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CURATOR’s EYE

현대예술을 알기 위한 키퍼슨 10명

2023/03/14 TRiCERA ART

현대 미술의 시작

최근 잘 보이게 된 "현대 아트".
미술 작품을 장식하기 위해 만들어진 박물관, 박물관, 갤러리 등뿐만 아니라 도시의 다양한 장소에서 현대 미술 작품을 볼 수 있습니다.
그러나 원래 '현대 예술'은 무엇을 가리키는가? 「현대 아트」라는 말로 언급되는 「현대」란 도대체 어느 시대의 것일까요?
이번에는 이런 의문에 답하겠습니다.

예술을 알기 위해서는 구체적인 아티스트와 그 작품을 아는 것이 가장 좋습니다. 잘 모르는 '현대 예술'을 조금만 알게 되기 위한 10명의 인물을 소개합니다.

20세기의 유명한 현대 아티스트 · 1910-50년대

①마르셀 듀샨

분수 1917

지금까지의 아트와는 근본적으로 다르다는 의미에서 현대 아트의 창시자로서 가장 이름이 오르는 것이 마르셀 듀샨입니다. 남성용 소변기를 뒤집어 사인을 쓸 수있는 작품 "샘"에 한 번은 기억이있는 것이 아닐까요?
아트라고 하면, 보다 직감적으로 「아름다운」「즐거운」「훌륭하다」라고 생각하기 전에 느낄 수 있는 것이라고 하는 이미지가 있을지도 모릅니다.
그러나 듀샨이 '샘'에 의해 보여주는 것은 그러한 전통적인 이미지를 비판하고 새로운 '아트'를 제시하는 것이었다.

Dushan은 전통적인 의미에서 예술을 "망막 그림"으로 분류했습니다. 시각 자극에만 쾌감을 주고 그것으로 완결한다는 점에서 망막에서 즐길 수 있는 것이 예술의 정의였습니다.
그러나 이에 대해 듀샨은 자신의 제작을 '사고로 즐길 수 있는' 것으로 정의했다.
남성용 소변기 그 자체로 아름다움, 탁월한 장인적 기술, 또 신비성이 머무르고 있는 것은 아닙니다. 망막적으로는 가치가 없는 것을 「아트 작품」「예술」로서 제시하는 것으로, 그리고 그것을 감상자가 감상하는 것=인간의 사고에 의해 처음으로 「아트」라는 행위가 성립한다고 합니다 .

이 시점의 전환은, 「뭔가 본래 아름다움이 예술이다」라고 하는 수동적인 태도를 버리고, 「이것에는 어떤 의미나 배경이 있는 것일까?」라고 작품의 깊숙이까지 탐색하는 능동 적인 태도로 작품과 대치하는 것을 감상자에게 요구합니다.

이러한 작업은 반드시 재미있는 것은 아니며 모두가 항상 그러한 바람직한 감상을 할 수있는 것은 아닙니다.
그것조차도 전제로 받아들이고, 작품이나 작자의 배경, 감상자의 그 때의 컨디션이나 배경 등 감상 행위에 관련된 모든 요소를 「작품」을 성립시키기 위해서 필수적인 요소라고 생각한다고 하는 것이, 듀샨의 보여준 것이었다.

이런 근본적인 자세를 듀샨은 선명하게 제시하는 데 성공하고, 그 정신은 바로 지금 활약 중인 대부분의 현대 아티스트에게 계승되고 있습니다.

②파블로 피카소

파블로 피카소도 많은 사람들에게 사랑받는 역사에 남는 아티스트입니다.
유명한 일화로는 그가 처음 말한 단어는 스페인어로 '연필'을 의미하는 'Lapiz'였다는 것이 있습니다.

조숙한 천재로 이름을 붙인 피카소입니다만, 서양 미술에 혁명을 일으킨 것으로도 널리 알려져 있습니다.
그는 '큐비즘'이라는 미술운동을 만들어냈다.
서양미술을 특징짓는 투시도법(원근법)이라는 공간을 파악하는 방법에 있어서는, 화가의 눈을 중심으로 수평선상에 소실점이 있어, 물건이 시점으로부터 멀어짐에 따라 소실점에 모든 풍경이 집약되어 간다 라는 명확한 규칙이 존재합니다. 건물과 같은 큰 기하학적 물체를 보면 멀어짐에 따라 흐려진 것처럼 보이는 것을 정확하게 표현하는 방법이었습니다.

