미술관에 수장된 세계의 유명한 회화.
왜 이것이 유명한가? 라고 궁금해 본 적 없습니까?
세계의 명화 10선 | 불후의 명작을 아는 에서는, 15세기~20세기 초까지의 유명한 서양 회화를 소개했습니다.
이번에는, 세계의 유명 미술관에 있는, 한층 더 깊은 파고 현대의 유명 회화 작품 10장을 소개합니다.

① 살바도르 달리《기억의 고집》

있을 수 없는 모티프를 조합해 비현실적인 회화를 만들어내는 쉬르레아리즘의 대표적 화가, 살바도르 달리.
그의 대표작이 이곳의 《기억의 고집》입니다.
달리가 27세 때 1931년에 발표된 비교적 초기 작품으로, 달리의 특징적인 사막의 정경과, 녹아 변형된 시계나 그 외 신기한 물체 등의 독자적인 모티브가 이미 엿볼 수 있다 합니다.
이 작품은 현재 뉴욕 근대 미술관(MoMA)에 수장되어 있으며 20세기 미술 중에서도 특히 중요한 그림 중 하나로 여겨지고 있습니다.
언뜻 보면 의미 불명하게 보일지도 모릅니다만, 실은, 이 회화에 그려진 하나하나의 모티브는 각각 상징적인 의미를 숨겨 가지고 있습니다.

어느 때, 부엌에서 달리의 파트너 겸 모델의 갈라가 먹고 남은 카망베르 치즈가 녹아 가는 상태를 본 달리는, 「녹아있는 시계」라고 하는 이미지의 영감을 얻었다고 합니다.
보통 딱딱한 것으로, 규칙적으로 시간을 새겨 가야 할 시계.
그것이 치즈처럼 녹아 왜곡되어 '달리는 시간과 공간의 왜곡'을 표현하고 있다고 생각됩니다.
아인슈타인이 '일반 상대성 이론'을 발표한 것은 1915년. 점차 세상에도 유포되고 있었던, 「시간과 공간은 상대적인 것이고, 자신의 시점에 의해 왜곡되어 보일 수도 있다」라고 하는 생각에, 다리도 영향을 받고 있었을 가능성이 생각 되었습니다.

또한 화면 중앙에 누워 만두 껍질과 같은 흰색 신비한 물체는 달리의 잠재적 이미지를 상징합니다. 육체적·성적인 흥분과 그 쇠퇴나 붕괴. 그것이 형태가 된 것이 이 수수께끼의 물체라고 생각됩니다.
그리고 앞 왼쪽의 개미가 모이는 오렌지색 시계는 "부패"의 개념을 나타내는 것으로 보입니다.
달리의 회화에 등장하는 것은 하나하나의 요소가 그 자신의 욕망이나 당시의 혁신적인 사고방식 등의 상징이 되어 있어 읽을수록 읽을수록 즐겁다는 특징을 가지고 있습니다.

②피에르 오규스트=르누아르《물란 드 라 갤렛의 무도회》

인상파의 유명한 화가, 피에르 오규스트 르누아르가 1876년에 그린 것이, 《무란 드 라 갤렛의 무도회》라는 그림입니다.
뮬란 드 라 개렛은 파리의 문화인들이 모이는 지역인 몽마르트르에 있던 야외 댄스홀이었습니다.
덧붙여서, 「개렛(Galette)」이란 「풍차」의 의미로, 특징적인 풍차가 랜드마크였습니다.
이 회화는 1877년에 제3회 인상파전에 출품되어 현재는 파리의 오르세 미술관에 수장되어 있습니다.
르누아르 자신의 친구들을 모델로 하면서 그려진 이 즐거운 회화는, 아름다운 무늬를 사람들 위에 떨어뜨리는 나무누설 날이나, 댄스를 즐기면서 술취한 기분이 된 사람들의 표정이 풍부하게 그려져 있습니다.
인상파 중에서도 매우 인기가 높은 르누아의 대표작이라고도 할 수 있는 이 그림은 위에 게재한 큰 버전(131cm x 175cm)과 현장에서 그려진 스케치 크기의 소품의 두 가지 버전이 있습니다.
메인의 대 버전은, 버블 말기인 1990년에, 오쇼와 제지(현·일본 제지)의 명예 회장인 사이토 료에이가 7800만 달러(회화 사상, 2위의 가격)로 낙찰한 것으로도 화제에 되었습니다 (버블 붕괴 후 스위스의 집집가의 손에 건넜다고합니다).

