggiò a smettere di usare l'acquerello.
Questo perché la saggezza convenzionale nel mondo dell'arte dell'epoca era che l'acquerello fosse riservato alle pittrici dilettanti.
Da quel momento in poi, O'Keeffe iniziò a realizzare tableaux con colori a olio.

Luce all'orizzonte, 1917.

Gli anni di Stieglitz a New York

Nel 1918 Stieglitz, che aveva 24 anni più di O'Keeffe, le offrì un sostegno finanziario e un posto a New York.
O'Keeffe sviluppò gradualmente un rapporto con Stieglitz, che iniziò anche a frequentare diversi pittori e fotografi intorno a lui.
Tra questi, il fotografo Paul Strand che, insieme alle fotografie dello stesso Stieglitz, si pensa abbia avuto una grande influenza su di lei.

Paul Strand, Wall Street, 1915.


Alfred Stieglitz, Steering, 1907, The Metropolitan Museum of Art.

Semplici dipinti astratti a tema naturalistico.

In questo periodo O'Keeffe iniziò a produrre dipinti con motivi come fiori, foglie e rocce, che potevano essere visti come forme geometriche.
Green Apples, dipinto nel 1922, è una delle sue opere più rappresentative.
All'epoca in cui dipinse quest'opera, O'Keeffe disse.

"È solo attraverso la selezione, l'eliminazione e l'enfasi che si arriva al vero significato delle cose".

Un'altra opera rappresentativa è Music in Blue and Green, in cui i motivi naturali sono ridotti a elementi geometrici.

Musica in blu e verde, 1921.

Il periodo degli omonimi dipinti floreali di O'Keeffe

Nel corso della sua vita la O'Keeffe dipinse circa 200 "quadri floreali", che sono diventati il suo capolavoro.
In essi, l'interno dei fiori, originariamente piccoli, è raffigurato in una scala che si estende oltre l'enorme superficie della tela, come se fosse visto attraverso una lente d'ingrandimento.
Le serie Onigeshi e Red Canna illustrano bene questa caratteristica.
Con la loro colorazione rosso sangue, queste opere colpiscono immediatamente l'osservatore, conferendo ai fiori un senso di vita e persino una sorta di paura della vita che va oltre la semplice bellezza.

Canna rossa, 1928.


Canna rossa, 1927.

Femminilità e particolarità nei dipinti della O'Keeffe

Paul Rosenfeld commentò nel 1922 che "l'opera di O'Keeffe è pervasa dalla femminilità".
I colori e le forme dei suoi dipinti, in particolare quelli dei fiori, ricordano i genitali femminili.
Si sta formulando l'opinione che i dipinti di O'Keeffe siano metafore della femminilità, ma la stessa O'Keeffe ha sempre rifiutato tali connotazioni.
Tuttavia, lasciando da parte il dibattito sul significato dell'opera, il valore del lavoro di O'Keeffe continua a salire.
Nel novembre 2014, Jimson Weed No. 1 è stato venduto per 44 milioni di dollari (circa 4,66 miliardi di dollari al cambio dell'epoca).
Questo prezzo è stato più di tre volte superiore a quello di precedenti opere di artiste donne, il che dimostra l'alta reputazione di O'Keeffe.

Jimson Weed, 1936.

I grattacieli di New York di O'Keeffe.

Nel 1925, O'Keeffe si trasferì in un appartamento al 30° piano dello Shelton Hotel di Manhattan, New York, e iniziò a dipingere grattacieli e grattacieli come motivi.
Radiator Building è forse il più rivelatore dei suoi dipinti, in quanto rivela la tecnica pittorica di O'Keeffe e la geometria della semplificazione.
Lo Shelton Hotel illuminato e l'autostrada che attraversa lo spazio tra gli edifici creano un'atmosfera magica.
Sebbene l'uso unico di O'Keeffe di colori vivaci sia ancora evidente, il numero contenuto di colori in quest'opera, che si adatta alla scena notturna, la rende un'opera molto popolare.

L'edificio del radiatore, 1927.

Nuovo Messico, un periodo di maturità in un luogo nuovo.

Nel 1929, O'Keeffe e la sua amica Rebecca Strand visitarono Taos, nel Nuovo Messico, dove trovarono grande ispirazione.
A Taos soggiornarono da Mabel Luhan, che all'epoca era un'attiva sostenitrice delle donne artiste.
O'Keeffe continuò a fare schizzi e ricerche nel paesaggio della montagna di Taos, che poteva vedere dalla casa in cui alloggiava, e nella naturale semplicità del paesaggio con le sue aspre e ruvide pareti rocciose.

I dipinti di O'Keeffe sulle ossa dei bovini.

O'Keeffe iniziò quindi a trascorrere una parte di ogni anno in New Mexico, raccogliendo ossa e pietre che trovava sul ciglio della strada durante le sue passeggiate e interviste.
Questi motivi portarono a una serie di dipinti di ossa incentrati sul tema della morte della vita.
Le sue passeggiate nella natura selvaggia venivano effettuate con la sua Ford A preferita.
O'Keeffe aveva una particolare predilezione per la terra del Nuovo Messico e disse a un amico.

È un luogo davvero bello, inesplorato e un po' solitario. È proprio il tipo di 'luogo lontano' che ti fa sentire come se l'avessi già dipinto prima e dovessi dipingerlo di nuovo".

