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개념

예술가 Yaroslav Kurbanov와의 인터뷰 2011 당신에게 예술이 무엇이고 무엇이 예술이 아닌지 어떻게 정의합니까? "일반적인 예술, 특히 내 예술에 대한 나의 태도는 다음과 같은 점으로 정의됩니다. 첫째: - 예술 작품은 현재의 것이든 이미 역사의 맥락에서든 아이디어가 있어야 합니다. 가장 중요한 것은 관객을 흥분시키고, 감각을 일깨우며, 반성을 불러일으킨다.요즘 예술가들은 종종 예술이 불러일으키는 전체 감정 팔레트를 단순한 충격과 거부로 대체하려고 한다. 자신의 생각을 가장 잘 표현할 수 있는 올바른 기법과 형식, 특히 어떤 스타일에도 맹목적으로 집착해서는 안 되며, 특히 그것이 예술가가 달성하고자 하는 목표에 부합하지 않는 경우에는 예술 작품이 우선되어야 하며, 그리고 예술 작품은 그것을 만든 사람의 맥락 없이도 "작동해야 한다". 우리는 예술가의 삶, 그의 작품의 수고 또는 그의 길에 대해 알지 못할 수도 있지만, 삽화는 여전히 우리에게 깊은 인상을 주어야 합니다. t "메인 코스의 향신료". 예를 들어, 피카소는 경력 전반에 걸쳐 자신에게 설정한 작업에 따라 예술적 스타일을 여러 번 갑자기 바꿨습니다. 그리고 우리는 그의 개인적인 삶과 예술적 삶의 모든 상황을 알지 못한 채 그의 작품에서 그의 다른시기가 완전히 편안합니다. 셋째: - 예술 작품은 전문적으로 수행되어야 합니다. 나는 아마추어적인 실행 방식을 볼 때 좌절감을 느낀다. 가끔 기술도 없는 작가의 작업에서 흥미롭게 고안된 움직임을 볼 수 있는데 매우 답답합니다. 나는 21세기를 예술교육이 필요없다고 판단하고 그들의 '창작'으로 전체 예술공간을 채운 21세기를 '딜레탕트의 세기'라고 부르지만, 나는 여전히 테크니컬한 교육이 아니라 교육이 필요하다고 믿는다. 의학, 그러나 그것은 예술 분야에서 못지않게 중요합니다. 예술에 어떤 아이디어와 생각에 관심이 있습니까? 내 작업에서 나는 개인적으로 중요한 주제를 만집니다. 고전 문학과 현대 문학을 읽으면서 나는 같은 주제가 100년 전과 그 이전에 사람들을 괴롭혔다는 것을 깨달았습니다. 사랑과 미움, 믿음과 배신, 두려움과 자제, 내면과 외면의 괴리, 남을 위해 쓰는 '가면'이다. 시간은 이러한 주제에 대해 아무런 힘이 없습니다. 이것은 몇 년, 몇 달, 때로는 며칠 후에 망각으로 사라지는 많은 일상적인 감정과 구별됩니다. 영적 가치는 과거와 마찬가지로 사람들과 관련이 있으며 이전과 마찬가지로 동일한 질문에 대한 답을 찾으려고 노력합니다. 나는 누구인가? 내가 어디로 갔지? 삶의 의미가 무엇인가? 행복이란 무엇입니까? 사랑이란 무엇입니까? 우리의 내면 세계는 외부 세계에서 이러한 질문에 대한 답을 찾기 위해 계속해서 시도합니다. 내 예술은 이러한 질문에 답하려는 나의 시도입니다. 예를 들어 현대 예술가가 추상 스타일로 그리는 것이 훨씬 쉽고 빠르기 때문에 현대 세계에서 오히려 전통적인 스타일의 사실주의를 선택한 이유는 무엇입니까? 기술적으로나 미학적으로나 핵심 아이디어를 명확하고 완전하게 표현하는 것이 과제이며, 이에 리얼리즘이 적합하다면 비 모던함을 두려워해서는 안 됩니다. 사실 저는 제 스타일을 리얼리즘이 아니라 메타모던이라고 정의하고 싶습니다. 메타 모던 스타일을 사용하면 사실주의의 제약을 피하고 시각 예술의 전체 범위를 최대한 활용하고 가능한 모든 방식으로 결합하고 함께 재생할 수 있습니다. 추상 미술을 작업하는 예술가들은 종종 형식에 대해서만 생각하고 아이디어가 없습니다. 그들은 알아볼 수 있는 스타일만을 찾고 있습니다. 더 이상 예술이 아니라 디자인입니다. 그것은 당신을 귀찮게하지 않는 예술입니다. 단지 한 가지 아이디어가 있습니다. 인테리어, 소파, 커튼 및 벽지의 색상과 일치시키는 것입니다. 제 생각에는 예술가가 개념이 없으면 아이디어의 부족과 공예의 숙달을 숨기기 위해 추상화를 주요 예술 형식으로 선택합니다. 그러나 예술에는 또 다른 극단이 있습니다. 예술가가 자신이 묘사하는 이미지를 일반화하고 양식화할 수 없을 때. 그럴 경우 그는 "내가 보는 것은 내가 그리는 것이다"라는 원칙, 즉 현대 예술가의 능력의 풍부한 팔레트를 모두 사용하지 않고 일종의 카메라로 작업한다는 원칙에 따라 그림을 그리는 수공예품 만 보여줍니다. 그래서 진정한 예술은 모든 것 사이의 섬세한 균형을 이루는 행위이며, 이는 종종 말로 설명할 수 없습니다. 그러나 당신이 전문가이고 "훈련된 눈"을 가지고 있다면 어떤 기사나 설명 없이도 무엇이 진짜이고 피상적인지를 알 수 있습니다. 그리고 그것이 어떤 스타일로 만들어지는지는 중요하지 않습니다. 당신의 작업은 종종 이중적인 톤을 가지고 있습니다. 이것은 의도적인 것입니까? 나는 거의 항상 내 작업에서 기호를 사용합니다. 예술은 세계를 직접 반영하는 거울이 아니기 때문에 예술에는 항상 상징이 있었습니다. 예술의 상징성은 여전히, 그리고 언제나 일상에서 존재하는 상징을 단순하고 자연스럽게 인식하는 관객 위에 세워져 왔습니다. 그러나 매번 고유한 상징 언어가 있습니다. 18세기의 정물화는 동시대 사람들에게 전체 이야기를 들려줄 수 있었지만 지금은 우리에게 물건의 집합체에 불과합니다. 현대미술과 동시대 관람자는 그들만의 주제적 상징을 가지고 있다. 나는 그림의 이름을 통해 보는 사람이 내 상징을 더 잘 인식하게 하고 내 작업에서 다루는 주제로 이끌려고 합니다. 모든 사람이 작품의 아이디어를 이해하고 자신의 방식으로 해석하고 발전시킨다고 믿습니다. 나는 시청자에게 내 의견을 강요하고 싶지 않습니다. 모든 사람은 주변 세계에 대한 자신의 견해를 가지고 있습니다. 이렇게 하면 작품과 관객 사이에 조용한 대화가 이루어집니다. 관객이 일상의 근심과 조급함에서 벗어나 몇 분이라도 영원한 주제에 대해 생각한다면 내 예술은 그 목적을 달성했다고 말할 수 있습니다.