Spring at the Seaside

理念

谁曾亲眼见过草地？大家真的看到过吗？如果是这样，为什么亚历山德拉-雷伊的画能在记忆中停留这么久？毕竟，它们只是草地和树木的图像......有时，它们只展示了早春短暂时期的几根树枝，那时出现了新芽但还没有树叶。学龄前儿童在分辨亚历山德拉-雷伊的画作所描绘的内容方面不会有问题。不过，对成年人来说，这始终是个问题。站在这些画前，成年人开始怀疑他们在看什么，事实上。这显然是一片草地，肯定是一幅灵巧的写实画。但它怎么可能同时是两者呢？毕竟，雷伊并没有用油画来模仿任何关于草地的摄影记录。任何熟悉绘画的人都可以毫不怀疑，在草地的特定位置寻找一种特定的花是徒劳的。当然，你可以读读书名，问问作者的灵感，然后出发去寻找乔尔祖夫公园里的那三棵紫色的树或开花的连翘。你可以去她作画的地方看看。Przybyszów、Nowy Sącz甚至是Halusia奶奶的果园--然而这一切都没有任何成功的可能。草地、灌木，甚至是生长在混凝土铺路块之间的一束野草，都只存在于她的画中。它们是由颜色构成的，也就是说，是由颜料和想象力的独特混合物构成的。真实的东西，对我们来说是如此重要，原来是一簇彼此紧密相连但仍然独立的平面。一朵花的存在方式与它的绘画形象不同，而花的概念则以另一种方式存在。我们可以看到它，感受它，了解它，但在我们设法清楚地表达这种差异之前，语言的可能性已经用尽。也许这就是为什么我们如此愿意重复格特鲁达-斯泰因斯明显同义的句子。"玫瑰是玫瑰，玫瑰是玫瑰"。这种分离性，这种超越语言界限的能力是西方文化中绘画的形而上力量。雷伊的植物画与其说是写实的，不如说是同义的。我们不知道的是，这些是自然的同义词，还是我们对它的想法的同义词。也许，这就是解释为什么看这些画是如此有趣的秘密之一，为什么我们在一段时间后不会对它们感到厌烦。似乎，一个人自己的想象力是唯一不会感到厌倦的观点。

雷伊是一个画家，而不是一个园丁（尽管如果她对画植物的迷恋能持续更长时间，可能这两个完全独立的技能将不可避免地合并）。这些画作的力量和美感直接来自于由技术技巧支持的自由想象力。然而，我们不无理由地认为，其中至少有几幅画的美源于艺术家对生命和世界的和谐的信念。Harmonia mundi是一个古老的、几乎被遗忘的短语，用的是一种死的语言，但它反映了对现实的感知，这种感知不是每天都能表达的--一种高度主观的感知，与对最普通的生命形态的接受相结合。这些是比植物更细腻的亲密感觉。纠结的灌木丛，动机的暗示性，颜色之间的对比力量并没有让人更容易观察到这个纯粹的解释层。矛盾的是，我们在看开花植物时体验到的田园牧歌式的幸福感，并没有促进绘画应有的精确观察。展览中几乎所有的画作都充满了永久的春天，这也不利于观察。

如果我们使用一个来自音乐的比喻，将更容易理解这些画是如何创作的。雷伊的特点是交响乐的轻松。她有一种感觉，使她能够保留一个共同的基调，尽管特定乐器部分的最疯狂的即兴创作。只要把她的草地看成是波兰爵士乐黄金时代最好的爵士乐队演奏的音乐会，或者在马列克-格雷丘塔唱出约瑟夫-捷克维茨的那句话时的无暇节奏。
"......人流成倍增长，成为一个巨大的人群。
而这一切就是你
你的心灵被铁割断，无法容纳它......"

草叶随着树枝的移动而摆动。沧海桑田的钴色与天空的蓝色交相辉映。野生胡萝卜的声音仿佛是白色的。所有这些都是一次性发生的，在一个响亮的滚动声中。产生一种闻所未闻、无文字记载和非正统的形式的轻松和快乐是爵士乐的特点。在更深的地方，在最底层有一种古老的东西，更接近于纯粹的和谐。这是一种略微让人联想到蓝调和略微让人联想到巴洛克的低音连续器的音调。随后的笔触根据音阶逻辑上产生的后续半音符号而发展。在这里，忠实于已经看到的东西的义务最终失去了。剩下的是旋律感，是对获得一个连贯的整体的渴望。近年来执行的大型绘画，以各种方式由许多小框架组成，证明亚历山德拉-雷伊有指导草地的伟大天赋。无论管弦乐队的构成如何--无论是罂粟和洋甘菊，还是豕草和普通菊苣--在她的注视下，草地的声音是一致的，深刻的，富有表现力的。而且它们给我们留下了今天的艺术中不常见的纯粹的快乐感，这种快乐比平时更有特色。在1967年塔德乌什-康托尔（Tadeusz Kantor）的《海洋全景》（Panoramic Sea Happening）中，爱德华-克拉辛斯基（Edward Krasiński）导演了波罗的海的波浪之后，我想波兰艺术中没有人表现出对自然的交响乐协调的如此需求。