乔治亚-奥基夫以其花卉画、纽约城市画和新墨西哥州山地风景画而闻名，是20世纪活跃的美国艺术家。
在20世纪初，奥基夫作为女性艺术家站在了美国现代主义的最前沿，这在当时是很罕见的，她被称为该运动的领导人物。
她以花的画作而闻名，在这些画作中，五颜六色的花朵被放大到大尺寸，显得很抽象，还有她在晚年创作的新墨西哥州的风景画。
在这个问题上，我们看看奥基夫的生活和她对当代艺术的主要影响。

红色甘娜》，1924年。

关于乔治亚-奥基夫的基本信息

生于：1887年11月15日-1986年3月6日（卒于98岁）
出生地：美国威斯康星州
艺术运动：美国现代主义、精确主义
教育：芝加哥艺术学院附属艺术学校、纽约艺术学生联盟、哥伦比亚大学
相关人物：丈夫阿尔弗雷德-斯蒂格利茨，美国著名摄影师和艺术品经销商

乔治亚-奥基夫的早期生活

乔治亚-奥基夫于1887年出生在太阳草原的一个农业家庭，这个小镇靠近美国五大湖之一的密歇根湖。
奥基夫家有七个兄弟姐妹，乔治亚是排行第二的孩子。
奥基夫以在艺术方面表现出极其早熟的天赋而闻名，在10岁时就决定成为一名画家。他与妹妹艾达和安妮塔一起，开始跟随当地一位名叫萨拉-曼的水彩画家学习。

在芝加哥艺术学院、艺术学生联盟入学

1905年，8岁时，她进入芝加哥艺术学院学习。在那里，他一直被评为班上的第一名。
伤寒病迫使他在1906-7年休假，1907年他进入纽约曼哈顿的艺术学生联盟学习。
1908年，他的画作《死兔与铜壶》获得了艺术学生联盟的静物奖。
作为获奖的奖励，她去了纽约，包括参观由她未来的丈夫阿尔弗雷德-斯蒂格利茨共同拥有的 "291 "艺术画廊。

死兔和铜壶，1908年。

成为一名插画师，然后成为一名艺术教师

当他父母的生意和健康的不幸让奥基夫没有更多的钱来继续他在艺术大学的学习时，他于1908年离开学校，开始作为一个专业的插画家工作。
他一直工作到1910年，然后在同年与家人搬到了弗吉尼亚州的夏洛茨维尔，尽管他已经感染了麻疹和其他疾病。
这时，他停止了油画创作约四年，据说后来他说松节油的气味使他感到不适。
就在这里，奥基夫参加了弗吉尼亚大学的艺术课程暑期学校，在那里他接触到了一个叫阿瑟-韦斯利-道的画家的风格，并被其新鲜感所震撼。
他的风格是高度设计化的，受到当时主导巴黎艺术界的日本艺术的影响，奥基夫开始尝试更多的二维构图，而不是他早期作品的传统现实主义。
1912-14年间，他在德克萨斯州的阿马里洛举办艺术班并担任教师。

无题（弗吉尼亚大学的圆形大厅），1912-1914年。

哥伦比亚时期的抽象画

1915年，奥基夫在哥伦比亚大学教授一门艺术课程。
这时她所画的炭笔画使她自己的内心感受有了形式，并开始显示她的创造性表达。
这些画被寄给了奥基夫的一个朋友，并最终引起了291画廊的斯蒂格利茨的注意。
他称赞奥基夫的作品是 "一段时间以来我在291画廊看到的最纯粹、最美丽、最真诚的东西"，1916年4月，奥基夫的10幅画在291画廊展出。

1915年的第13幅素描，由大都会艺术博物馆收藏。

同时作为抽象画和风景画的原创性

在哥伦比亚完成他的工作后，他搬到了德克萨斯州。
奥基夫喜欢日落和黎明，开始画他在散步时看到的风景。这就是《帕洛杜罗峡谷》系列画作。太阳升起和落下时产生了戏剧性的对比。
在这一系列优秀作品中，黑暗中的风景色彩和闪耀的阳光以绚丽的色彩表现出来。
奥基夫在开始画这些表象之前并没有做那么多的草图。相反，他有兴趣在作画时即兴创作。

