L'arte contemporanea è un tema caldo in Giappone, con mostre di Banksy, Damien Hirst e altri. Potreste aver sentito notizie di offerte elevate alle aste.
L'arte contemporanea giapponese sta ora attirando molta attenzione sulla scena artistica.
Questa sezione presenta gli artisti contemporanei giapponesi attivi in Giappone e all'estero, dai maestri ai giovani artisti emergenti di rilievo.
Dieci tra i principali maestri dell'arte contemporanea giapponese.
(1) Yayoi Kusama, la "regina dell'arte contemporanea" più influente al mondo.
Yayoi Kusama, conosciuta come la "Regina dei pois", è una delle artiste contemporanee giapponesi più acclamate all'estero. Le sue attività abbracciano un'ampia gamma di generi, dalla pittura alla scultura e alla performance.
A causa di un ambiente familiare complicato, Kusama ha sofferto fin da piccola di allucinazioni in cui tutto ciò che vedeva sembrava coperto di pois, e per sfuggire a questa paura ha iniziato a dipingere quadri fantastici con pois e motivi a rete.
Kusama, che si è trasferita negli Stati Uniti all'età di 28 anni, è stata acclamata per la prima volta per la serie Infinite Web. La "rete" ricopre il piano del quadro con una maglia stretta. Si trattava di un'opera che esprimeva sullo schermo le allucinazioni che avevano continuato a perseguitarla dopo il trasferimento negli Stati Uniti.
La "rete" e i "pois" sono diventati le icone di Kusama, che in seguito ha sviluppato motivi come le "zucche" e i "cappelli" che li intrecciano.
Nel 2016 è stata nominata dalla rivista TIME una delle "100 persone più influenti del mondo" e le è stato conferito l'Ordine della Cultura. È davvero la "regina dell'arte contemporanea".
L'opera più famosa di Yayoi Kusama: "Pumpkin".
Soffrendo di allucinazioni e di allucinazioni uditive fin dalla più tenera età, Kusama creava dipinti con i motivi a pois che vedeva nelle sue visioni.
Dice che, disegnando disperatamente ciò che vedeva e sentiva, le sue paure e i suoi sentimenti dolorosi si attenuavano.
Kusama ha usato i pois nelle sue opere per tutta la vita e in Pumpkin li combina con un altro motivo iconico del suo lavoro, la zucca, per creare un'opera unica di Yayoi Kusama.
1981, acrilico su tela
(2) Yoshitomo Nara, pittore neo-pop giapponese che si è imposto all'attenzione internazionale.
Una ragazza disegnata in uno stile illustrativo semplificato e carino. Ma la sua espressione sembra fissarla. La bambina è un misto di "carineria, purezza" e sentimenti di "solitudine, insoddisfazione". Con questo motivo, Yoshitomo Nara ha attirato l'attenzione internazionale come portabandiera di un nuovo stile di pittura figurativa.
Ha tenuto mostre personali di successo in tutto il mondo e le sue opere sono presenti nelle collezioni di musei di fama mondiale come il Museum of Modern Art di New York.
Oltre ai dipinti in acrilico, sviluppa anche disegni e sculture improvvisate.
Oltre ai "bambini", un altro dei motivi rappresentativi di Yoshitomo Nara sono i "cani".
Nel suo paese natale, Aomori, la sua opera installativa all'aperto "Aomori Dog", alta 8,5 m, presso l'Aomori Museum of Art, ha attirato molta attenzione per il suo concetto.
L'opera più famosa di Yoshitomo Nara: "Coltello dietro la schiena".
Venduto all'asta da Sotheby's a Hong Kong nel 2019 per 24,9 milioni di dollari (circa 2,7 miliardi di JPY), la sua offerta più alta all'epoca, è diventato un argomento di conversazione.
Una delle serie di dipinti di ragazze che esprimono la sua singolare visione del mondo, le ragazze che fissano sono caratterizzate dalla loro carineria e, allo stesso tempo, da un senso di presagio.
2000, acrilico su tela.
(iii) Takashi Murakami, un pittore contemporaneo che sostiene il "superflat" dalla tradizione della pittura giapponese.