③장=프랑소와 밀레《씨를 뿌리는 사람》

장 프랑수아 밀레에 의한 "씨를 뿌리는 사람"은 씨앗을 뿌려 살아가는 농민의 모습을 구가하는 힘이 특징적인 그림입니다.
1850년에 그려진 이 회화는 현재 미국의 보스턴 미술관에 소장되어 있으며, 당 미술관의 주요 작품 중 하나가 되고 있습니다.
1850년, 파리의 살롱(관전)에 출품된 본작은, 농민의 비참한 생활에 항의하는 정치적인 표명이라고 파악하는 사람도 많아, 격렬한 논의를 불렀다고 말해지고 있습니다.

당시 프랑스는 2월 혁명과 보통선거의 실시에 의해 정치적 발언력을 늘린 농민·노동자 계급과 그 위협을 억누르려고 하는 부르주아 계급과의 대립이 높아지고 있었습니다.
그러므로 보수파로부터는 “밀레는 농민이라고 불리는 악당과 동종의 배이다” 등과 비난을 받는 한편, 좌파로부터는 “그는 현대 민중의 의인상이다” 등으로 들어올렸습니다 . 양극단적인 평가는 당시 다양한 계급의 프랑스인에게 호소하는 힘을 가진 이 작품의 저력을 느끼게 합니다.

또, 기법의 면에서도, 아카데믹한 기법에서는 미움받는 페인트의 두꺼운 칠을 실시하고 있어, 그 점에서도 혁신적이었습니다.
그 모습을 평론가인 테오필 고티에는 “난폭한 몸짓과 심하게 거칠게 된 이 인물은 씨를 뿌리는 흙의 색으로 칠해져 있는 것처럼 보인다”고 평가했습니다.
정치나 사회의 현실을 그리는 밀레와 함께 같은 시대에는 쿠르베, 도미에 등 레어리즘의 화가가 나타났고, 그때까지의 이상주의적인 회화와는 일선을 그린 미술사상의 혁명이었다고 할 수 있습니다.

④핀센트·판·고흐《해바라기》

고흐의 《해바라기》라고 하면, 누구나가 한 번은 교과서나 포스터등에서 본 적이 있을 것입니다.
실은, 고흐에 의해 그려졌다고 인정되고 있는 현존하는《해바라기》는 전부 10장 있습니다.
각각을 수장하고 있는 미술관의 장소를 따서 「〇〇판」이라고 불리고 있으며, 위 이미지의《해바라기》는 런던의 내셔널 갤러리가 소장하고 있는「내셔널 갤러리판」입니다.
이 작품은 1888년에 그려졌다.
고흐는 그 화업 속에서 여러 번 집중해 해바라기로 일하고 있으며, 이 해바라기는 남부 불의 아루라는 온난하고 아름다운 빛이 넘치는 땅에서 그려진 가운데 하나입니다.
꽃병에서 흘러내릴 정도로 살아난 해바라기는 해바라기와 동계색의 밝은 노란색을 배경으로 심플한 구도로 그려져 있습니다.
해바라기의 장난감 같은 역동감과, 아래를 향해 시들어가고 있는 것이 동거하는, 생명의 사이클을 느끼게 하는 작품이 되고 있습니다.

덧붙여서, 이 작품은 2022년 10월에 「Just Stop Oil」캠페인을 내걸는 환경 보호 활동가에 의해, 토마토캔을 던져져 버린 작품입니다.
작품에 데미지는 없었지만 이마에 약간의 상처가 붙었다고 합니다. 2명의 활동가는 체포되어 작품은 청소를 하고 당일 중에 전시실에 돌아왔습니다.
다시 한번, 역사적인 예술 작품과의 마주하는 방법과 그 보호를 생각하게 하는 계기가 된 사건이었다고 말할 수 있을 것입니다.

