世界各地博物馆收藏的名画。
为什么这些都是著名的？你有没有想过它们为什么出名？
在《10幅来自世界各地的名画｜了解经久不衰的杰作》中，我们介绍了从15世纪到20世纪初的西方名画。
在这篇文章中，我们更深入地介绍了来自世界各地著名博物馆的10幅当代名画。

(1) 萨尔瓦多-达利，《记忆的附着力》。

萨尔瓦多-达利是一位著名的超现实主义画家，他将不可能的主题结合起来，创造出不现实的绘画。
他最著名的作品之一是这幅《记忆的固定》。
这是一幅相对较早的作品，发表于1931年，当时达利27岁，它已经提供了他特有的沙漠场景和原创主题的一瞥，如融化和变形的时钟和其他奇怪的物体。
这幅作品现在被纽约现代艺术博物馆（MoMA）收藏，被认为是20世纪艺术最重要的绘画之一。
乍一看，这些图案似乎无法理解，但事实上，画中的每个单独的图案都有隐藏的象征意义。

据说，达利的灵感来自于 "融化的时钟 "这一形象，当时有一天他看到达利的伙伴和模特加拉留下的一块卡门培尔奶酪在厨房里融化。
通常情况下，时钟是一个坚硬的物体，应该定期标记时间。
当它像一块奶酪一样融化和扭曲时，可以认为达利是在表达一种时间和空间的扭曲。
爱因斯坦在1915年发表了他的《广义相对论》。人们认为达利可能是受到了当时逐渐流行的时间和空间是相对的、会因人的观点不同而出现扭曲的想法的影响。

此外，躺在画面中央的白色、类似饺子皮的奇怪物体象征着达利的潜在想象力。身体和性的亢奋及其衰退或崩溃。人们认为，这个神秘的物体是一种形式。
而前景中的橙色时钟，在左边，蚂蚁聚集的地方，被认为代表了 "腐烂 "的概念。
达利画中的每一个元素都是他自己的欲望和当时的创新思维的象征，其特点是越看越明白，越看越过瘾。

(2) 皮埃尔-奥古斯特-雷诺尔，《加莱特磨坊的舞会》。

著名的印象派画家皮埃尔-奥古斯特-雷诺尔在1876年画了《加莱特磨坊的舞会》这幅画。
加勒特磨坊是蒙马特的一个户外舞厅，是巴黎的一个文化名人聚集的地区。
顺便说一下，"Galette "的意思是 "风车"，其独特的风车是一个地标。
这幅画在1877年的第三届印象派展览会上展出，现在被收藏在巴黎奥赛博物馆。
这幅欢乐的画作以雷诺阿自己的朋友为蓝本，表现力非常丰富，阳光透过树木在人们身上投下美丽的图案，人们在跳舞，微醺。
这幅画是雷诺阿在印象派画家中最受欢迎的作品之一，有两个版本：上图所示的大版本（131厘米×175厘米）和现场绘制的小尺寸素描版。
大版主画在1990年泡沫经济末期，以7800万美元（该画历史上的第二高价）卖给了大昭和纸业公司（现在的日本造纸工业）的名誉董事长斋藤良英（据说泡沫破灭后，该画转到了一位瑞士收藏家手中）。

(iii) 让-弗朗索瓦-米莱，《播种者》。

让-弗朗索瓦-米莱的《播种者》是一幅强有力的画作，歌颂了播种和生存的农民。
这幅画作于1850年，现由美国波士顿美术博物馆收藏，是该博物馆的主要景点之一。
这幅画于1850年在巴黎沙龙展出，据说引起了激烈的争论，许多人认为它是对农民悲惨生活的一种政治声明。

当时，法国正处于农民和工人阶级与资产阶级之间日益激烈的冲突之中，前者随着二月革命和普选权的到来而提高了政治话语权，后者则试图压制这种威胁。
结果，保守派指责米莱是被称为农民的那种无赖，而左派则把他抬高为我们时代人民的化身。评价的极端化让人感受到这部作品的潜在力量，它有能力吸引当时法国各阶层的人。

在技术方面，他的创新之处在于他使用了厚厚的油漆，这在学术技术中是不被看好的。
批评家泰奥菲勒-戈蒂埃（Théophile Gautier）将其描述为 "一个有着狂野姿态和可怕的粗暴变得的人物，似乎是用播种的土壤的颜色来画的"。
与描绘政治和社会现实的米勒一起，同一时期出现了库尔贝和道米埃等现实主义画家，这是艺术史上的一场革命，标志着与前一时期的理想主义绘画不同。

(iv) 文森特-凡高，《向日葵》。

每个人可能都在教科书上或海报上至少见过一次梵高的《向日葵》。
事实上，现有的《向日葵》总共有十幅，被公认为是梵高所画。
每一幅都以收藏它的博物馆命名为 "00版"，上图中的《向日葵》是国家美术馆版，由伦敦的国家美术馆拥有。
它画于1888年。
梵高在他的职业生涯中多次专注于向日葵，这幅画是在法国南部的阿尔，一个充满温暖和美丽光线的地区画的。
向日葵的排列方式使它们几乎溢出了花瓶，在明亮的黄色背景下，以简单的构图进行描绘，黄色背景与向日葵的颜色相同。
这幅作品唤起了生命的轮回，向日葵的紧绷活力与那些俯视的枯萎的向日葵共存。

顺便说一句，这件艺术品在2022年10月被 "公正地停止石油 "运动的环保人士扔了一个西红柿罐头，成了受害者。
这两名活动家被逮捕，作品在被清洗后于当天被送回画廊。
这一事件让我们再次思考如何处理和保护历史上的艺术作品。