Takashi Murakami è una figura di spicco nel campo dell'arte contemporanea giapponese e attualmente è uno degli artisti giapponesi più apprezzati all'estero.
Ha proposto la teoria del "superflat", basata sulla consapevolezza del problema di stabilire valori che hanno origine in Giappone piuttosto che in Occidente.
Trovando nella cultura otaku dei manga e degli anime giapponesi un senso di piattezza, composizione audace, deformazione e colori vivaci - influenze dei dipinti della scuola Ukiyo-e e Rimpa - ha prodotto una serie di opere utilizzando soggetti otaku di sottoculture come anime e figurine.
Un'altra caratteristica del suo lavoro è la ricorrenza degli stessi motivi, come "Mr DOB" e "Ohana" (fiori).
Il suo lavoro ha sempre attirato l'attenzione internazionale, compresa una mostra personale alla Reggia di Versailles.
Si concentra anche sulla produzione di giovani artisti.
Un'opera rappresentativa di Takashi Murakami: I cinquecento arhat.
Nel 2012 Murakami ha presentato un dipinto di dimensioni eccezionali, I cinquecento arhat, lungo 100 metri. Si tratta probabilmente di una delle opere d'arte più grandi al mondo.
L'opera è stata esposta per la prima volta a Doha come omaggio al Qatar, che ha prontamente prestato soccorso dopo il Grande terremoto del Giappone orientale.
Da allora è stata esposta in Giappone, nel tentativo di fornire una nuova lettura dell'arte giapponese, che è stata al centro degli interessi di Murakami fin dall'inizio della sua carriera.
2012, acrilico su tela
4) Il fotografo giapponese Hiroshi Sugimoto, che ha sublimato la "fotografia" nell'arte contemporanea.
Hiroshi Sugimoto è considerato uno degli artisti che ha elevato la fotografia da mezzo di registrazione a mezzo di espressione nell'arte contemporanea. Le sue opere, create con un concetto ben studiato e una tecnica solida, sono molto apprezzate in tutto il mondo.
Il tema principale del suo lavoro è il tempo. Quando si ha la sensazione di manipolare il tempo, le cose più antiche si trasformano in quelle più nuove. Questo è alla base della mia creazione". Queste sono le parole di Sugimoto.
In Diorama, la prima opera acclamata di Sugimoto, un diorama che è un'opera d'arte è fatto per sembrare una scena reale di un mondo preistorico al di là del tempo.
In In-ei Raisan ha catturato il processo di una singola candela giapponese che si spegne nell'oscurità.
Negli ultimi anni ha esteso il suo campo creativo oltre la fotografia, includendo l'architettura e la scenografia.
Nel 2012 è stato insignito dell'Officier de l'Ordre des Arts et des Lettres della Francia. Nel 2017 è stato selezionato come Persona di Merito Culturale in Giappone ed è uno dei principali artisti contemporanei giapponesi.
Opere rappresentative di Hiroshi Sugimoto: 《Seascape Series》.
Queste opere raffigurano paesaggi marini di tutto il mondo, fotografati con una fotocamera di grande formato e con lunghe esposizioni.
La visione monocromatica del mondo e le scene misteriose che sembrano perdere il senso del tempo e appaiono allo stesso tempo antiche e futuristiche sono il miglior riflesso della sua rigorosa filosofia di lavoro.
Tendiamo a pensare alla fotografia come espressione di un singolo momento nel tempo, ma nelle opere fotografiche di Sugimoto l'eternità sembra essere bloccata.
Circa 1980-, foto.
5) Il famoso artista contemporaneo Tatsuo Miyajima, che utilizza i LED per esprimere l'"eternità".
Migliaia di contatori digitali a LED collocati in una stanza buia. Ognuno di essi scandisce semplicemente i numeri da '1' a '9' a velocità diverse. Il numero "0" non viene mai visualizzato e i LED si spengono. Questo significa "morte" ed esprime il "samsara", l'eterna ripetizione di vita e morte.
L'opera di Tatsuo Miyajima "Continua a cambiare, si connette con tutto, va avanti per sempre" si può dire che sia il concetto stesso di Miyajima.
