Chroma Distance, una mostra di 12 artisti emergenti, sarà esposta dal 20 gennaio al 5 febbraio 2023.
La mostra è organizzata congiuntamente da POLA ORBIS HOLDINGS INC. e TRiCERA Corporation e si terrà al POLA MUSEUM ANNEX (Ginza, Chuo-ku, Tokyo).

Distanza del croma

Gli artisti che espongono e le opere in mostra si differenziano tra loro per mezzo, scala e concetto, ma allo stesso tempo interagiscono all'interno di un'unica comunità. Le opere presentano un'ampia gamma di preoccupazioni concettuali, dalle rappresentazioni intime dell'identità, alla disintegrazione e alla generazione, all'intersezione di epoche e alla crescente urgenza di superare i tragici eventi del passato. Attraverso tecniche astratte e figurative, gli artisti esplorano il senso dello spazio e considerano la forma e la consistenza come base della forma.
La mostra presenterà circa 40 opere in totale, tra cui nuovi lavori di 12 artisti.

Schema dell'evento

Distanza del croma
Date: 20 gennaio (ven) - 5 febbraio (dom), 2022 *Aperto per tutto il periodo della mostra.
Orario di apertura: 11:00 - 19:00 (porte aperte fino alle 18:30)
Ingresso libero
Sede: MUSEO DI POLA ALLEGATO
POLA Ginza Bldg. 3F, 1-7-7 Ginza, Chuo-ku, Tokyo 104-0061)
Accesso: 6 minuti a piedi dalla stazione di Tokyo Metro Ginza 1-chome (uscita 7) / Tokyo Metro Ginza Station (uscita A9)
Organizzato da: POLA ORBIS HOLDINGS INC.
Organizzato da: TRiCERA Co.

Artisti partecipanti

1. Yuka Numata
Dove si colloca il nostro "reale" nel mondo di oggi, sempre più digitalizzato?
I supermercati sono uno dei luoghi in cui sperimentiamo la realtà nella nostra vita quotidiana.
I supermercati sono i luoghi dove troviamo tutti gli alimenti di cui abbiamo bisogno nella nostra vita quotidiana e dove la nostra vita viene sostenuta.
Questa serie di imballaggi fa parte di una serie di opere create sul tema di un supermercato immaginario ed è caratterizzata dall'uso di software di editing di immagini come Photoshop per creare bug e disallineamenti nelle immagini delle confezioni dei prodotti.
Ricostruendo una situazione che potrebbe accadere solo su un computer con metodi analogici e reinstallandola nel mondo reale, potremmo essere in grado di cercare la nostra "realtà".

Cavolo taro, 2022, perline di plastica, pannello acrilico H465 × L700 × P10mm

2. saki matsumura
Quando si dipinge combinando più tecniche e colori, si verificano scontri e distorsioni. Quando si scoprono questi effetti inaspettati, ci si rende conto del tipo di sensazioni che si provano abitualmente e si espande l'immaginazione a nuove sensazioni.
Crediamo che l'immaginazione dell'invisibile porti a un modo sempre diverso di guardare e relazionarsi con il mondo che ci circonda.

FORM-vortex 4, 2022, pittura acrilica, pannello di legno, tela di cotone H1621 × L1303 × P50mm

3. u-ku
Inconsciamente sperimentiamo "involontarietà e decisioni" in continuazione. Quando U-ku è emigrata all'estero da bambina, ha sperimentato sia la solitudine causata dalle differenze culturali e linguistiche, sia la solitudine emotiva che ha sofferto come "rimpatriata" dopo il ritorno a casa. Le sensazioni simili che ha provato in numerose occasioni successive si sono verificate entrambe nella condizione di essere in gruppo.
Anche il filosofo Kiyoshi Miki ha detto: "La solitudine non è in montagna, ma in città. Non è in una persona, ma nello 'spazio' tra molte persone". Tuttavia, ho pensato che questa solitudine potesse essere anche un'opportunità per creare nuovi sviluppi attraverso lo scambio di "involontarietà e determinazione" che avviene solo nei momenti di solitudine. Le macchie e le forme involontarie create dai colori degli acquerelli selezionati da U-ku vengono confrontate con i suoi ricordi e alla fine vengono aggiunti dei motivi. Quando un terzo guarda queste opere, esse vengono nuovamente collegate a vari ricordi, e le opere guadagnano tanto background quanto il numero di spettatori. Tuttavia, c'è sempre e solo un dialogo a tu per tu, e lo spettatore si confronta con tutti i tipi di "solitudine" in modo pseudo.

