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CURATOR’s EYE

关于当代艺术需要了解的10个关键人物。

2023/03/14 TRiCERA ART

当代艺术的开端

近年来，当代艺术已经成为一种常见的景象。
不仅是在旨在展示艺术作品的博物馆和画廊，在城市的各个地方都可以看到当代艺术作品。
但是，'当代艺术'到底是什么意思？当代艺术 "一词所指的 "当代 "是指哪个时期？
在这篇文章中，我们将回答这些问题。

了解艺术的最好方法是了解具体的艺术家和他们的作品。这里有十个人可以帮助你对 "当代艺术 "有更多的了解，人们常说 "当代艺术 "是不熟悉的。

20世纪著名的当代艺术家，1910-50年代

(1) 马塞尔-杜尚。

喷泉1917年。

马塞尔-杜尚最常被命名为当代艺术的创始人，因为它与早期的艺术有着本质的区别。你可能认识他的《喷泉》，在这件作品中，他只是把一个男性小便池倒过来，并在上面写上自己的签名。
你可能有这样的印象：艺术是你在思考之前就能直观感受到的东西，它是美丽的、有趣的或美妙的。
然而，杜尚在《喷泉》中展示的是对这种传统形象的批判和对一种新的 "艺术 "的呈现。

杜尚将传统意义上的艺术归类为 "视网膜绘画"。艺术的定义是，它可以在视网膜上享受，因为它只对视觉刺激有愉悦感和完整性。
而杜尚则把他的作品定义为可以 "用思想来享受 "的东西。
男性小便池本身并不具备美感、精湛的工艺或神秘感。他说，只有当视网膜上没有价值的东西被作为 "艺术品 "或 "艺术 "呈现，并且被观众欣赏时，"艺术 "的行为才会成立=人类的思想。

这种观点的转变意味着必须放弃 "本质上美丽的东西就是艺术 "的被动态度，必须提出 "这有什么意义或背景？"的问题。并以一种积极的态度面对作品，深入探究作品，问 "这有什么意义和背景？

这样的工作并不总是令人愉快的，也不是每个人都能以理想的方式欣赏作品。
杜尚的方法是，甚至接受这一点作为先决条件，并将观看行为中涉及的所有元素--作品、艺术家的背景、观看者当时的条件和背景--视为形成 "艺术作品 "的基本要素。

杜尚成功地将这种基本态度生动地呈现出来，其精神已经传递给今天活跃的大多数当代艺术家。

(ii) 巴勃罗-毕加索。

巴勃罗-毕加索是另一位备受喜爱的历史艺术家。
一个著名的轶事是，他说的第一个词是 "Lapiz"，西班牙语的 "铅笔"。

虽然毕加索作为一个早熟的天才而成名，但他也因革新西方艺术而广为人知。
他创造了被称为 "立体主义 "的艺术运动。
在透视法中，这是西方艺术的一种感知空间的方式，有一个明确的规则，即在以艺术家眼睛为中心的水平线上有一个消失点，当物体远离视点时，整个景观都集中在消失点上。这种方法被用来准确地表达这样一个事实：大型几何物体，如建筑物，在远离观者的时候，看起来会缩水。

然而，部分由于受到保罗-塞尚等人的影响，毕加索对这种统一的空间感知方式进行了反叛。

阿维尼翁的女儿》，1907年。

这些人物具有独特的面部外观，从不同的角度看时，受到身体形态各部分组合的强烈影响，也受到古代非洲艺术中的面具和泥塑的影响。
我们是如何感知现实的？毕加索以一种独特而生动的方式成功地回答了这个问题。
即使在描绘裸体时，其效果也不是像过去那样诉诸于色情，而是将观众的注意力引向空间本身，引向以二维方式表现三维的行为本身。

(iii) 亨利-马蒂斯。

马蒂斯，也被称为 "色彩的魔术师"，是20世纪最著名的画家之一。
如果说毕加索彻底改变了形式的表达，那么马蒂斯则从现实中解放了色彩表达。他有意识地用颜色而不是形式来绘画。