L'opera di Tatsuo Miyajima, che esprime il concetto di "tempo" utilizzando il pensiero orientale e la tecnologia moderna, ha ricevuto consensi internazionali e le sue opere sono state esposte in più di 250 località in 30 Paesi.
Negli anni 2000, oltre a presentare le sue opere, ha sostenuto il concetto di "Arte in te".
Egli spiega che ognuno ha l'arte dentro di sé in modo diverso e che l'esperienza dell'arte è una parte indispensabile della vita umana.
Un'opera rappresentativa di Tatsuo Miyajima: 《Counter Void》.
Su uno schermo di vetro traslucido alto 5 metri e lungo 50, giganteschi numeri digitali fluttuano e continuano a contare alla rovescia, ciascuno a una velocità diversa.
In Giappone, quest'opera ha suscitato grande attenzione quando è stata inaugurata sulla parete esterna di TV Asahi a Keyakizaka-dori, a Roppongi Hills.
Dal 13 marzo 2011, subito dopo il Grande Terremoto del Giappone Orientale, le luci sono state spente dallo stesso Miyajima per risparmiare elettricità e riposare le anime dei defunti, e sono state riaccese solo per alcuni progetti ed eventi.
È un'azione tipica di Miyajima, che dà valore all'idea che l'opera non sia un'opera d'arte per l'arte, ma un'opera d'arte fatta per l'uomo.
2003, tubi al neon, vetro, circuiti integrati, alluminio, fili elettrici, ecc.
(vi) Lee Ufan, artista rappresentativo della scuola "Mono-ha".
Nato in Corea del Sud e residente in Giappone, Lee Ufan ha attirato l'attenzione internazionale tra la fine degli anni '60 e gli anni '70 come rappresentante del movimento artistico "Mono-ha" in Giappone.
In un contesto di critica alla rapida industrializzazione e alla produzione di massa durante il periodo di rapida crescita economica del Giappone, ha creato opere d'arte con materiali naturali come il legno e la pietra e con prodotti industriali come la carta, il ferro e il vetro, con poche o nessuna modifica, presentando nuove relazioni tra materiali di "cose" come la "pietra" e il "vetro".
Il titolo delle opere tridimensionali di Li, "Relational Term", si basa sull'idea che "tutto esiste in relazione al mondo, e nulla esiste da solo", e la sua produzione con la consapevolezza delle relazioni reciproche è rimasta coerente da allora.
La scuola Mono-ha è attualmente oggetto di rivalutazione nelle scene artistiche americane e asiatiche.
Opera rappresentativa di Lee Ufan: From the Line, 1974.
Nella serie di dipinti Line More e Dots More, che sono diventati sinonimi del suo lavoro, Lee Ufan incarna l'atto molto semplice di tracciare una linea o un punto.
La sua filosofia, che si ispira alle filosofie occidentali e orientali, è quindi un atto primitivo di rappresentazione, che si basa sul massimo scarto di ogni atto.
Colore di roccia su tela
7) Lo scultore Kohei Nawa con il concetto di "PixCell".
Kohei Nawa, che si concentra sulla "pelle" della scultura come interfaccia con i sensi del tatto e della vista, ha attirato l'attenzione sia a livello nazionale che internazionale per il suo tentativo di riconoscere il mondo in termini di "cellule" attraverso il concetto di "PixCell", una fusione delle parole "pixel" e "cellula".
Nella serie PixCell, la pelle di un oggetto come la pelle di un cervo viene ricoperta da sfere trasparenti come le perle di vetro, sostituendo la sua esistenza con quella di una "cellula" (cellula o granello).
L'intenzione era che le cellule facessero perdere all'oggetto il suo senso di realtà e lo facessero percepire come un'immagine.
Kohei Nawa interpreta la definizione di scultura in modo flessibile e persegue nuove forme di scultura utilizzando diversi materiali e le più recenti tecnologie.
Opere rappresentative di Kohei Nawa: PixCell-Deer#52, 2018.
Una nuova opera rappresentativa è stata presentata nel 2018 in concomitanza con la sua mostra personale al Towada Museum of Contemporary Art.
Un assemblaggio in cui solo la texture superficiale è estremamente ingrandita. Può essere letto come una rappresentazione diretta della società dell'informazione in cui viviamo oggi.