Nascita, 2022, acquerello, pigmenti, foglia d'oro, gesso all'acqua, pannello di legno h727 × l727 mm.

4 Keiko Aikawa
Sembra esserci un volto all'interno di un volto. Anche la persona che abbiamo di fronte ha un volto che non conosciamo. Non possiamo mai capire o comprendere appieno un'altra persona. Come possiamo vedere la persona stessa?
In questo lavoro ho dipinto come se stessi cercando un volto all'interno di un unico volto.

Can't Help Thinking as Little as Possible, 2022, olio su tela h530 × l652 × p200 mm.

5. omura yukino
Il paesaggio notturno dipinto con adesivi rotondi colorati su un pannello nero sembra una fotografia se visto da lontano, ma quando ci si avvicina, tutti notano che è dipinto con adesivi rotondi da cancelleria. Raffigurando paesaggi notturni che simboleggiano la città con materiali poco costosi, l'opera esprime la contraddizione dei valori monetari e il disagio della società del consumo di massa.

Can't Help Falling In Love, 2022, pittura acrilica, pannello e adesivo h727×w500mm

6. chihirobo
Nell'ambito del tema "reamlike reality" (realtà onirica), Chihirobo condensa ciò che vede e dove, utilizzando fotografie scattate da lui stesso come materiale per le sue opere. Quanta emozione riuscite a trovare nello scenario che avete davanti? Voglio dire alle persone quanto sia divertente e felice essere mossi dalla "gioia della scoperta".

《chihi-robo》 2022, pittura acrilica, fotografia h727×w606mm

7. yurika horikawa
'occhan' è un motivo che rappresenta le attività delle 'persone' (unisex). Considero anche il contesto storico dei confini e delle strisce e ritengo che siano le persone a crearli e a cambiarli. Lo sfondo del mio lavoro comprende questioni sociali ed elementi negativi, ma io li sublimo e continuo a trasmettere come arte la luminosità e la gioia che le persone possono intravedere. Incarno sempre ciò che mi interessa, ciò che è perduto per me e ciò che può ribaltare i sentimenti negativi che sono insiti in me.

《readman》 2018 Pittura acrilica, resina h390×l160×d210mm

8. Maoka Ueda.
Wonky (traballante e instabile) Tunes (melodia) è un concetto con cui ho lavorato costantemente in passato, basato sul tema che le parti di un carattere distorto seguono la curvatura della natura in modo apparentemente irregolare ma regolare, e sono integrate in un insieme simile a una melodia e ricostruite di nuovo. È un concetto su cui ho lavorato costantemente in passato. Uso i personaggi dei cartoni animati per esprimere le leggi della natura, che sono regolari e belle se osservate da vicino, e la diffusione radiale dei personaggi cambia la sua espressione a seconda della direzione della tela e se è vista da una prospettiva ravvicinata o da vicino.

Così come un singolo oggetto può essere visto in vari modi attraverso molteplici interpretazioni, anche i personaggi dei dipinti creano diverse espressioni a seconda di come vengono percepiti.

Angela, 2022, pittura acrilica su pannello gesso, h455 x l530 mm.