红色和谐》，1908年。

这幅作品经常被描述为马蒂斯的杰作。大胆、生动的红色是主色调，而蓝色的阿拉伯式图案，即墙纸和桌布的图案，被描绘得比图案更有存在感。
其效果是，深度意义上的空间被弄得消失了，因此只有平面的颜色是可见的。
除了油画之外，他还活跃在剪纸领域，晚年经常制作剪纸作品。

栏目--与非当代艺术的区别。

当代艺术与 "现代艺术 "有明显的区别，后者指的是紧接在它之前的时期类别。

现代 "一词一般指的是封建主义时代和中世纪之后的资本主义和公民社会时期，即 "个人主义 "和 "民主 "的时代。
现代主义指的是一种态度，即相对于国家和社会权威而言，采取尊重个人权利和自由的立场。在艺术方面，现代性也是以对自由和个性的重视为特征。

相比之下，1960年代左右开始出现的当代艺术则是以 "享受概念 "为前提的，这也是杜尚的原创。因此，尽管当然有许多作品对眼睛来说是有趣的，对感官来说是享受的，但最好还是把主要的作品看作是那些由于艺术家的知识和构成作品创作前提的思想而可以更深入地理解的作品。
在21世纪，风格已经完全成熟，而且因人而异，大多数艺术家拒绝像过去那样被直接归类为一个特定的艺术运动。

20世纪60年代至90年代的知名当代艺术家。

(iv) 杰克逊-波洛克。

杰克逊-波洛克是抽象表现主义的领军人物，也是战后美国艺术中最著名的艺术家之一。
他是艺术家 "反叛的流氓 "形象的领军人物，他在沉迷于酒精的同时继续工作，在最后的日子里，他驾驶的汽车撞上了电线杆而死亡。

聚合，1952年
波洛克最出名的是开发了一种被称为 "行动绘画 "的新制作方法。
画布通常被撑在画架上，并垂直于地面。然而，波洛克作画时将画布铺在地上，不用画笔将颜料洒在上面，这种技术被称为滴水画。
可以说，他是用均匀的热量涂抹整个画面的=一种全面的绘画方法。波洛克的革命还在于使深度从画面上消失，从而使整个画面的表面作为 "画 "站起来。
他强调的不是作为最终结果的绘画，而是绘画的过程，也就是行动。

5) 安迪-沃霍尔

沃霍尔最初是作为绘本和广告的插画师。
在他三十多岁时，他开始使用大量生产和复制的物品，如金宝汤罐和美元纸币作为主题来制作艺术作品。虽然最初因为他对大众文化和大众消费社会的刻意处理而受到严厉批评，但他的作品逐渐被认为是一种新的艺术形式，即 "流行艺术"，他与音乐和电影业的流行明星一起创造了壮观的形象。

沃霍尔说："如果你想知道一切，就看表面"。他彻底地生产自己，无论是在外观上还是在他的作品没有更深层次的意义，都是他所看到的一切。

他还成立了自己的工作室--工厂。
创建它的目的是为了高效地生产他的作品，就像一个工厂，同时也是为了邀请和与各种各样的人互动，从角落的名人和名流到流浪者。
该工厂也被称为 "银色工厂"，因为整个内部都是银色的。沃霍尔雇用了被称为 "艺术工人 "的艺术工作者，他们制作了许多杰作。

这种类似工厂的工艺其实并不是沃霍尔的首创，而是在欧洲早已司空见惯。前现代的大画家，如提香和鲁本斯，也都经营自己的作坊，雇佣大量的学徒，尽量减少自己的工作量，以生产大量高质量的作品。

(六) 辛迪-舍曼。

她以自己为主体的概念性自画像是她的代表作，最有名的是《无题电影剧照》，这是一系列照片，她把自己打扮成50年代流行电影场景中的女演员，摆出陈旧的姿势。

作为一个学生，谢尔曼以超级现实主义风格进行绘画创作，但正是他与阿德里安-派普等艺术家的一次接触，使他将摄影作为自己的媒介，而这些艺术家的作品是以摄影表达为基础的。