L'opera contrappone il modo in cui gli esseri umani percepiscono il mondo a quello in cui il mondo viene percepito attraverso l'obiettivo di una macchina fotografica.
Tecnica mista
(viii) Arte contemporanea che esprime l'informe Chiharu Shiota
Innumerevoli chiavi, innumerevoli valigie e barche legate a un filo rosso che riempie lo spazio.
Chiharu Shiota, residente a Berlino, è conosciuta a livello internazionale per le sue installazioni che esprimono cose incerte e invisibili come ricordi, ansie e sogni.
Il suo lavoro esprime il processo di affrontare e continuare a cercare le domande umane fondamentali di "cosa significa vivere" e "cos'è l'esistenza" - "la vita e la morte" - basandosi sulla propria esperienza di lotta contro la malattia.
Il filo rosso è il colore della vita e il filo che collega le persone tra loro. La barca è una guida verso un mondo ancora da vedere e un oggetto che si affianca alla morte. Lo spettatore percepisce il tema universale della "vita e della morte" nell'opera e viene trascinato nel mondo di Chiharu Shiota.
Opera rappresentativa di Chiharu Shiota: Uncertain Journey, 2021.
Un'opera installativa realizzata con una barca composta da un telaio di ferro e un gran numero di fili rossi, sinonimo del lavoro dell'artista.
Chi entra nello spazio dell'opera di Shiota viene travolto dalla passione paranoica del suo lavoro. Insieme alle barche simboliche, i fili che rappresentano il flusso sanguigno e l'energia della vita creano un mondo abbagliante in cui si ha la sensazione di essere entrati in un'unica gigantesca organizzazione vitale. Allo stesso tempo, si percepisce anche il suo sguardo avvolgente e caldo.
Struttura in ferro, filo di lana rosso.
(9) TABAIIMO, un'artista donna che esprime il Giappone contemporaneo attraverso videoinstallazioni uniche.
Una "videoinstallazione" che utilizza il video come mezzo centrale di espressione e crea effetti nello spazio circostante, in modo che lo spettatore viva l'intero spazio come un'opera d'arte.
Sokaimo, che afferma che "l'arte è qualcosa che profuma di vita ed è realistica", ritrae temi universali come "cucine", "attraversamenti pedonali", "condomini" e "bagni pubblici", che sono scene quotidiane nel Giappone contemporaneo, utilizzando disegni al tratto disegnati a mano con un tocco simile all'ukiyo nella sua animazione.
Il metodo di Sokaimo di esprimere la complessa vita interiore del Giappone contemporaneo con un'espressione unica che ha un'impronta analogica e una certa qualità grottesca ha ricevuto un grande plauso a livello internazionale, ed è un'artista straordinaria che riceve costantemente offerte di collaborazione sia in patria che all'estero.
Opere rappresentative di Sokaimo: 《dolefullhouse》 2007.
In quest'opera, presentata alla Biennale di Venezia dello stesso anno, una casa di bambole, una mano umana, un polipo, vasi sanguigni... Motivi che non sembrano riunirsi in un unico luogo sono riuniti per creare un video dai significati contrastanti.
Il disagio e il surrealismo della società giapponese contemporanea, che ho provato come baby-boomer, sono visualizzati con un gusto unico.
(10) Rokkaku Ayako vola in giro per il mondo con uno stile dinamico di disegno con le sue "mani".
Lo stile unico di Ayako Rokkaku di disegnare direttamente su cartone o tela con le dita, senza usare il pennello, produce un tocco espansivo e ritmico. Il motivo caratteristico dell'artista, una ragazza con gli occhi grandi, è accompagnato da rappresentazioni colorate del mormorio della città, del vento, dei fiori e dei suoni.
Il suo stile pop, sgargiante, dinamico ed energico è popolare sia in patria che all'estero ed è molto ricercato anche nelle principali aste estere.
L'asse del suo lavoro è quello di "infondere alle sue opere un'energia positiva".
L'artista afferma che questo desiderio si è rafforzato dopo il Grande terremoto del Giappone orientale del 2011. La sovrapposizione dei colori e la presenza della ragazza sono aumentate e i dipinti sono diventati più realistici.