⑤ 우젠느 드라크로바《민중을 인도하는 자유의 여신》

이 그림은 1830년 로망주의 대표적인 화가인 우젠느 드라크로와에 의해 일어난 사건의 '칠월 혁명'을 모티브로 한다.
중심에 그려져 있는 총을 왼손에 들고 프랑스 국기를 오른손으로 내세워 민중을 이끄는 과감한 여성은 '마리안느'라는 프랑스의 상징적 여성상의 대표예입니다.

마리안느 자신은 「자유」를, 한쪽 노출된 유방은 「모성=조국」을 상징한, 알레고리컬(우화적)인 회화가 되어 있습니다.
역동적이고 움직이는 구도와 극장 테마의 그림은 바로 로망주의라는 예술 운동의 대표작으로 여겨집니다.
1874년에 소장된 이래, 루브르 미술관의 주요 작품으로 전세계 사람들의 주목을 받고 있습니다.
드라크로와는 그 밖에도 《키오스섬의 학살》 등의 역사적 사건을 테마로 한 드라마틱한 회화를 발표하고 있습니다.
참고 작품:키오스섬의 학살(1823-24년, 루브르 미술관 소장)

⑥ 프란시스코 데 고야《우리 아이를 먹는 사투르누스》

《우리 아이를 먹는 사투르누스》는, 스페인의 화가 프란시스코 데 고야의 회화 작품으로, 연작 「검은 그림」중의 일점입니다.
그 충격적인 화제와 내용을 직접적으로 표현한 타이틀이나 비주얼에 의해, 한눈에 보면 잊을 수 없는 작품이 되고 있습니다.
이 작품은 1819~1823년 사이에 그려진 것으로 생각되고 있으며, 현재는 스페인의 마드리드에 있는 프라도 미술관에 소장되어 있습니다.

이 그림은 신화를 주제로합니다.
로마 신화에 등장하는 사투르누스(그리스 신화의 크로노스에 상당)라는 농업의 풍요를 잡는 신이, 장래 자신의 자녀에게 죽을 것이라는 예언에 두려움을 안고, 5명의 아이를 잇달아 삼켜 갔다는 전승 가 그려져 있습니다.
사투르누스는 원래 신들이 사는 올림푸스 산의 왕이었지만, 노경에 걸리면, 사투르누스는 자기의 파멸에 대한 공포로부터 광기에 빠져 버립니다.
자신의 아이를 머리에서 쳐서 죽이는 흉행에 이르는 모습이 리얼리티로 그려져 있습니다.
너무 리얼하고 그로테스크한 그 묘사에 혐오감을 안는 감상자도 적지 않습니다.
그러나 동시에 그 직접적인 표현 때문에 미술사상에서도 드물게 볼 수 있는 걸작으로서 이름을 남기고 있습니다.
이 회화는 고야가 만년에 그린 시리즈인 "검은 그림"시리즈의 대표 작품입니다. 자세한 해설은 아래의 기사에 있으므로, 꼭 함께 읽어 주세요.

《우리 아이를 먹는 사투르누스》란 무엇인가? 고야의 명작을 해설!

⑦ 파블로 피카소《아비뇽의 딸들》

세계에서 가장 유명한 화가 중 한 명, 파블로 피카소가 26세 때 1907년이라는 화업 초기에 발표한 것이 《아비뇽의 딸들》입니다.
착상원이 된 것은 스페인 바르셀로나에 있는 '아비뇽 거리'라는 창부관이 늘어선 거리였습니다.
화면 왼쪽의 여성의 옆모습은 고대 이집트 조각, 중앙의 2명의 얼굴에는 고대 스페인 조각, 또, 보다 특징적으로 왜곡된 오른쪽의 2명의 얼굴에는, 아프리카 조각의 영향이 분명히 보여진다 합니다.
이 작품을 기점으로 피카소와 조르주 블랙 등이 중심으로 제창한 '큐비즘'이라는 예술 운동이 시작되었습니다.
큐비즘이라는 생각에 있어서는, 원근법이나 리얼한 음영 표현 등의 사실적인 것이 아니라, 사물을 일단 해체한 후에 재구성한다는, 회화 특유의 새로운 표현을 목표로 했습니다.
이 작품은 현재 뉴욕 현대 미술관 (MoMA)에 소장되어 있습니다.