红色风景》，1916 -1917年，潘汉德历史博物馆。


她的作品的独创性在于它 "既是抽象的又是风景的"。
从她在帕洛杜罗峡谷的系列画作开始，奥基夫探索了如何通过简单的风景画来表达她情感的一面。
当她画出题为《地平线上升起的光芒》的系列水彩画时，她确信自己已经实现了对她想要表达的东西的最简单的表达。
这种抽象与具象的融合逐渐成为奥基夫最鲜明的特征，但她与斯蒂格利茨日益增长的关系鼓励她停止使用水彩画。
这是因为当时艺术界的传统观念是，水彩画是为业余女画家准备的。
从那时起，奥基夫开始用油画颜料制作表象。

地平线上升起的光，1917年。

斯蒂格利茨在纽约的岁月

1918年，比奥基夫大24岁的斯蒂格利茨为她提供了资金支持和在纽约的住所。
奥基夫逐渐与斯蒂格利茨建立了良好的关系，斯蒂格利茨也开始与他身边的各种画家和摄影师交往。
其中包括摄影师保罗-斯特兰德，他和斯蒂格利茨自己的照片一起，被认为对她产生了重大影响。

保罗-斯特兰德，华尔街，1915年。


阿尔弗雷德-斯蒂格利茨，《转向》，1907年，大都会艺术博物馆。

以自然为主题的简单抽象画。

大约在这个时候，奥基夫开始创作以花、叶和岩石等为主题的画作，这些都可以看作是几何形状。
画于1922年的《绿苹果》是他最具代表性的作品之一。
在画这件作品时，奥基夫说

'只有通过选择，通过消除和强调，我们才能达到事物的真正意义。

另一件代表作是《蓝绿相间的音乐》，其中的自然图案被简化为几何元素。

蓝色和绿色的音乐》，1921年。

奥基夫的同名花画时期

奥基夫一生中画了大约200幅 "花画"，这已经成为她的代表作。
在这些作品中，原本小花的内部被画得非常大，以至于它们悬在巨大的画布表面，就像通过一个放大镜看到的一样。
Onigeshi和Red Canna系列很好地说明了这一特点。
这些作品以其血红色的色彩，立即给观众留下了深刻的印象，使这些花有了一种生命感，甚至是一种对生命的恐惧，这不仅仅是美丽。

红甘蓝，1928年。


红色甘蔗，1927年。

奥基夫绘画中的女性气质和特殊性

保罗-罗森菲尔德在1922年评论说："奥基夫的作品中充满了女性气质"。
她画中的颜色和形式，特别是那些花，据说让人联想到女性的生殖器。
认为奥基夫的画作是女性气质的隐喻的观点正在形成，但奥基夫本人始终拒绝这种内涵。
然而，抛开对作品意义的争论，奥基夫的作品价值继续飙升。
2014年11月，《Jimson Weed No.1》以4400万美元（按当时的汇率计算约为46.6亿美元）的价格售出。
这个价格是之前女性艺术家作品价格的三倍多，可见奥基夫的高知名度。

吉姆森野草》，1936年。

奥基夫的纽约市摩天大楼。

1925年，奥基夫搬到纽约曼哈顿谢尔顿酒店30层的公寓，开始画摩天大楼和摩天大楼作为主题。
散热器大楼》也许是他的画作中最有启示性的，揭示了奥基夫的绘画技巧和简化的几何学。
被照亮的谢尔顿酒店和贯穿建筑物之间缝隙的高速公路营造了一种神奇的氛围。
虽然奥基夫对鲜艳色彩的独特使用仍然很明显，但这幅作品中色彩数量的克制，适合夜景，使其成为一幅非常受欢迎的作品。

散热器大楼》，1927年。

新墨西哥州，在一个新地方的成熟期。

1929年，奥基夫和她的朋友丽贝卡-斯特兰德访问了新墨西哥州的陶斯，在那里他们找到了巨大的灵感。
在陶斯，他们住在梅布尔-卢汉家，后者当时是女性艺术家的积极支持者。
奥基夫继续在陶斯山的风景中写生和研究，她从所住的房子里可以看到陶斯山的风景，以及自然朴素的风景和崎岖粗糙的岩壁。

奥基夫的牛骨画。

随后，奥基夫开始每年花一些时间在新墨西哥州，收集他在散步和采访中在路边发现的骨头和石头。
这些主题导致了一系列以生命之死为主题的骨头画。
他的野外散步是开着他最喜欢的福特A型车进行的。
奥基夫对新墨西哥州的土地情有独钟，他告诉一位朋友。