Anche la sua posizione nella classifica mondiale degli artisti è salita alle stelle. È un'artista che sta cavalcando un'onda al momento.
Un'opera rappresentativa di Ayako Rokkaku: Untitled, 2020.
Con i suoi tipici colori liberi, vediamo una ragazza dall'espressione risoluta che ci guarda.
La pittura è stata realizzata con la mano e non con il pennello, in modo da preservare il senso di crudezza della vita.
Acrilico su tela
Notevoli giovani artisti giapponesi contemporanei emergenti
Yamato Chikara al mondo: la giovane artista Miu Komatsu.
Occhi spalancati, zanne affilate. Il tocco audace dei suoi dipinti riempie lo schermo di oggetti dalle forme strane.
Miu Komatsu persegue la sua espressione unica utilizzando motivi della cultura tradizionale giapponese, come le divinità e le bestie che compaiono nella mitologia fin dall'antichità, ed è particolarmente nota per i suoi motivi "komainu" (cani guardiani).
La base del suo lavoro è lo "Yamato-ryoku". Ciò che Komatsu definisce "Yamato-ryoku" non è la cosiddetta "giapponesità". Yamato-ryoku è la capacità di fondere varie idee ed esistenze diverse e di unirle.
È anche un'artista che ha attirato l'attenzione per il suo sistema di team di produzione e promozione con un occhio ai mercati esteri.
Un'opera rappresentativa di Miu Komatsu: Everybody Becomes a Dragon, 2018.
Un grande drago con gli occhi luminosi come il sole si erge al centro dello schermo insieme ai komainu (cani guardiani).
Sono raffigurate anche altre creature sacre, come gli uccelli, e la singolare visione giapponese del mondo, in cui la natura e gli animali sono considerati come divinità, è espressa con colori estremi.
Tela, acrilico, gofun
Kazuki Umezawa, un giovane artista giapponese i cui dipinti si confrontano con il mondo digitale
Nato nel 1985, Kazuki UMEZAWA è uno dei giovani artisti più popolari al mondo.
Raccoglie un gran numero di immagini esistenti di vari personaggi sparse su Internet, le ricostruisce copiando e incollando, e poi vi aggiunge le sue personali integrazioni, creando una sorta di opera caotica. Si tratta, per così dire, di un collage di illustrazioni e immagini realizzate con la tecnologia digitale.
Le opere di Umezawa, che sembrano muoversi avanti e indietro tra il mondo digitale e quello reale, hanno attirato il sostegno e l'attenzione di artisti come Takashi Murakami e Hiroki Azuma.
Nel 2011 ha incorporato nel suo lavoro fotografie di macerie del terremoto, riconoscendo costantemente la realtà attraverso internet, una caratteristica del lavoro di Umezawa come realtà in uno spazio virtuale.
Come cambierà in futuro il suo lavoro, che non può essere catturato nell'ambito dell'arte convenzionale? Questo interesse e questa aspettativa fanno parte del fascino dell'opera di UMEZAWA Kazuki.
Un'opera rappresentativa di Kazuki UMEZAWA: "Image Particles -Twelve Style-", 2021.
Particelle di immagine, o rugosità, che diventano visibili quando un'immagine digitale viene ingrandita.
Sentendo un senso di realtà in questi "pixel", Umezawa crea minuscole asperità e irregolarità quando stampa collezioni caotiche di colori in cui si sono accumulati i detriti di varie espressioni digitali.
In quest'opera i motivi che ha dipinto finora sono confinati in un unico schermo, confondendo i confini tra ciò che è reale e ciò che è digitale.
Acrilico su resina a polimerizzazione UV (stampa StareReap 2.5)
TRiCERA Raccomandazione del curatore!
Cinque giovani artisti contemporanei giapponesi da tenere d'occhio in futuro.
Yuka Numata è un'artista appartenente alla generazione dei nativi digitali che utilizzano internet quotidianamente.
Numata immagina e crea "la divergenza tra la realtà e il mondo digitale e il suo futuro". Utilizza un lavoro analogico per sostituire le immagini digitali modificate ed elaborate al computer con informazioni basate sulla ricerca dello Zeitgeist, delle idiosincrasie e delle caratteristiche generazionali del presente, nel tentativo di trascendere le dimensioni del mondo reale.
