Il pensiero artistico è un tema molto sentito nel mondo degli affari. L'idea è quella di utilizzare il modo di pensare che gli artisti utilizzano per creare le loro opere d'arte nel mondo degli affari, ma quali sono i reali background e le motivazioni che stanno dietro al lavoro di artisti molto apprezzati?
Diamo un'occhiata ai diversi modi di pensare all'arte, dagli artisti più noti a quelli il cui nome è raramente sentito in Giappone ma che sono molto apprezzati in tutto il mondo, nel contesto delle loro opere reali!

Marcel Duchamp

La fontana
Di Marcel Duchamp ( 1887-1968), noto come il fondatore dell'"arte moderna". Quest'opera è rinomata come un capolavoro dell'arte ready-made.
Firmando un orinatoio maschile magnetico "R. Mutt", ha affermato che anche i prodotti già pronti possono essere definiti opere d'arte. Sebbene all'epoca abbia suscitato molte ostilità, oggi l'opera è spesso considerata un punto di partenza per l'arte contemporanea, un lavoro monumentale che mette in discussione il concetto e il sistema stesso dell'arte. Si può dire che richieda una rilettura del "concetto di arte", che un'opera d'arte non è tale perché è originariamente un dipinto o perché è bella nel senso tradizionale del termine.
Si può dire che il pensiero artistico, così come viene visto, estende le possibilità dei concetti esistenti ricostruendoli. Tuttavia, è inevitabilmente accompagnata da una valutazione del lavoro come "inferiore", "sporco" o "decente" in termini di valori generali. Come rispondete a questo, o piuttosto che rispondere, fate in modo che le persone gemano e dicano "Hmmm, capisco"? Giochi di questo tipo sono abitualmente praticati nell'arte contemporanea e, applicando il quadro di questa discussione al vostro campo, potreste essere in grado di proporre qualcosa che non avete mai preso in considerazione.
Va notato che, sebbene quest'opera sia stata storicamente definita di Duchamp, la maggior parte dei lavori readymade di Duchamp sono, secondo le ricerche attuali, di Elsa von Freytag-Loringhoven, un'artista e poetessa tedesca dell'avanguardia e del Dadaismo (Elsa von Freytag-Loringhoven ) si dice che abbia creato l'opera.

Donald Judd.

Senza titolo.
Donald Judd ( 1928-1994) è famoso come rappresentante del movimento artistico minimalista fiorito negli Stati Uniti nel XX secolo.
Ha realizzato una serie di opere intitolate Senza titolo, in cui le scatole sporgono regolarmente dalla parete. Quest'opera, che sembra essere solo una serie di semplici scatole, si basa su una serie di regole. Le scatole sono in lega, i lati sono verniciati con la vernice usata per verniciare le Harley Davidson e le superfici superiore e inferiore sono in metallo nudo. Le 12 scatole sono alte 9 pollici ciascuna e distanziate di 9 pollici. Inoltre, gli stessi oggetti dell'opera erano prodotti in fabbrica, poiché Judd non amava alcuna traccia di lavoro fatto a mano.
Non vi è alcuna inevitabilità in queste regole, ma con l'atto di adesione ascetica a certe regole, Judd ha incarnato il formalismo dell'arte. Alcuni hanno trovato la bellezza visiva in questo, mentre altri hanno trovato rinfrescante la sensazione minimalista del processo descritto a parole. Eliminando quasi tutti gli ornamenti e sostituendoli con un minimo di oggetti, si è creata una nuova ridefinizione di "arte/arte" rispetto alle opere precedenti che avevano creato una certa sensazione "artistica" attraverso l'uso di diversi colori e varie forme.
Questo può essere visto come un esempio di come il lavoro negativo possa effettivamente portare a una nuova creazione.

Andy Warhol.

