Post-impressionismo, cubismo e simbolismo

La seconda metà del periodo che viene classificato come arte moderna, il PostimpressionismoCubismo, Cubismo e Simbolismo sono emersi movimenti artistici.

Il post-impressionismo

Il post-impressionismo fu rappresentato da pittori come Van Gogh e Gauguin, che utilizzarono la forza espressiva unica del colore stesso.

Van Gogh e Gauguin, in particolare, influenzarono movimenti artistici successivi come il fauvismo, l'espressionismo, l'arte astratta e il primitivismo.

Vincent van Gogh, Notte stellata al chiaro di luna, 1889, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Fauvismo.

Inizio del XX secolo, Henri Matisse Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e altri rivoluzionarono il mondo dell'arte a Parigi.

Erano conosciuti come il Fauvisme (Fauvisme), che vedevano nel colore una forza espressiva autonoma. Per loro il colore era particolarmente importante per esprimere i sentimenti e le sensazioni interiori dell'essere umano e studiavano i mondi autonomi creati dal colore stesso.

Henri Matisse, Danza (I), 1909, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

La Danza ( I ) di Henri Matisse è un'opera particolarmente importante sia per la carriera artistica dello stesso Matisse sia per lo sviluppo della pittura moderna.

Si dice che l'opera rifletta l'impulso artistico dell'umanità primitiva latente nell'arte primitiva.

Nel dipinto, le figure umane hanno colori caldi in contrasto con il freddo sfondo blu-verde e le donne nude danzano ritmicamente, tenendosi per mano in cerchio. Sembra trasmettere un senso di libertà di sentimenti e di edonismo, non vincolato da nulla di specifico.

Il cubismo.

La terza tendenza è il cubismo.

Il cubismo, in termini storici dell'arte, enfatizza la composizione intellettuale e la forma rispetto alle impressioni sensuali e mutevoli. Paul Cézanne. La teoria dell'espressione di Paul Cézanne.

L'influenza di Cézanne è forte nell'opera di Pablo Picasso. Pablo Picasso. Pablo Picasso. Picasso vedeva le forme naturali come un accumulo di cubi, sfere e coni, che ammucchiava per "comporre" piuttosto che riprodurre il soggetto, basandosi sul metodo di Cézanne. Il cubismo pittura.

Il dipinto del 1907 Le figlie di Avignonedel 1907 è una delle opere più rappresentative del cubismo. Si tratta di una rivoluzione radicale contro la tradizione pittorica occidentale, con l'introduzione di tecniche artistiche primitive e di una composizione spaziale piatta non vincolata dalla prospettiva convenzionale.

Paul Cézanne, Monte Saint-Victoire, 1904, Museo d'Orsay.

Pablo Picasso, Le figlie di Avignone, 1907, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Il simbolismo

Sorto nel XIX secolo come reazione al realismo, che seguiva il mondo visibile, e all'impressionismo, che ne era un'estensione, Il simbolismo Il simbolismo è una reazione contro il realismo e l'impressionismo di Van Gogh.

Il simbolismo è uno stile artistico emerso quasi parallelamente al movimento tardo-impressionista di Van Gogh, Gauguin e Cézanne.

I pittori simbolisti tendevano a enfatizzare la composizione intellettuale e la forma rispetto alle impressioni sensuali e mutevoli del loro mondo interiore, in reazione all'Impressionismo.

Il simbolismo è presente in tutta Europa, negli Stati Uniti e in Russia, Gustave Moreau. Odilon Redon e i preraffaelliti Preraffaelliti britannici ,, Gustav Klimt ,, Arnold Becklin ,, Edvard Munch e Edvard Munch sono tra i principali pittori.

In termini di influenze sulle generazioni successive, il Simbolismo è rappresentato, tra gli altri, da Vasilij Kandinskij e Piet Mondrian ,, Avanguardia russa (movimento artistico) ,, Surrealismo(movimento artistico).

Odilon Redon, Ciclope (1898 - 1914), opera principale del Simbolismo, Kröller-Müller Museum.

Opera di punta del Surrealismo, Salvador Dalí, La fissazione della memoria, 1931, Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Altri movimenti artistici

Oltre ai movimenti artistici sopra citati, esistono anche le correnti note come "primitivismo" e "arte naïf".