Yuka Numata
Nata nel 1992, Chiba, Giappone; ha studiato all'Accademia di Belle Arti di Vienna, 2019-2020; ha completato gli studi post-laurea alla Tokyo National University of Fine Arts and Music, 2022; si è laureata alla Tokyo National University of Fine Arts and Music, 2022.
Premiato con il Mr O Memorial Prize nel 2018 e con l'A-TOM ART AWARD Grand Prix nel 2019. Numerose mostre collettive e personali.
Il lavoro di Saki Matsumura è caratterizzato dalla collisione e dalla distorsione creata dalla combinazione di più tecniche e colori.
La sua continua creazione di paesaggi inediti su tela crea una sensazione di freschezza negli occhi di coloro che sono annoiati dalla vita quotidiana. L'artista realizza questo atto, che solo un pittore può fare, combinando la consistenza grezza della pittura con texture digitali piatte.
Sakiki Matsumura
1993 Nata a Nagano, Giappone
Ha completato gli studi post-laurea in pittura presso la Kyoto University of Art and Design nel 2017.
Attualmente vive a Kyoto, Giappone.
Maoka Ueda utilizza personaggi dei cartoni animati per rappresentare le leggi regolari e belle della natura.
I personaggi, che si distribuiscono a raggiera, cambiano aspetto in vari modi a seconda che siano visti da una prospettiva ravvicinata o da una prospettiva ravvicinata, o a seconda della direzione della tela.
Così come un singolo oggetto può essere visto in vari modi attraverso molteplici interpretazioni, anche i personaggi dei dipinti creano espressioni diverse a seconda di come vengono percepiti.
Maoka Ueda ha studiato arte e design a Londra per cinque anni nel Foundation Course della Central Saint Martins, University of the Arts London, e nel Dipartimento di Graphic Design e Comunicazione del Chelsea College of Arts.
Dal 2019 ha esposto e vinto numerosi premi in Giappone.
Per Takaya, la pittura è un mezzo per immagazzinare l'inafferrabile infinito che esiste davanti ai suoi occhi, o il tempo vivo che riecheggia quell'infinito, prima che la sua stessa percezione decada.
Come si può mantenere metafisico l'abisso dell'esistenza attraverso il colore?
Per esplorare questo aspetto, l'artista sperimenta ripetutamente con il colore e la percezione e continua a sperimentare l'espressione bidimensionale nel suo modo unico.
Takaya Eien
Artista e pittore, direttore di WHYNOT.
Nato nel 1992 a Tokyo. Attualmente vive a Tokyo. I suoi dipinti, caratterizzati da linee fluide e colori misteriosi, si basano su una riflessione interdisciplinare su spazio, tempo ed esistenza. Takaya posiziona la pittura come un'indagine metafisica su "che cos'è l'esistenza", esplorando allo stesso tempo metodi di disegno sperimentali sulla realtà virtuale. Dal 2019, gestirà lo spazio d'artista WHYNOT, che mira a promuovere lo scambio tra artisti e individui che lavorano nel campo dell'arte. Lavora costantemente alla solidarietà e alla costruzione di comunità attraverso l'arte.
Yuta Okuda si è laureato come fashion designer all'Istituto Marangoni di Londra e ha lavorato come stilista per il marchio di moda giapponese di fama mondiale TAKEO KIKUCHI.
Dopo aver lasciato TAKEO KIKUCHI, ha iniziato la sua carriera di artista. È nota per le sue opere che ritraggono la bellezza della natura, come la catena alimentare, utilizzando fiori e creature come motivi con linee delicate e sfocature.
Anche la combinazione di motivi contrastanti, come la vita e la morte, la bellezza e le lance, è un tema importante.
Laureato all'ISTITUTO MARANGONI (Londra, Regno Unito) nel 2010 con un Master in Fashion Design.
2012 - 2016 - Stilista presso il marchio di moda TAKEO KIKUCHI.
2016 - Dopo aver lasciato l'azienda, ha ripreso la sua attività come artista "yutaokuda" invece che come stilista.
2017 - Forma l'unità artistica "y u e r u" con "yutaokuda" e "moon frog".
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