그러나 폴 세잔느 등의 영향도 있어, 피카소는 그러한 획일적인 공간을 파악하는 방법에 반기를 들입니다.

아비뇽의 딸들 1907

다양한 각도에서 보았을 때의 육체의 형태를 파트마다 조합하거나, 아프리카 고대 미술에서 볼 수 있는 가면이나 토우의 조형으로부터 강한 영향을 받은 독특한 얼굴모양을 가진 인물이 되고 있습니다.
현실을 어떻게 붙잡는가? 이 문제에 피카소는 다른 방법으로 선명하게 대답하는 데 성공했습니다.
벌거벗은 여자를 그려도 기존과 같이 에로틱함을 호소하는 것이 아니라 공간 자체, 3차원을 2차원으로 표현한다는 행위 자체에 감상자의 눈을 돌린다는 효과를 가지고 있다고 말할 수 있습니다.

③ 앙리 마티스

마티스는 '색채의 마술사'라고도 불린 20세기를 대표하는 화가입니다.
피카소가 형태(포름)의 표현에 혁명을 일으켰다고 하면, 마티스는 색채 표현을 현실의 것으로부터 해방한 인물이라고 말할 수 있습니다. 형태가 아니라 색채로 그림을 한다는 의식이 그에게 있었다.

레드 하모니 1908

이 작품은 마티스의 최고 걸작으로 평가되는 경우도 많습니다. 대담하고 선명한 붉은 색채를 메인으로, 벽지와 식탁보의 무늬인 푸른 당초 무늬가 무늬로서 이상의 큰 존재감을 가지고 그려져 있습니다.
깊이라는 의미에서의 공간을 소실시켜, 깔끔한 색채만이 보이는 듯한 효과를 만들어 내고 있습니다.
유화뿐만 아니라 잘라내기도 적극적으로 제작했고, 만년에는 자르기를 자주 제작했습니다.

칼럼 ~현대 아트가 아닌 것과의 차이~

현대 예술은 그 직전의 시대 구분을 가리키는 "근대 미술 (모던 아트)"로 명확하게 구별됩니다.

「근대」라는 말은 일반적으로는 봉건주의 시대나 중세보다 후의 자본주의 사회·시민 사회의 시대, 즉 「개인주의」나 「민주주의」의 시대를 가리킵니다.
근대주의란 국가나 사회의 권위에 대하여 개인의 권리와 자유를 존중하는 입장을 취하는 자세를 의미합니다. 미술에서도 자유와 개인성에 가치를 두는 것이 근대의 특징이었습니다.

이에 반해 1960년대부터 대두하기 시작한 현대아트는 듀샨이 창시한 '콘셉트를 즐긴다'는 전제에 서 있습니다. 그 때문에, 물론 눈에도 재미 있고 감각적으로도 즐길 수 있는 작품은 많이 있습니다만, 그 작품이 만들어질 때까지의 전제가 되는 사고방식이나 아티스트의 지식이 있는 것으로 보다 깊게 이해할 수 있다고 하는 작품이 주요한 것이라고 생각하면 좋을지도 모릅니다.
21세기가 되면, 본격적으로 양식은 개인 개인에 의해 완전히 다르게 되어, 예전처럼 특정 미술 운동이라고 하는 알기 쉬운 카테고리화를 거부하는 아티스트가 대다수를 차지하고 있습니다.

20세기의 유명한 현대 아티스트 · 1960-90년대

④ 잭슨 폴록

추상 표현주의의 대표격이며 전후 미국 미술에서 가장 유명한 아티스트 중 하나인 잭슨 폴록.
알코올에 익사하면서 제작을 계속하고, 최후는 운전하고 있던 차가 전주에 격돌해 없어졌다고 하는 장절한 인생은, 「반골 정신으로 가득한 거친 사람」이라고 하는 아티스트상을 결정 붙인 제1인자라고 할 수 있습니다 .

Convergence, 1952
폴록은 "액션 페인팅"이라는 새로운 제작 방법을 개발한 것으로 이름이 알려져 있습니다.
캔버스는 보통 이젤이라는 도구에 세워 땅에 수직인 방향으로 제작하는 것이 보통입니다. 그러나, 폴록은 캔버스를 바닥에 잠들게 하고, 한층 더 붓을 사용하지 않고 페인트를 뿌린다=드립·페인팅이라고 하는 수법으로 그렸습니다.
화면 전체를 균등한 열량으로 그린다=올 오버인 그리는 방법이라고도 할 수 있습니다. 폴록이 일으킨 혁명도, 화면 내에서 깊이를 소실시켜, 화면 일면이 「회화」로서 일어난다고 하는 것이었습니다.
완성된 결과로서의 회화가 아니라, 그것을 그리는 과정=액션을 중시하고 있었습니다.