I dipinti con teschi di mucca sono stati realizzati in questo periodo e a partire dalla fine degli anni Trenta.
Dal 1932 alla fine degli anni Trenta, il suo lavoro fu interrotto da problemi psicologici. Ciò sarebbe dovuto a una relazione con il marito Alfred.
Tuttavia, nel 1936 riprese a lavorare, includendo forse uno dei dipinti più noti della O'Keeffe, Giorni d'estate.
In quest'opera, un teschio di mucca fluttua nell'aria, come nel surrealismo, dominando una catena montuosa e un orizzonte fatto di terra rossa del Nuovo Messico.
La composizione del dipinto conserva una certa nostalgia e leggiadria, ma dà chiaramente un senso più pieno della "morte" e del suo "lutto" rispetto ai tempi dei dipinti floreali.

Giorno d'estate, 1936.

Opera fornita alla Pineapple Company, Hawaii.

Quando N. W. Ayer & Son, probabilmente la più antica agenzia pubblicitaria degli Stati Uniti, chiese a O'Keeffe di collaborare con loro, egli accettò prontamente.
Tra gli artisti che avevano lavorato con N. W. Ayer & Son in passato c'era anche Isamu Noguchi.
Il progetto portò O'Keeffe alle Hawaii, dove trascorse nove settimane nelle isole di Oahu, Maui, Kauai e nelle principali isole hawaiane.
A Maui, in particolare, gli fu concesso un periodo di tempo completamente libero per potersi concentrare completamente sulla ricerca per la produzione.
Sulla base di questa ricerca, dopo il ritorno a New York O'Keeffe completò 20 dipinti di piante sensuali e retrogradi.

Germogli di ananas, 1939.

Mostre retrospettive negli Stati Uniti

Negli anni Quaranta si tennero mostre retrospettive all'Art Institute di Chicago e al Museum of Modern Art (MoMA) di New York.
Una mostra personale al Museum of Modern Art di New York nel 1946 la rese la prima artista donna ad avere una mostra personale al museo.

Dipinti di terre bianche e nere.

All'incirca nel periodo della retrospettiva, O'Keeffe iniziò la serie Black Land and White Land.
La Terra Nera, secondo O'Keeffe, era "come la schiena di un elefante con chilometri di dorso di elefante e suole di sabbia bianca".
Nella terra di Abiquiú, nel Nuovo Messico, il motivo era costituito da bianche scogliere a picco sul mare.
I dipinti di questo periodo, che potrebbero essere definiti una serie di neri, grigi e bianchi acromatici, sono più astratti.

Terra nera II, 1942, Metropolitan Museum of Art.


Terra nera, grigia e rosa, 1949.


Terra bianca, 1941.

Gli ultimi anni di O'Keeffe

Negli ultimi anni, O'Keeffe dipinse quadri simbolici con il motivo della scala verso il cielo e strani quadri fluttuanti che sembrano guardare le nuvole dall'alto.
Questi si discostano dal suo precedente stile pittorico astratto, che rimaneva fedele all'osservazione, e adottano un approccio compositivo che lascia all'osservatore la sua immaginazione.
Anche quando si avvicinò alla tarda età, O'Keeffe continuò a cercare nuovi metodi di produzione, il che dimostra il suo insaziabile appetito per nuovi modi di creare.

Scala per la luna, 1958.


Paesaggio sopra le nuvole IV, 1965.

Negli anni Sessanta e Settanta, anche il Worcester Art Museum e il Whitney Museum of American Art ospitarono retrospettive dell'opera di O'Keeffe.
Il Whitney Museum of American Art pubblica anche un catalogo con le sue opere.
Negli anni Settanta, fino agli ultimi anni del 1984, O'Keeffe ha continuato a lavorare a matita, carboncino e acquerello.

Come viene considerata O'Keeffe

Riconoscimento come femminista

L'artista Judy Chicago, promotrice del movimento femminista, ha passato in rassegna la storia delle donne artiste nel suo The Dinner Party (1979), in cui ha dato particolare risalto alla O'Keeffe come "la prima persona a portare l'iconografia sensuale e femminista nella storia dell'arte". La stessa O'Keeffe, tuttavia, non era una femminista.
Tuttavia, la stessa O'Keeffe evitava di essere definita una femminista, un'artista che promuoveva tale nozione o una "artista donna".
Preferiva piuttosto essere chiamata semplicemente "artista".

Natura metaforica dei dipinti floreali

Fin dall'inizio è stato sottolineato che la serie di dipinti floreali di O'Keeffe simboleggiava la vulva degli organi genitali femminili.
Il mercante d'arte Samuel Coutts si oppose alla rappresentazione sessuale delle sue opere.
Tuttavia, la posizione della stessa O'Keeffe era che non c'era alcun legame tra i dipinti e questo.
O'Keeffe sosteneva che "coloro che leggono temi erotici nei miei dipinti vi leggono piuttosto i propri desideri".

Artisti associati a Georgia O'Keeffe

Muriel Napoli

Natura 133 A cura di. Muriel Napoli


Mukhamadeyeva Zulfiya

Ammirazione di Mukhamadeyeva Zulfiya


Jooha Sim

I papaveri continuano a fiorire di Jooha Sim



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