这是一个真正美丽的、未被开发的、有点孤独的地方。它就是那种'遥远的地方'，让你觉得你以前画过它，你还得再画一次"。

以牛头骨为主题的画作是在这个时候以及从三十年代末开始的。
从1932年到三十年代末，她的工作因心理问题而中断。据称这是由于她与丈夫阿尔弗雷德的婚外情造成的。
然而，在1936年，她又恢复了工作，包括可能是奥基夫最著名的画作之一《夏日》。
在这幅作品中，一个牛的头骨漂浮在空中，仿佛超现实主义，俯瞰着由新墨西哥州红色土壤构成的山脉和地平线。
这幅画的构图保留了某种怀旧和可爱，但显然给人一种比花鸟画时代更饱满的 "死亡 "及其 "哀伤 "的感觉。

夏日，1936年。

作品提供给夏威夷的菠萝公司。

当N.W.Ayer & Son，可以说是美国最古老的广告公司，邀请奥基夫与他们合作时，他欣然同意。
过去与N. W. Ayer & Son公司合作的艺术家包括Isamu Noguchi。
这个项目把奥基夫带到了夏威夷，在那里他在瓦胡岛、毛伊岛、考艾岛和夏威夷主要岛屿上呆了九个星期。
特别是在毛伊岛，他得到了完全自由的时间，这样他就可以完全集中精力为作品进行研究。
在这个研究的基础上，奥基夫在回到纽约后完成了20幅感性的、前后呼应的植物画。

菠萝芽》，1939年。

美国各地的回顾展

20世纪40年代，芝加哥艺术学院和纽约现代艺术博物馆（MoMA）都举办了回顾展。
1946年在纽约现代艺术博物馆举办的个展使她成为第一位在该博物馆举办个展的女性艺术家。

黑白土地的画作。

在回顾展的前后，奥基夫开始了《黑土地和白土地》系列。
奥基夫说，黑土地 "就像大象的背，有几英里长的象背，脚底有白沙"。
在新墨西哥州的Abiquiú的土地上，主题是白色的、纯粹的悬崖。
这一时期的画作，可以说是一系列消色的黑、灰、白，比较抽象。

黑土地II》，1942年，大都会艺术博物馆。


黑土地》，灰色和粉色，1949年。


白土地》，1941年。

奥基夫的晚年生活

在他的晚年，奥基夫画了一些象征性的画，有通往天堂的梯子的主题，以及奇怪的、漂浮的画，似乎从上面俯视云层。
这些都偏离了他早期的抽象画风格，他仍然忠实于观察，并采用了一种构图方法，让观众自己去想象。
即使在接近晚年的时候，奥基夫仍在继续寻找新的制作方法，这表明他对新的创作方式有着永不满足的渴望。

通往月亮的阶梯》，1958年。


云层之上的风景IV，1965年。

在20世纪60年代和70年代，伍斯特艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆也举办了奥基夫的作品回顾展。
惠特尼美国艺术博物馆还出版了一本带有她作品的目录。
20世纪70年代，直到1984年的最后几年，奥基夫继续用铅笔、木炭和水彩画创作。

奥基夫如何被视为

作为女权主义者的认可

推动女权运动的艺术家朱迪-芝加哥在她的《晚宴》（1979年）中回顾了女艺术家的历史，其中她特别强调奥基夫是 "第一个将感性的、女权主义的图示带入艺术史的人"。然而，奥基夫本人并不是一个女权主义者。
然而，奥基夫本人却避免被称为女权主义者、提倡这一概念的艺术家或 "女性艺术家"。
她更愿意被简单地称为 "艺术家"。

花画的隐喻性

从一开始就有人指出，奥基夫的系列花画象征着女性生殖器的外阴。
艺术经销商塞缪尔-库茨对她作品中的性表现提出异议。
然而，奥基夫自己对此的立场是，这些画作与此没有关系。
奥基夫认为，"那些在我的画中解读色情主题的人，反而是在解读他们自己的欲望。

与乔治亚-奥基夫有关的艺术家

穆里尔-纳波利

自然 133 通过。 穆里尔-纳波利


穆哈迈德耶娃-祖尔菲亚

仰慕之情 作者： 穆哈迈德耶娃-祖尔菲亚


朱哈-辛

罂粟花不断绽放 作者： Jooha Sim



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