Lattine di zuppa Campbell's
Andy Warhol, il celebre maestro della pop art, ha creato quest'opera tra il 1961 e il 1962. Realizzata con un tipo di tecnica di stampa nota come serigrafia, l'opera consiste in una serie di 32 lattine di zuppa di pomodoro Campbell's (un prodotto alimentare commerciale molto diffuso all'epoca) superficialmente identiche su tela. Con questo approccio, Warhol ha fatto una dichiarazione sprezzante sulla cultura popolare e sulla società dei consumi di massa degli Stati Uniti dell'epoca. Forse non voleva necessariamente criticare la società. Nella storia dell'arte, i successi di Warhol sono spesso attribuiti al valore artistico della stampa e alla divulgazione dell'arte, ma forse una motivazione più personale - "voglio essere una pop star" - è più importante. Non è esagerato dire che la base dell'idea comune che gli "artisti contemporanei famosi" siano anche delle star, anche se non sono membri di gruppi rock o attori, è nata con la popolarità esplosiva di Warhol.

Christo e Jeanne-Claude.

Reichstag gremito｜1995 Fotografia: Reinhard Krause/Reuters
La coppia è famosa per i suoi progetti artistici su larga scala, che potrebbero essere descritti come "packaging art " - un'idea iniziata nel 1958 con l'imballaggio di oggetti di uso quotidiano e gradualmente cresciuta fino a includere enormi edifici (il Reichstag a Berlino, in Germania), natura e interi paesaggi di parchi. L'idea è stata introdotta nell'ambito della "land art". L'artista viene spesso presentato nell'ambito della "Land Art", ma lui lo nega. I due coniugi, che affermano che il loro lavoro "appare come un sogno, scompare come un sogno e rimane solo nel pubblico", non lasciano mai intatte le loro strutture imballate e il loro lavoro può essere visto solo attraverso la fotografia documentaria. Gli enormi costi di ogni progetto sono stati coperti dalla vendita di opere d'arte originali di Christo, tra cui disegni e collage che hanno anticipato il completamento del progetto, senza alcun sostegno da parte di musei, governo o aziende. Dopo la morte della coppia, la Fondazione, che era subentrata alle loro volontà, realizzò l'imballaggio dell'Arco di Trionfo a Parigi, suscitando grande attenzione.
Il progetto è stato ripetutamente contestato dai residenti locali e da altri che si sono chiesti: "È arte?". Ogni progetto ha richiesto diversi anni o decenni per essere realizzato a partire dalla sua ideazione negli anni Sessanta.

Pierre Huyg.

Dopo la vita davanti a noi
Le opere di Pierre Huigues ( 1962 - ) presentano una visione del mondo che ricorda la fantascienza. Ma se la fantascienza è anche fantascienza, essa è anche concepita come speculative fiction. Le opere si comportano come forme di vita intelligenti che imparano, si autocorreggono ed evolvono. Attraversando varie discipline e l'ingegneria, non solo l'arte, viene presentato come arte un "ambiente" che nessuno ha mai visto prima.
Il pensiero artistico non si limita più a giochi di parole come l'analisi e la ridefinizione concettuale. Si tratta piuttosto di un'opera che ci ricorda che il nostro mondo è circondato da cose non umane e che queste "cose non umane" sono create utilizzando una serie di ricerche e competenze contemporanee.

Marina Abramovic.

Ritmo 0《.
Marina Abramovic ( 1946 - ), nota per la sua arte performativa radicale, ha presentato una performance intitolata 《Rhythm 0》 in una galleria di New York nel 1974. L'artista stessa ha svolto un ruolo completamente passivo, e su una scrivania accanto a lei c'erano 72 oggetti vari con la clausola che "lo spettatore è libero di usare questi strumenti contro l'artista", che per sei ore ha agito come un oggetto nello spazio. All'inizio i visitatori regalavano ad Abramović, ad esempio, delle rose. Tuttavia, sono stati posizionati anche strumenti pericolosi come forbici, coltelli, una pistola e un singolo proiettile, e la performance, in graduale escalation, si è conclusa quando un visitatore ha raggiunto il punto estremo di puntare una pistola carica contro un artista disarmato.
In questa mostra simile a un esperimento sociale, l'artista dice di aver voluto "testare fino a che punto gli esseri umani possono essere brutali in uno spazio senza conseguenze sociali".
Il suo lavoro, che ha una forte componente sociale e politica all'interno dell'arte performativa, non è radicale per il gusto di esserlo, ma come strategia necessaria per scalfire l'essenza della natura umana.