⑧피에트·몬드리안《적・파랑・황의 컴포지션》

몬드리안의 추상화는 시대를 넘어 사랑받고 있으며, 단순함과 모더니즘적인 추상 표현이 현대 아티스트에 영향을 미칩니다.
심플한 선, 모양, 색으로 감정과 감각을 불러일으키는 능력은 몬드리안이 목표로 했다.
보편적이고 감정적인 연결, 신지학에 관한 연구에도 몰두한 몬드리안은 초기에는 구체적인 그림을 그렸습니다.
큐비즘 등에 영향을 받으면서 점차 최소한의 표현으로 변화하고 있습니다.
미니멀의 극치라고도 할 수 있는 영역에 이른 이 작품은, 1930년에 제작되었습니다.

그는 이런 말을 남겼습니다.

"나는 선과 색채의 조합을 평평한 표면에 구축한다. 그것은 최대의 집중력으로 보편적인 아름다움을 표현하기 때문이다. 자연(혹은 내가 보는 것)은 나에게 영감을 주고, 무언가를 창조하는 충동을 일으킨다. 표면적인 것이라고 해도.

수평선과 수직선을 명료한 의지로, 그러나 계산적인 것이 아니라, 고상한 직감으로 그리면, 조화와 리듬을 가져오는 것이 가능하다고 생각한다. 그 선이 강도를 가지며 신성성을 가지는 것은 그것이 예술이라는 것이다. "

⑨ 폴 세잔느《사과와 오렌지》

1899년에 제작된 이 정물화에서는 긴장감을 느끼는 왜곡을 볼 수 있습니다.
다양한 각도에서 본 모티브를 같은 화면에 동거시킴으로써 테이블의 능선이 엇갈리거나하는 등의 효과를 볼 수 있습니다. 이것은 나중에 큐비즘에 의해 높이 평가되고 발전하게 되었습니다.
"사과로 파리를 놀라게 하고 싶다" 그렇게 세잔느가 자주 입으로 하고 있었던 것을, 19세기의 유명한 미술 평론가 구스타브 제프로이는 회고하고 있습니다.
세잔은 이 작품에 의해, 전통적인 원근법과 묘사법을 근본으로부터 파괴해 버렸습니다.
「아름다운 회화」를 그리는 동기로서의 「모티프」.
세잔과 그 뒤를 잇는 피카소는 이러한 포착 방법을 철저히 하고, 이 사고 방식은 현대에 이르기까지 회화 제작 사이의 기본 자세로 계승되고 있습니다.

⑩레오나르도 다빈치《암굴의 성모》

높이가 2m인 이 거대한 작품은 파리의 루브르 박물관에 소장되어 있습니다.
사실, 똑같은 구도로 그려진 또 다른 작품도 남아 있으며, 그곳은 런던의 내셔널 갤러리에 소장되어 있습니다.
이 그림에는 성모 마리아와 유아 그리스도와 어린 세례자 요한과 천사가 암굴을 배경으로 그려져 있습니다.
복잡하고 깊이 있는 공간과 한 사람 한 사람과 의복의 부드러운 형태를 표현하기 위해 레오나르도의 회화의 특징인 '스푸마트' 기법이 마음껏 발휘되고 있습니다.
1483년부터 1486년에 걸쳐 제작되었다고 생각되고 있으며, 원래 교회의 제단화로서 3조의 회화 중 중심의 한 장이라고 연구에 의해 밝혀졌다.
성모 마리아가 부드럽게 안는 그리스도와 천사와 함께 앉는 세례자 요한의 모습이 부드러운 빛의 바탕에 그려져 있습니다.
모나 리자에게도 공통적으로 느껴지는 상냥한 분위기와 치밀하게 그려지면서도 공간으로서의 통일감을 유지하고 있는 이 작품은, 걸작 갖추어진 이탈리아 르네상스기 중에서도 가장 아름다운 회화의 하나라고 말한다 너무 과언이 아닐 것입니다.




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