(5) 欧仁-德拉克洛瓦，《领导人民的自由女神像》。

这幅画是根据浪漫主义著名画家欧仁-德拉克洛瓦在1830年发生的七月革命事件创作的。
画作中央的女子左手持枪，右手拿着法国国旗，是被称为 "玛丽安 "的法国女性象征人物的代表作，她领导着人民。

这幅画是寓言式的，玛丽安本人象征着 "自由"，一个暴露的乳房象征着 "母性"。
这些画作的动态、动感的构图和戏剧性的主题被认为是浪漫主义艺术运动的真正代表。
自1874年被收购以来，它一直是卢浮宫收藏的核心，并吸引了来自世界各地人们的关注。
德拉克罗瓦还创作了其他关于历史事件的戏剧性画作，如《基奥斯岛的屠杀》。
参考作品：《基奥斯岛的屠杀》（1823-24，卢浮宫）。

(vi) 弗朗西斯科-德-戈雅，《土星吞噬我的儿子》。

土星吞噬自己的儿子》是西班牙艺术家弗朗西斯科-德-戈雅的一幅画，是《黑画》系列的一部分。
其令人震惊的主题和直接表达其内容的标题和视觉效果使其成为第一眼就令人难忘的作品。
这幅作品被认为是在1819年至1823年之间绘制的，现在被西班牙马德里的普拉多博物馆收藏。

这幅画是以神话为主题的。
它描绘了罗马农业生育之神Saturnus（相当于希腊神话中的Cronus）的传说，他害怕自己将来会被自己的孩子杀死的预言，于是将自己的五个孩子一个个吞下。
萨图纳斯原本是众神之家奥林匹斯山的国王，但到了晚年，萨图纳斯出于对自己灭亡的恐惧，迷上了疯狂。
他将自己的孩子从头到脚咬碎吞噬的凶残行为被描绘得很真实。
许多观众对这种怪诞的现实主义描写感到厌恶。
但与此同时，这种直接的描写也使它成为艺术史上罕见的杰作。
这幅画是戈雅晚年创作的《黑画》系列的代表作。如需详细解释，请阅读下面的文章。

什么是土星吞噬他的儿子？对戈雅的杰作的解释!

(vii) 巴勃罗-毕加索，《亚维农的女儿们》。

巴勃罗-毕加索，世界上最著名的画家之一，在1907年26岁时画了《亚维农的女儿》，这是他职业生涯的开始。
这幅画的灵感来自于西班牙巴塞罗那的 "阿维尼翁大道"，这是一条妓院林立的街道。
画作左侧的女性轮廓显示了古埃及雕塑，中间的两张脸显示了古西班牙雕塑，而右侧更具特色的扭曲的脸显示了明显的非洲雕塑的影响。
这幅作品是被称为 "立体主义 "的艺术运动的起点，该运动由毕加索和乔治-布拉克领导。
立体主义在透视或现实的阴影方面并不现实，而是旨在实现绘画特有的新的表达形式，在这种表达形式中，事物被解构，然后被重建。
这件作品现在被纽约现代艺术博物馆（MoMA）收藏。

(八) 皮埃特-蒙德里安，《红蓝黄三色的构图》。

蒙德里安的抽象画是永恒的，他的简约和现代主义的抽象画影响了当代艺术家。
能够用简单的线条、形状和颜色唤起人们的情感和感觉是蒙德里安的目标。
蒙德里安也沉浸在对普遍性和情感联系以及神学的研究中，他早年画的是具象的。
受立体主义和其他影响，他逐渐转变为极简主义的表达方式。
这幅作品达到了极简主义的极致，创作于1930年。

他留下了以下的话。

'我在平面上建立线条和色彩的组合。我正是以最大的注意力来表达普遍的美。大自然（或我所看到的）给了我灵感，让我有了创作的冲动。但我想尽可能地接近事实，并从中提取所有的元素。而且我想达到支撑它的基本原理......即使它们仍然是肤浅的。

如果我带着明确的意愿画出水平线和垂直线，但带着崇高的直觉，而不是算计，我认为有可能带来和谐和节奏。这些线条的力量和神圣性在于，它们是艺术"。

(ix) 保罗-塞尚，《苹果和桔子》。

在这幅1899年的静物画中，我们看到了充满张力的扭曲现象。
通过将从不同角度看到的主题共存于同一平面上，可以看到这样的效果，例如，在桌子的脊线之间的差异。这一点后来得到了立体主义的赞赏和发展。
19世纪著名的艺术评论家Gustave Geoffroy回忆说，塞尚经常说他想 "用苹果给巴黎带来惊喜"。
通过这件作品，塞尚从根本上破坏了传统的透视和描绘方法。
作为 "美丽绘画 "的动机的 "动机"。
塞尚和追随他脚步的毕加索彻底发展了这样的观点，直到今天，这仍然是绘画的基本方法。

(10) 达芬奇的《石窟圣母》。

这件巨大的作品，高度为2米，被巴黎卢浮宫收藏。
事实上，另一幅构图完全相同的作品也存世了，它被伦敦国家美术馆收藏。
在这幅画中，圣母玛利亚、婴儿基督、年轻的施洗者约翰和一位天使被描绘在岩石洞的背景下。
莱昂纳多绘画中特有的 "sfumato "技术得到了充分展示，显示了空间的复杂性和深度，以及各个人物及其服装的柔和形态。
这幅画被认为是在1483年至1486年间制作的，研究表明，它最初是教堂祭坛画的三组中心画之一。
它描绘了被圣母玛利亚轻轻抱着的基督和在柔和光线下与天使坐在一起的施洗者约翰。
这幅画气氛温和，《蒙娜丽莎》也是如此，而且画得很细致，但又有统一的空间感，可以毫不夸张地说，这是意大利文艺复兴时期最美的画作之一，这个时期充满了杰作。




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