⑤ 앤디 워홀

워홀은 당초 그림책이나 광고를 다루는 일러스트레이터로 일했습니다.
30대에 들어가고 나서, 캠벨·스프캔이나 달러 지폐등의 대량 생산품·카피된 것을 모티프로서 아트 작품을 제작하기 시작했습니다. 대중문화, 대량소비사회를 의도적으로 취급한 일종 치프한 작품군은 처음에는 엄격한 비판을 받고 있었지만, 점차 그의 활동은 '팝 아트'라는 새로운 예술양식으로 인정받아 음악과 영화 업계 팝스타와 함께 화려한 이미지를 만들었습니다.

워홀은 “모든 것을 알고 싶으면 표면만 보면 좋다.

또한 그는 자신의 스튜디오 '팩토리'를 설립했습니다.
이것은 공장과 같이 작품을 효율적으로 생산하는 의도로 만들어졌으며, 또한 각계의 유명인과 유명인으로부터 방랑자까지 폭넓은 층의 사람들을 초대해 교류를 깊게 했습니다.
팩토리는 인테리어 전체를 은빛으로 가득 채우기 때문에 별명 「더 실버 팩토리」라고도 불렸습니다. 워홀은 '아트 워커'라고 불리는 예술 노동자를 고용하여 수많은 명작을 낳았습니다.

이러한 공장 프로세스는 사실 워홀이 처음이 아닌 커녕 유럽에서 볼 수 있던 광경이었습니다. 티치아노나 루벤스 등 근대 이전의 대화가들도 자신의 공방을 경영해 대량의 견습생을 고용해, 자신의 일을 최소한으로 억제함으로써 대량이고 고품질의 작품 제작을 실현하고 있었습니다.

⑥신디 샤먼

스스로를 피사체로 하는 컨셉츄얼한 셀프포트레이트가 대표적인 작품으로, 50년대의 대중영화의 한 장면에 출연하는 여배우들의 결정 포즈로 분장해 촬영하는 사진 시리즈 「《Untitled Film Stills》」가 잘 알려져 있다 있습니다.

학생 시절은 슈퍼 리얼리즘적인 수법으로 회화를 제작하고 있던 샤먼이었지만, 에드리안 파이퍼 등의 사진 표현을 기반으로 하는 아티스트와의 교류를 계기의 하나로서, 사진을 자신의 메디움으로 하기 시작했습니다 했다.

버스의 다양한 승객에게 분장해 사진을 촬영하는 시리즈 「Bus Riders」라고 하는 작품을 비롯해, 「Untitled Film Stills」는 영화 세트를 이용해 제작한 광고 사진이나 영화의 1 장면을 방불케 하는 내용의 사진 시리즈입니다.
샤먼은 헌옷과 가발을 착용하고 다양한 여성으로 분장하고 있다. 샤먼에 의하면 1950년대부터 1960년대의 할리우드 영화, 느와르 영화, B급 영화, 이탈리아의 전위 영화 등에 등장하는 스테레오 타입인 여성 역으로부터 착상을 얻고 있다고 합니다.

⑦ 요제프 보이스

요제프 보이스는 지방과 펠트를 소재로 한 조각 작품의 제작, 액션, 대화 집회 외에 정치와 환경 문제에도 개입한 것으로 유명합니다.
자신의 활동을 「사회 조각」이라고 부르고, 종래의 아트라는 카테고리에 맞지 않는 다방면에 걸친 활동을 넓혔습니다.
어린 시절부터 자연이나 동물에 관심을 갖고 20대 전반 때의 종군 경험시에 부상을 입었을 때 현지 타타르인에게 지방과 펠트로 상처를 받았다는 경험에서 자신의 제작 소재로 선택 했습니다.