9. Ayaka Nakamura
Ayaka Nakamura dipinge l'aria e le emozioni provate dal paesaggio, e il suo accumulo improvvisato di linee e materiali rappresenta il movimento e il suono della vita, e le emozioni che non sono ancora nate come parole. Ognuno di noi è un piccolo essere, ma molte vite si uniscono per creare questo grande universo. Anche se non siamo direttamente coinvolti, il momento presente è creato dalle vite che esistono in questo mondo e sentiamo di farne parte. Ogni scena è un miracolo momentaneo, tessuto dal gioco della vita, e nulla è più come prima. Lo scenario che vediamo cambia a seconda delle nostre emozioni del momento, dell'altezza dei nostri occhi e di altri fattori. Guardare un paesaggio può significare guardare se stessi. Dipingere un paesaggio può essere dipingere voi e dipingere voi stessi. Guardare un paesaggio e guardare un quadro sono in qualche modo simili. Spero che quando guarderete il mio lavoro, si collegherà a una parte di voi.

Trovare una sorta di pace ##, 2022, pittura acrilica, pigmento placcante, tela h1920×w1050

10. aoi kei
La mia arte è composta da due stimoli principali. Una è che sono diventata madre e ho avuto l'opportunità di pensare ai miei antenati, e sono rimasta colpita dalla catena della vita, dalla brillantezza momentanea della vita in contrasto con la sua lunga storia, e dal fatto che mi trovo nel mezzo di questo flusso. Il secondo è che sono stato sopraffatto dal realismo della creazione (ogni cosa nel mondo, compresi tempo, spazio e fisica) come risultato del mio pieno impegno nel realismo e nell'abilità di disegno. Un altro tema di fondo è quello di guardare al reale attraverso la pittura, di conoscere la connessione tra il reale e l'umano e di mettere "qualcosa di buono" sulla tela. Penso che i suoni e i sapori siano facili da capire, ma vorrei sapere qual è questa percezione umana comune, nonostante le differenze individuali, come "suono piacevole", "suono sgradevole", "gustoso" e "cattivo".
Spesso si dice che l'arte è libera e che l'arte è una questione di gusto, ma "qualcosa di bello" si può trovare anche nel senso visivo e credo che ci sia una "risposta" alla domanda su cosa sia bello. Voglio cercarla e mettere la bellezza nella tela. Vedere l'invisibile a volte mi libera dal senso comune e dalle supposizioni, cosa che personalmente mi piace, e questo è ora lo scopo dei miei dipinti di realismo.
La maggior parte dei dipinti li faccio quando sono commosso al punto che è difficile lasciar andare molti dei miei lavori personali.

Respiro, 2020-2022, olio su tela, h5000 x l606 x p200 mm.

11. Takaya Eien.
Il mio interesse per le fasi dello spazio pittorico si è sviluppato insieme a un'indagine metafisica su "che cos'è l'essere". Nello spazio pittorico, l'individualità e la forma di qualcosa come "essere" non sono mostrate, ma le proprietà soggettive che l'oggetto o il fenomeno naturale ha generato nella mente attraverso la sua azione sugli organi sensoriali sono manifestate in molteplici sensi. Trasformare le tracce della percezione in fasi spaziali è l'esperienza del lavoro che creo.
Lo spazio così creato è multidimensionale, sia dal punto di vista semiotico che prospettico. Non ci sono divisioni tra passato, presente e futuro.
La fusione di forme irregolari fatte di pigmenti e superfici colorate crea uno spazio pittorico fenomenale.

Relatività / Relativity, 2022, pigmento e olio su tela di lino h727 x l500 x p20mm

12. arcobaleno dei morti
Utilizzando colori acrilici e penne, espone principalmente dipinti con disegni a linee sottili, utilizzando il crollo e la generazione come parole chiave e presentando motivi come una ragazza il cui volto è stato sfigurato.
Ha anche disegnato molti lavori per copertine di libri e custodie di CD.

Senza titolo, 2023, pittura acrilica, penna, tela di cotone h606 x l727 x p30mm.