La scuola naïf è un gruppo di opere prodotte da artisti che non hanno avuto un'educazione artistica formale e che sono autodidatti, il che li fa risaltare per la loro semplicità e originalità.

Il pittore della domenica Henri Rousseau è un artista rappresentativo.

Nella maggior parte dei casi, gli artisti dell'arte naïf erano autodidatti nella tecnica e nella composizione e lavoravano per piacere personale mentre si guadagnavano da vivere in altre professioni.

Pertanto, sebbene non sia stata definita con precisione una categoria di movimento artistico, questa corrente spontanea (come classificata dagli storici dell'arte in un secondo momento piuttosto che in base alle intenzioni dell'artista) viene distinta per comodità con il termine "scuola", in contrapposizione a "˜ismo'".

Henri Rousseau, Bambino con bambola, 1908

Sintesi dei movimenti artistici che compongono l'arte moderna

Ripercorriamo ancora una volta i movimenti artistici che hanno dato forma all'arte moderna.

Prima metà dell'arte moderna:

Romanticismo, Realismo, Impressionismo

Seconda metà dell'arte moderna:

Post-impressionismo, Cubismo, Fauvismo, Simbolismo, Rusticismo.

Questi hanno portato a movimenti artistici successivi. Sebbene le opinioni divergano anche tra gli esperti, l'Impressionismo divenne la fonte dell'Espressionismo astratto, che fu seguito dal Postimpressionismo e da un misto di Secessione viennese e Art Nouveau, che non vengono introdotti qui, e poi dall'Espressionismo tedesco, e così via, con la creazione e la scomparsa di movimenti artistici. Nessun movimento artistico rimane inalterato per secoli, poiché la vita degli artisti è limitata, ma continua a influenzare gli artisti, i critici e gli storici dell'arte contemporanei venendo scoperto o, al contrario, diventando così pervasivo da passare inosservato.

Appendice: la vigilia della nascita dell'arte moderna

Si fa una distinzione tra arte moderna e contemporanea. Tuttavia, in termini di ampiezza dell'influenza dell'arte moderna, si può dire che in un certo senso l'arte moderna è continuata fino ai giorni nostri, nel XXI secolo. Come accennato brevemente all'inizio di questo articolo, diamo un'occhiata più da vicino a come l'arte "moderna" è stata creata in riferimento al periodo pre-moderno.

Rivoluzione industriale

La nascita dell'arte moderna può essere fatta risalire alla Rivoluzione industriale del XVIII e XIX secolo, che ha portato grandi innovazioni tecnologiche nella produzione e nei trasporti in Europa occidentale e in Nord America, rivoluzionando le strutture economiche, sociali e culturali.

Durante questo periodo, una nuova forma di trasporto, la macchina a vapore, ha cambiato il modo di vivere e lavorare delle persone. Nasce il viaggio, che facilita gli spostamenti all'estero, soprattutto nell'Europa senza sbocchi sul mare, ampliando il mondo degli abitanti delle città e accelerando gli scambi economici, culturali e ideologici. Con la prosperità dei centri urbani, i lavoratori si riversarono nelle città per le imprese ad alta intensità industriale e la popolazione urbana crebbe rapidamente. Se da un lato il capitalismo è diventato altamente sviluppato grazie ai progressi scientifici e tecnologici e alla Rivoluzione industriale, dall'altro si può dire che abbia portato a un declino della fede e al graduale indebolimento e secolarizzazione dell'autorità sociale cristiana.

Inaugurazione della ferrovia di Stockton e Darlington, 1825.

Cambiamenti nelle concezioni estetiche di fronte ai cambiamenti sociali

Anche i cambiamenti nell'espressione artistica occidentale sono strettamente legati a questi mutamenti sociali. Parallelamente alla già citata promozione della mobilità fisica su rotaia, si verificò uno spostamento verso l'individualismo nell'arte e un passaggio dai valori tradizionali, che vedevano la bellezza ideale classica come norma assoluta, ai valori moderni, che relativizzavano la bellezza come soggettiva.

Nel suo testo "Sulle varietà della bellezza" (1857), il pittore romantico Delacroix sostenne che la bellezza non si trova solo nell'antica Grecia, ma che epoche e regioni diverse hanno bellezze diverse e che i grandi poeti e artisti creano bellezza grazie alla loro individualità e singolarità. Questo cambiamento nella definizione di bellezza è un allontanamento fondamentale dalla visione premoderna dell'arte.