프럭서스라는 예술그룹의 중심 멤버로서 다양한 액션적 작품을 발표하고, 머리에 금박이나 벌꿀을 붙인 보이스가 토끼의 시체를 팔에 안고 그림에 접하게 하는 액션이나, 보이스가 미국 도착의 공항으로부터 구급차 에서 코요테가 있는 갤러리에 옮겨져 1주일 살은 후에 다시 독일로 출발한다는 것으로, 코요테와의 행동만을 강조함으로써 원주민에 대한 미국사회의 억압을 비판했습니다.

생명의 유명한 현대 아티스트
⑧ 아니시 카푸아

카푸아는 인도 뭄바이에서 태어난 영국의 현대 아티스트입니다.
색채, 빛, 지각, 공간을 직관적으로 생각하는 철학적이고 촉각적인 작품이 세계적으로 높은 평가를 받고 있습니다.
세계에서 가장 검은 물질 "벤타 블랙"이라는 도료로 도장한, 부풀어 오르기도 오목도 전혀 볼 수없는 입체 작품. 거대한 오목 거울에 감상자와 그 뒤의 풍경이 기묘하게 왜곡되어 비추어지는 작품. 마치 내장이나 혈육과 같은 글로테스크인 붉은 덩어리를 새하얀 방에서 대포를 사용하여 내세우는 작품.

하나하나는 언뜻 보면 수수께끼에 싸이면서 인간의 시각체험이나 감각의 기반에까지 개입하는 공간 전체를 사용한 설치작품은 그의 독자적인 시점을 상징적으로 표현하고 있습니다 .

⑨쿠사마 야요이

최근, 세계에서 가장 팔리고 있는 여성 아티스트가 된 쿠사마 야요이.
2019년에는 여성이 만든 예술의 전체 경매 매출 중 그녀의 작품이 시장의 25%를 차지했다고 보고되었습니다.
쿠사마의 혁신성은, 그 편집적인 작품 만들기와, 미디어를 넘어 퍼포먼스나 방 전체등도 작품으로서 파악하고 있는 곳에 있습니다.

그녀의 아이코닉한 호박·물방울 같은 모티브는 현재는 다양한 디자인이 되어 일상생활에 보급되고 있습니다. 그러나 원래는 정신병적인 성질을 앓고 있는 한 사람의 인간으로서의 표현이라는 굉장함을 가진 단순한 점을 그린다는 행위의 집합체였던 것입니다.
그녀의 작품은 어떤 종류의 폴록과 비슷하고, 최종적으로 완성된 작품 그 자체에 모든 가치가 집약되어 있는 것이 아니라 오히려 그 과정, 그것을 그려야 할 수 없었던 쿠사마 야요이라는 유일무 두 인간성의 표출로서 회화나 퍼포먼스의 작품이 인정되고 있다고 말할 수 있을 것입니다.

⑩브루스 나우만

브루스 나우만은 미국을 대표하는 컨셉츄얼 아티스트 중 한 명입니다.
네온관에서 과격한 말을 제시한 작품이나, 인간의 운동을 잘라 붙여 반복하는 것으로 성립시키는 영상 작품, 또 시적인 프레이즈를 음독하는 스피커를 통한 목소리가 방을 교착하는 작품 등, 메디움을 선택하지 않고, 철학적인 사색을 초대하는 활동을 많이 발표하고 있습니다.

나우만은 2009년에는 베네치아 비엔날레라는 아트계의 올림픽이라고도 불리는 국제전에서 미국의 파빌리온(전시관)에서 국가 대표로서 전시를 실시해, 금사자상(가장 명예 있는 상)을 수상했습니다.

나우만의 작품은 20세기를 대표하는 철학자 루트비히 위트겐슈타인의 '철학 탐구'라는 저작에 큰 영향을 받고 있습니다.
이 저작 중에서는, 우리가 일상적으로 운용하는 언어를 통한 커뮤니케이션 전반을 「언어 게임」이라고 부르고, 언어의, 즉 게임의 운용 방법에 의해서만 그 룰=언어의 의미는 결정된다고 하는 컨셉 를 중심으로 한 단편적・잠언적인 문장이 철자되고 있습니다.
나우만은 인간의 운동이나 언어의 한 조각을 잘라, 확대, 반복·강조함으로써, 그 일상적인 운용 방법으로부터 일탈시킵니다. 나우만이 행한 것에 의해서 처음으로 태어난 (그것이 아닐까 감상자가 생각해 버리는 것 같은) 새로운 행위나 언어의 의미를, 감상자인 우리는 생각하도록 요구되고 있습니다.

요약

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