他开始将摄影作为自己作品的媒介，比如《巴士乘客》，这是他装扮成巴士上各种乘客的系列照片，还有《无题电影剧照》，这是一系列在电影场景中拍摄的广告照片，其内容让人联想到电影中的某个场景。
谢尔曼穿着复古的衣服和假发，打扮成各种女人。据谢尔曼说，她的灵感来自于20世纪50年代和60年代的好莱坞电影、黑色电影、B级电影和意大利前卫电影中的刻板的女性角色。

(vii) 约瑟夫-博伊斯。

约瑟夫-博伊斯因其在脂肪和毛毡中的雕塑作品、行动和对话会议以及他对政治和环境问题的干预而闻名。
他将自己的实践称为 "社会雕塑"，将自己的活动扩展到传统艺术的范畴之外。
他从小就对自然和动物感兴趣，并选择用它们作为作品的材料，这是基于他在二十多岁服兵役期间受伤时被当地鞑靼人用脂肪和毛毡治疗的经历。

作为艺术团体Fluxus的核心成员，他展示了各种行动作品，其中包括博伊斯头顶金箔和蜂蜜，把一只死兔子抱在怀里，让它接触他的画；还有一个作品是博伊斯被救护车从他抵达美国的机场送到一个有小狼的画廊，他在那里住了一个星期，然后再次离开。他再次前往德国，只强调与小狼的行动，批评美国社会对原住民的压迫。

著名的当代艺术家仍然在世。
(八) 阿尼什-卡普尔。

卡普尔是英国当代艺术家，生于印度孟买。
他因其富有哲理和触感的作品而受到国际赞誉，这些作品使我们对色彩、光线、知觉和空间进行直观的思考。
用被称为 "本塔黑 "的油漆（世界上最黑的物质）涂抹，这件三维作品完全没有明显的凸起或凹陷。一件作品中，观众和他们身后的风景以一种奇怪的扭曲方式投射到一个巨大的凹面镜上。一件作品中，像内脏或血肉的怪异红色块状物在一个空白的房间里用大炮射出。

每件作品乍一看都笼罩着神秘的色彩，但这些利用整个空间介入人类视觉经验和感官基础的装置作品，象征性地表达了他独特的观点。

(九）草间弥生。

近年来，草间弥生已成为世界上最畅销的女性艺术家。
据报道，2019年，她的作品在所有女性创作的艺术品拍卖会上占了25%的市场。
草间的创新在于她偏执的艺术创作，以及她超越媒体的能力，将表演和整个房间作为艺术作品。

她标志性的南瓜和圆点图案现在已经在日常生活中以各种设计形式流行起来。然而，它们最初是一个简单的点阵图的集合，具有令人敬畏的人类患精神病倾向的表达。
她的作品在某种程度上类似于波洛克的作品，所有的价值并不集中在最终的作品本身，而是过程，这些绘画和行为作品被公认为是草间弥生独特人性的表达，她别无选择，只能画这些作品。

10）布鲁斯-瑙曼。

布鲁斯-瑙曼是美国著名的概念艺术家之一。
他创作了许多邀请人们进行哲学思考的活动，无论采用何种媒介，包括通过霓虹灯管呈现激进语言的作品，通过切割、粘贴和重复人体运动形成的视频作品，以及通过扬声器大声朗读诗意短语，使声音穿插在房间中的作品。

2009年，瑙曼代表他的国家参加了被称为艺术界奥运会的国际展览--威尼斯双年展，他在美国馆获得了金狮奖（最负盛名的奖项）。

瑙曼的作品深受20世纪主要哲学家之一路德维希-维特根斯坦在《哲学研究》中的影响。
在这部作品中，他把我们日常操作的通过语言进行的整体交流称为 "语言游戏"，他的零碎和谚语式的写作集中在这样一个概念上：只有语言，也就是游戏的操作方式，才能决定其规则=词语的意义。
瑙曼通过切割、放大、重复和强调人类运动和语言的片段，偏离了这种日常操作方式。我们，观众，被要求考虑行动和语言的新含义，这些含义（观众可能认为）是由瑙曼所做的首次创造的。

结语。

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