Nell'arte contemporanea del XXI secolo e nel cosiddetto mondo dell'arte, esiste ancora un mercato dell'arte contemporanea influenzato dalla cultura popolare e la comprensione fondamentale dei concetti estetici relativi è stata trasmessa fino ai giorni nostri.

Sistemi di valutazione dei valori estetici

Non si può ignorare che un cambiamento nei valori artistici si è verificato in termini di ricezione delle opere d'arte: a partire dalla fine del XIX secolo, la classificazione dei valori estetici si è spostata dal tradizionale "sistema accademico" al "sistema critico". Ai fini di questo commento, rivediamo ancora una volta la formazione dell'individualismo moderno.

Prima dell'era moderna, gli artisti producevano generalmente opere su commissione di ricchi mecenati privati e chiese. La maggior parte di queste opere d'arte apparteneva a un genere noto come pittura di storia, che raffigurava scene bibliche o mitologiche e ne insegnava il contenuto allo spettatore.

Nell'era moderna, con lo sviluppo del capitalismo e della classe media, i cittadini della classe media, piuttosto che i reali, l'aristocrazia e i poteri religiosi, cominciarono a diventare il nuovo pubblico ricettivo per la pittura. Questo cambiamento di pubblico ebbe un forte impatto sull'opera d'arte stessa, con un netto aumento della produzione di paesaggi e dipinti di genere accessibili e fruibili che sostituirono la storia, la ritrattistica e la pittura religiosa.

Ciò rese meno assoluto il successo degli artisti all'interno del mondo accademico. Courbet, Manet e i pittori impressionisti presero le distanze dal sistema accademico francese e riuscirono a farsi accettare dalle classi medie, soprattutto negli Stati Uniti, attraverso i mercanti d'arte. Ciò significa che il sistema di valutazione dei valori estetici si spostò dall'accademismo agli attori della critica e dei mercanti d'arte: tale "sistema critico", emerso alla fine del XIX secolo, costituì un nuovo quadro di riferimento per la ricezione della pittura e continua a funzionare in modo robusto ancora oggi nel mondo dell'arte.

Kahnweiler (Daniel Henry Kahnweiler, 1884-1979), importante mercante d'arte cubista, tra cui Pablo Picasso e Georges Braque, è considerato un gallerista pioniere dell'arte contemporanea e ha creato un nuovo sistema di mercato dell'arte.

Il Casco di Crosby Garrett all'asta da Christie's, Londra, il 7 ottobre 2010.

Arte popolare

Il XIX secolo è stato caratterizzato anche dallo sviluppo di arti popolari come la stampa, le arti decorative e il design grafico, in contrasto con le tradizionali belle arti di pittura, scultura e architettura, Lautrec. Alphonse Mucha e altri illustratori popolari.

Henri de Toulouse-Lautrec Moulin Rouge, La Goulue, 1891

Alphonse Mucha F. Champenois Imprimeur-Éditeur, 1897, litografia

Con lo sviluppo della classe media e la fioritura di carte da parati, mobili, illustrazioni e rilegature di libri, vetrate e arazzi, mosaici e industria della ceramica, si diffuse in Europa un'arte decorativa altamente artistica, che si discostava dalla semplice decorazione. I preraffaelliti e il movimento Arts and Crafts di William Morris ne sono un esempio lampante; l'Art Nouveau, che divenne popolare alla fine del XIX secolo, può essere considerata l'apice del movimento delle arti decorative del XIX secolo.

Arazzo di William Morris, 1885.

L'ascesa dell'arte popolare nel XIX secolo è condivisa oggi, nel XXI secolo, dall'arte di strada che utilizza mezzi come la spray art sui muri delle città, gli adesivi, gli stencil e la manomissione delle insegne, e che comincia a essere commercializzata accanto all'arte di qualità.

Ratto anarchicodi Banksy , scattato da Shermozle

Il nuovo mezzo fotografico

Sono emersi nuovi mezzi che possono essere considerati arte al pari della pittura.

Tipico di questi è la "fotografia": dall'invenzione del dagherrotipo, il primo metodo di fotografia, nel 1839, l'arte della fotografia è migliorata e ha acquisito la capacità di rappresentare il realismo, minacciando lo status della pittura realistica.