Olafur Eliasson.

Il progetto meteo
Olafur Eliasson ( 1967 - ) è un artista che spesso crea installazioni site-specific. Ha un grande interesse per i fenomeni naturali e l'architettura, e talvolta utilizza macchinari e altri oggetti per creare spazi che evocano fenomeni naturali, con l'obiettivo di scuotere la visione e la percezione dello spettatore. In quest'opera, un'enorme fonte di luce arancione, come un tramonto, viene ricreata nel museo.
La natura aspra della sua terra d'origine, l'Islanda, ha influenzato notevolmente la sua arte. Lì sono presenti i bellissimi e spettacolari lavori della terra - ghiacciai, sezioni continentali e mari freddi - ma è anche un'area in cui gli effetti del riscaldamento globale stanno diventando sempre più pronunciati. Eliasson collega il pensiero artistico alla società, sollevando questioni in un modo che solo l'arte può fare attraverso le sue opere che ricreano fenomeni di luce e acqua.

Hito Steyer.

Factory of the Sun｜2015, per gentile concessione della Andrew Kreps Gallery, New York
Hito Steyer è un regista e un artista il cui lavoro è innovativo nel campo del saggio-documentario. Si interessa di tecnologia, circolazione globale delle immagini e, in particolare, dell'impatto delle immagini sulla società. Conosciuta principalmente per le sue opere video, è un'artista acclamata che estende i confini del cinema e tratta temi concettuali ma importanti della contemporaneità.
Nel suo lavoro mescola finzione e realtà, grafica computerizzata e filmati documentari. Temi come il militarismo, l'ascesa delle società di sorveglianza e le economie alternative sono questioni contemporanee che tutti possono vedere come proprie. Tuttavia, è presentato con una combinazione di pop e umorismo, senza finire per essere rigido e predicatorio.
Per quanto pesante sia il soggetto, l'arte deve avere una certa leggerezza. Questa leggerezza di prospettiva e la mescolanza di competenze dovrebbero essere supportate da un pensiero critico che vi servirà anche in altri campi.

Mark Bradford.

BLACK VENUS, 2005 © Mark Bradford (per gentile concessione dell'artista e di Hauser & Wirth) foto: Bruce White
Mark Bradford è un artista contemporaneo che si occupa principalmente di pittura astratta. È noto per le sue opere di grandi dimensioni, simili a griglie, che combinano pittura e collage e sono caratterizzate dall'incorporazione di oggetti di uso quotidiano come resti di poster e biglietti da visita. Nel suo lavoro, Bradford esplora questioni sociali e politiche come l'emarginazione delle comunità e dei gruppi vulnerabili da parte di chi detiene il potere. Descrive il suo stile come "astrazione sociale".
Come riesce a penetrare nella società contemporanea pur attenendosi alle forme tradizionali della pittura? Questa sfida ha una struttura di pensiero comune agli uomini d'affari contemporanei, che utilizzano i propri punti di forza per sviluppare il proprio pensiero, incorporando anche l'ambiente che li circonda.

Banksy.

Banksy, un artista di strada diventato molto popolare in Giappone negli ultimi anni, ha uno stile che consiste nello scrivere messaggi alla società sui muri delle città con illustrazioni e testi di grande impatto. Questa tecnica, nota come stencilling, consiste nel realizzare in anticipo uno stampo con i fori della forma che si vuole disegnare, tenerlo in piedi sul muro e spruzzarlo, consentendo di lasciare rapidamente i graffiti prima che la polizia li trovi. Il motivo per cui osa utilizzare un metodo che spesso viene classificato come illegale piuttosto che artistico è che le persone a cui vuole trasmettere il suo messaggio, e il modo in cui lo vuole trasmettere, siamo noi, le persone che camminano per strada.
Potete creare il vostro modo "giusto" di fare le cose coinvolgendo le persone intorno a voi, anche se si tratta di un modo di fare apparentemente molto criticato. Si tratta di una metodologia pericolosa, ma ci sono molti punti che possiamo imparare da questo, anche se solo in parte.