I pittori dovettero quindi trovare metodi di espressione diversi dalla fotografia e si svilupparono l'impressionismo e il romanticismo, che riproducevano ciò che il pittore sentiva soggettivamente, piuttosto che riprodurre la realtà così com'era.

D'altra parte, anche la fotografia Alfred Stieglitz. e altri iniziarono ad allontanarsi dalla riproduzione della realtà così com'è per diventare "arte" come la pittura.

L'avvento dell'immagine in movimento (1859) ha avuto un forte impatto anche sulla pittura. Si può dire che l'invenzione dell'immagine in movimento rese meno importante la rappresentazione narrativa nella pittura e motivò gli artisti a perseguire caratteristiche uniche della pittura.

Alfred Stieglitz, Miss S.R., 1905.

Il contatto con altre culture - l'epoca delle esposizioni mondiali

Non va dimenticata la trasformazione dell'arte del XIX secolo attraverso il contatto con altre culture, come l'orientalismo, il giapponismo e il primitivismo: non è esagerato dire che il XIX secolo è stato l'epoca delle esposizioni mondiali.

Questo tema è strettamente legato alla crescente colonizzazione delle potenze occidentali nel XIX secolo. Le ambizioni territoriali delle potenze occidentali di espandere il proprio raggio d'azione in tutto il mondo ridussero rapidamente la distanza tra l'Occidente e il mondo esterno, determinando l'importazione in Europa di un'ampia gamma di cultura e arte.

Nacquero così le Esposizioni Universali. In particolare, le Esposizioni Universali di Parigi, tenutesi per cinque volte tra il 1855 e il 1900, ebbero un grande impatto sugli artisti. Per inciso, il giapponismo si affermò nell'arte occidentale solo nel 1867, quando il Giappone partecipò ufficialmente per la prima volta all'Esposizione Universale di Parigi.

Esposizione di Parigi del 1900

Arte outsider

Oggi. L'arte outsider si colloca nel solco della Scuola Rustica e del Primitivismo, popolari all'inizio del XX secolo. Gli storici dell'arte tendono a esitare a contestualizzare gli artisti che rientrano in questa categoria perché sono particolari e non hanno la consapevolezza di lavorare all'interno della corrente dell'outsider art, ma la loro originalità e innovazione meritano di essere menzionate. Anche, Henry Darger. e altri, sono spesso oggetto di interessanti considerazioni dal punto di vista psicoanalitico sviluppato nel XX secolo, poiché questi artisti erano spesso malati di mente o gravemente disadattati socialmente.

Henry Darger |Nei regni dell'irreale

Attivismo sociale.

Qualsiasi attività che abbia un messaggio o un'aggressione sociale o politica, Vandalismo e Artivismo e sono spesso definite "artivismo".

Gli esperti sono divisi sulla loro inclusione nella categoria dell'arte. In particolare, Vandalismo d'arte si riferisce ad atti di vandalismo, graffiti e danni "alle opere d'arte", che possono essere percepiti in modo molto diverso a seconda della posizione dell'osservatore.

Giving to the Poor, uno stencil dello street artist americano Above che affronta il tema dei senzatetto. Lisbona, Portogallo, 2008. by Hdepot - Own work, CC BY-SA 3 .0

Kant disse una volta che "il modernismo critica dall'interno", ma ciò che potrebbe arrivare con l'avanzata del vandalismo e dell'artivismo potrebbe essere "l'autodistruzione dell'arte moderna da parte dell'arte moderna". Tale autodistruzione può emergere in forma diversa a causa dell'amplificazione delle disparità economiche associate alla società capitalista e alle lotte ideologiche che coinvolgono le questioni ambientali. In questo caso, non è necessariamente l'arte moderna in sé a essere distrutta, ma individui che sostengono che altri problemi vengono esacerbati dai suoi effetti. -Nel 2022, gli attivisti ambientalisti hanno messo in atto performance simultanee nei musei di tutto il mondo, lanciando lattine di pomodoro contro dipinti storicamente famosi.

Attivisti ambientali che lanciano zuppa di pomodoro contro Van Gogh, Girasoli, alla National Gallery di Londra, ottobre 2022.

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